sabato, dicembre 30, 2006

ULTIMO AVISO


Mañana a las 11,00 más bien 12 en adelante en el Gruta 77 homenaje anual a Los Ramones.Correrá a cargo,como siempre del prestigioso grupo DDT con el fantástico batería ambidiestro,al borde del virtuosismo a menudo,en la retaguardia.
No falteis al a cita.Tampoco ir muchos pues eso es enano y de pronto es como si se juntaran las paredes,si hacemos régimen cabremos varios.
A pie de página añado que el día 2 de January estará Marky Ramone.Vosotros vereis...

venerdì, dicembre 29, 2006

Ramone no te haces,naces.




Y como muestra un botón.Por increíble que parezca ambos son la misma persona.
Agradezco la colaboración inestimable de Diego 95 de GTO a la hora de elaborar las foto primera.

giovedì, dicembre 28, 2006

Blondie





Grupo neoyorquino de new wave creado en la gran manzana a mediados de los años 70 y liderado por la rubia Deborah Harry (nacida el 1 de julio de 1945 en Miami, estado americano de Florida), antigua cantante del grupo The Stilettos, formación en la que se encontraban también el guitarrista Chris Stein, el bajista Fred Smith y el batería Bill O'Connor. Este cuarteto serían los primeros componentes del grupo Blondie, apelativo derivado de un piropo que solía recibir la guapa Debbie cuando paseaba por las calles de Nueva York.
A los pocos meses de andadura se produjeron importantes variaciones en el grupo, Smith se unió a Televisión y abandonó la formación, al igual que el batería O'Connor.
Sus reemplazos serían el bajista Gary Valentine y el batería Clement Burke, a los que se les añadió como nuevo miembro el teclista James Destri.
En 1976 firmaron con Private Stock Records y publicaron su primer Lp titulado "Blondie" (1976).
Tras este disco el bajo Valentine sería sustituido por Frank Infante, conformando finalmente el quinteto más reconocido de Blondie, quienes se mudaron a Chrysalis Records, compañía discográfica que reeditó su disco debut, marcado por un atractivo sonido propia de la new wave americana pero con reminiscencias de los girl groups de los 60.
El disco contenía temas conocidos de la banda como "X Offender" (su primer sencillo) o "In the flesh".
Su segundo larga duración fue "Plastic Letters" (1977), otro estupendo album producido por Richard Gottehrer en el que contaban con la inclusión de un nuevo miembro, Nigel Harrison, que pasó a ocupar el puesto de bajista, mientras que Frank Infanti apoyó en el trabajo de guitarra a Chris Stein.
Dentro de sus cortes, se encontraban los hits británicos "Denis", una versión de Randy & The Rainbows, y "(I'm always touched by your) Presence, Dear".
Tambien el álbum sería un gran éxito en Inglaterra, país en donde alcanzarían mayor popularidad que en su tierra natal.

"Parallel Lines" (1978) fue su trabajo más completo y el mejor recibido comercialmente, ya que contenía el single "Heart of Glass", un número 1 en todo el mundo que coqueteaba con el sonido disco.
El sonido de Blondie se alejaba de la new wave y se acercaba al pop más comercial, en parte debido a la producción de Mike Chapman. Otros temas como "Picture this", "Hanging on the telephone", "One way or another" o "Sunday girl" (número 1) convirtieron a Blondie en uno de los grupos punteros del pop-rock de finales de década y a su vocalista en uno de los iconos femeninos de los 70.
"Eat to the beat" (1979) fue la continuación de su momento más brillante. Otro competente disco pop con elementos discotequeros producido de nuevo por Chapman que les aportó otro triunfo comercial en Gran Bretaña.
"Dreamin", "Union City Blue" y "Atomic" (número 1) son los temás más populares del álbum.
Sin variar de estilo y con la producción de Giorgio Moroder grabaron "Call me", un sencillo aparecido en la película protagonizada por Richard Gere "American Gigolo" que les llevó de nuevo al primer puesto en las listas mundiales.
El cambio de década supuso para Blondie otros grandes éxitos en formato single con "The tide is high" y "Rapture", canciones que venían incluidas en "Autoamerican" (1980), un disco inferior a sus obras precedentes que presentaba sonoridades procedentes del reggae y el rap, las cuales expandían su esencia pop.
Tensiones crecientes entre los componentes de la banda, incursiones en solitario de Debbie Harry ("KooKoo") y una grave enfermedad de Chris Stein supuso el fin de Blondie como grupo en 1982 tras la publicación del flojo "The Hunter" (1982).
Su principal imagen, la cantante Deborah Harry, prosiguió su carrera en solitario e hizo sus pinitos en la industria cinematográfica.
Posteriormente se volverían a reunir los miembros originales para grabar "No exit" (1999), que suministraría otro hit a su larga carrera con el sencillo "Maria".
Unos años más tarde publicaron "The Curse of Blondie" (2004) y el directo "Live by Request" (2004).

mercoledì, dicembre 27, 2006

Especial anual Ramones el 30 de Diciembre en Gruta 77.





El sábado 30 de Diciembre,como cada año,se celebrará en la sala GRUTA 77,el concierto especial anual homenaje a Los Ramones.Este concierto es un clásico de las vísperas de nochevieja y corre a cargo del grupo DDT que tocará íntegramente temas del mítico grupo americano.
Como siempre habrá sorpresas y colaboraciones especiales.

martedì, dicembre 26, 2006

Muere James Brown





Muere James Brown ,el padrino de soul,víctima de una grave neumonía.Mr. Dinamita,como se le conocía era capaz de cambiarse de vestuario hasta doce veces en cada actuación.Fue uno de los primeros en ingresar en el prestigioso Salón de la Fama.


Muere James Brown, el "padrino del soul"
Por Xavier Letamendi
Publicado: lunes, 25 de diciembre de 2006 23:06
El fallecimiento ayer del legendario James Brown, el "padrino del soul", supone la desaparición de una de las principales referencias de la música en los últimos 50 años, junto a Elvis Presley, Bob Dylan y pocos elegidos más.

La muerte del que algunos también consideran el "rey del funk", le sobrevino ayer a las 01.45 hora local en el Hospital Emory Crawford Long de Atlanta (Georgia), al que había ingresado el domingo aquejado de una neumonía.

Brown, que nació el 3 de mayo de 1933 en Carolina del Sur, durante la Gran Depresión, fue, al igual que Elvis Presley y Bob Dylan, una de las principales influencias musicales de los últimos 50 años.

David Bowie, Michael Jackson y Mick Jagger son algunos de los artistas que le tuvieron como maestro.

venerdì, dicembre 22, 2006

Foto histórica:Yo con Los Ramones

Los Ramones-Galería




Los Ramones,los precursores.

Los Ramones fueron la primera banda de rock punk. Otras bandas como los Sex Pistols estuvieron antes y marcaron la estética y la violencia del género, pero Los Ramones materializaron los ideales del ritmo.

Cuando el cuarteto formado en Queens entró en escena en 1976 con su primer disco, titulado con el nombre de la banda, lo hicieron en medio de un escenario de rock narcisista. Los Ramones lo devolvieron a lo básico: canciones simples, rápidas y puras de rock and roll. Sin maquillaje, sin egos, sin juego de luces, sin sinsentidos.

Aunque sus letras eran algo oscuras, salidas del sótano mismo de la adolescencia, el grupo también supo darle un toque caricaturístico y divertido que reenergizó el rock and roll. Relanzaron el movimiento punk desde sus raíces en Nueva York y Londres, además de reducir las presentaciones del rock tamaño estadio a espacios más reducidos como los clubes de barrio.

El estilo de los Ramones estaba basado en la esencia misma del rock and roll (cuatro instrumentos, una melodía pegajosa y letras llamativas), pero acelerándole el ritmo. Estaban anclados en el estilo de inicios de los 60, antes de que los mismos Beatles sonaran revolucionarios.

Contemporáneos como “Patti Smith, “Television”, “Talking Heads” y “Richard Hell” tenían un estilo más intelectual y artístico que los Ramones. A pesar de ello, la banda apelaba a esa misma mentalidad debido a la forma en que transformaron el rock, además de hablar de una cultura pop kitsch y particularmente tonta.

Sus primeros cuatro álbumes fueron el mapa que guió a la música punk y el hardcore durante las próximas dos décadas. Una carrera tan dilatada fue criticada por muchos alegando que la banda había renunciado a sus ideales originales y no permitió la evolución estética del punk, pero lo cierto es que los Ramones tocaban porque les gustaba la música, nada más.

Originarios de Forest Hills en el barrio de Queens en Nueva York, los Ramones se formaron en 1974 originalmente como un trío. Joey Ramone (Jeffrey Hyman) tocaba la batería y cantaba, Johnny Ramone (John Cummings) era el guitarrista y Dee Dee Ramone (Douglas Colvin) llevaba el bajo. El grupo era representado por Tommy Ramone (Tom Erdelyl), quien más tarde pasaría a tocar la batería y Joey se dedicó a cantar.

Todos los integrantes que han formado parte del grupo se han puesto el Ramone como apellido, además de usar jeans, camisetas y jackets de cuero negro en una clara señal de respeto a los músicos de la vaselina.

Su primera presentación fue el 30 de marzo de 1974 en el Performance Studio de Nueva York, después de la cual Tommy Ramone empezó a tocar la batería. A finales de año el grupo ya era un grupo fijo en el club CBGB, en donde tocaron por casi un año, además de otros lugares de Nueva York. Sus presentaciones no duraban más de 20 minutos, porque sus canciones no eran más largas de dos minutos. Fue en este período que lograron una base importante de seguidores.

En 1975 firmaron un contrato con Sire Records, lo que los convirtió en los segundos punk en firmar un contrato después de Patti Smith. Ese mismo año tuvieron su primera presentación en televisión en los Radio City Studios.

Su primer disco salió a la venta en Estados Unidos en la primavera boreal de 1976 y en Inglaterra el 4 de julio de ese mismo año. El costo de grabación no superó los US$6 000,00. “Ramones” llegó al lugar 111 de la lista de álbumes más vendidos. El año transcurrió entre presentaciones y el estudio de grabación: el resultado fue su segundo LP “Ramones Leave Home”. El disco no tuvo mayor suceso en Estados Unidos, en tanto en Inglaterra llegó a la casilla 48 durante la primavera de 1977. Unos meses después los Ramones y los Sex Pistols eran los dueños de la escena punk, pero con la separación de los Pistols la mesa quedó servida para los Ramones que a finales de 1977 sacaron su tercer LP: “Rocket to Russia”.

En mayo de 1978 Tommy Ramone dejó de tocar en la banda y se dedicó a producir el próximo disco. En su lugar llegó Marc Bee quien fue rebautizado como Marky Ramone. Con su nuevo baterista los Ramones grabaron su cuarto álbum: “Road to Run” y lo lanzaron a finales de año. El disco fue el primer intento serio del grupo por cambiar de sonido adoptando sonidos de los sesenta como el chicle, los coros femeninos y el surf, sino que además fue su primer disco en pasarse de los 30 minutos.

Aunque su sonido era más accesible, no le dio al grupo la notoriedad que merecía; como tampoco lo hizo la película de 1979 “Rock and Roll High School” en la que los Ramones eran una pieza central.

Los primeros cuatro álbumes de la banda iniciaron una revolución en el estilo de hacer música y en el vivir mismo. Aunque las canciones de los Ramones pueden verse sencillas a primera vista, su síntesis casi icónica de la realidad las convierte en una comunicación directa y sin ambigüedades. Inclusive, el uso de la estética de los años sesenta lejos de convertir su música en un viaje retro, le dio al grupo una considerable dosis de originalidad.

Su quinto disco se grabó en 1979 con el legendario Phil Spector como productor. La canción principal de la película “Rock and Roll High School” era de este disco en producción. Además, la gran mayoría de las canciones de la película eran viejas producciones del grupo que fueron remezcladas por Spector.

En enero de 1980 apareció “End of the Century”. El disco fue recibido muy bien por la gente, aunque las críticas fueron mixtas. En Inglaterra la versión de “Baby I Love You” de las Ronettes estuvo entre las 10 más calientes, en tanto en Estados Unidos el disco como un todo estuvo en el puesto 44.

Aunque en 1981 lanzaron otro disco (Pleasent Dreams) el disco pasó sin pena ni gloria. Hasta 1983 el grupo se dedicó a ir de gira por Estados Unidos y Europa. Ese año lanzaron “Subterranean Jungle” un LP producido por Ritchie Cordell y Glen Koltkin, los dueños de la disquera Beserkley. El disco no solo no alcanzó a ampliar la cantidad de seguidores, sino que además redujo la cada vez más escasa base de seguidores, además de darle argumentos de sobra a la crítica. Terminado de salir el disco, Marky Ramone dejó el grupo y fue sustituido por Richard Beau, ahora Richie Ramone.

En 1984 lanzaron “Too Tough To Die” una clara respuesta a la nueva ola punk que se apoderaba de norteamerica. El disco les ayudó a reponer su reputación artística, como también lo hizo el sencillo de 1985 “Bonzo Goes to Bitburg”, un claro ataque a la visita que hizo Reagan a Alemania en 1985.

Sin embargo, y a pesar del éxito, los Ramones no siguieron con el sonido que lograron en “Too Tough To Die”, muy por el contrario su siguiente disco “Animal Boy” inauguró un estilo musical más popular, estilizado y convencional que se mantuvo hasta la separación de la banda en 1996.

A lo largo de los años 80 el grupo varios cambios en su formación que incluyeron las salidas de Dee Dee y Richie Ramone y el regreso de Marky Ramone.

A inicios de los noventa la banda logró estabilizarse con la entrada a tratamiento contra el alcoholismo de Joey y Marky Ramone. En 1992 grabaron Mondo Bizarro un disco que fracasó estrepitosamente, al igual que su sucesor Acid Eaters, un disco de covers.

Luego de este disco, percibieron que la presencia de agrupaciones como Green Day y Offspring estaba revitalizando el punk. Por eso decidieron lanzar “Adiós Amigos”, un disco que de no tener éxito significaría la desaparición del grupo. Y así fue. En 1995 la banda salió a su gira de despedida, además de aceptar una invitación al festival Lollapalooza. Después cada cuál siguió su camino, 20 años después de lanzar su primer disco.

Su última presentación fue el 6 de agosto de 1996 en The Place, en Los Ángeles. Marky Ramone intentaría seguir con un par de bandas que llevaban su nombre, CJ armó “Los Gusanos” y “Warm Jets”. Dee Dee intentó en el Rap pero no tuvo ningún suceso y conformó su propio grupo que no ha tenido mayor impacto.

Los que alguien llamó “los Beatles del punk” en 2002 recibieron el reconocimiento más importante de su carrera cuando fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll.

El 15 de abril de 2001 Joey Ramone falleció por un linfoma, en junio de 2002 Dee Dee Ramone falleció por una sobredosis de droga y el 16 de setiembre de 2004 Joey Ramone falleció consecuencia de un cáncer.

Los Ramones se presentaron en 2 263 concierto, casi tantos como los Grateful Dead, por paradójico que pueda sonar. Grabaron 21 discos, casi uno por año, y hoy son reconocidos como una de las bandas más influyentes de la escena americana, mientras siguen revolucionando el rock and roll.

martedì, dicembre 19, 2006

Los Clash.




Los Clash.El mejor grupo de todos los tiempos.

Se formaron durante la primera explosión punk de los años setenta en Inglaterra y llamaron la atención por su sonido fuerte y heterodoxo, además de su pensamiento político señalado como de izquierda. A de que su idea de "los admiradores están primero" les granjeó muchísima audiencia y opinión positiva, lo que los separó del resto de los grupos fue su capacidad de cambiar permanentemente en su creación musical. A pesar de ello, siempre se mantuvieron a la vanguardia del movimiento rock.

Su primer disco, "The Clash", nunca fue lanzado apropiadamente en los Estados Unidos y, para cuando finalmente fue presentado, algunas pistas fueron removidas para dar espacio a los sencillos que tenían la posibilidad de llegar a ser éxitos.

Se formaron durante la primera explosión punk de los años setenta en Inglaterra y llamaron la atención por su sonido fuerte y heterodoxo, además de su pensamiento político señalado como de izquierda. A de que su idea de "los admiradores están primero" les granjeó muchísima audiencia y opinión positiva, lo que los separó del resto de los grupos fue su capacidad de cambiar permanentemente en su creación musical. A pesar de ello, siempre se mantuvieron a la vanguardia del movimiento rock.

Clash tenía una química difícil de explicar que los hacía una gran banda. Joe Strummer, el guitarrista rítmico, escribió la mayoría de las canciones, mientras que el guitarrista Mick Jones era quien componía la música. En tanto el bajista Paul Somonon ayudó a desarrollar la forma (anti) estética de la banda. El baterista, Topper Headon, un tipo que iba de aquí para allá, se encontró con la posibilidad de darle el poder y la fuerza a la banda. Fue esta mezcla de talentos y personalidades lo que convirtió a Clash en una máquina con fuerza creativa.

Cuando la banda salía a escena ponían todo su ideario político e idealismo dentro de un empaque cargado de fuerza, energía y explosividad que se conectaba directamente con los sentimientos de la audiencia.

Mick Jones y Joe Summer se conocieron en una fila de desempleados. El grupo se formó en junio de 1976 cuando Strummer dejó su grupo de pub, los "101ers", para unirse a Jones, Paul Simonon y al guitarrista Keith Levene, quienes venía de la banda de Jones llamada "London SS". Llamaron a Terry Chimes (apodado como "Tory Crimes") para la batería. Unos meses después Levene dejó la formación para armar una propia.

En el momento en que se formaron Strummer vivía en una casa comunal y Jones compartía el cuarto con su abuela. Ambos estaban en el lugar preciso para poder escribir sobre el aburrimiento, la pobreza y la lucha de clases que guiaba el punto de vista punk. Simonon, el bajista, sugirió el nombre "The Clash" al notar las veces que aparecía la palabra en un diario que leía frecuentemente. El nombre insinuaba el conflicto de sus propias vidas, por eso no podía haber un mejor nombre.

Su primer disco, "The Clash", se grabó en tres fines de semana y fue presentado en Inglaterra en abril de 1977. El disco fue llamado "arquetípico del punk" y fue uno de esos discos que cambiaron la historia y la forma del rock. En él venían canciones que se convertirían en himnos del movimiento punk como "White Riot", "I'm So Bored With the U.S.A." y "London's Burning." En ese mismo álbum el grupo reconoce la raíz política que los une con el reggae en la canción "Police & Thieves".

"The Clash", nunca fue lanzado apropiadamente en los Estados Unidos y, para cuando finalmente fue presentado, algunas pistas fueron removidas para dar espacio a los sencillos que tenían la posibilidad de llegar a ser éxitos. El disco tuvo éxito fundamentalmente por el boca a boca y porque la prensa habló maravillas de la banda.

A finales de 1977 e inicios de 1978 el grupo lanzó una serie de sencillos que no fueron incluidos en LPs posteriores que funcionaron como comunicados ideológicos con sus admiradores, las canciones fueron "Complete Control", "Clash City Rockers" y "(White Man) In Hammersmith Palais". Su segundo álbum, "Give 'Em Enough Rope", fue un llamado al perfeccionamiento en la ejecución. De ahí se extrajeron "Safe European Home" y "Stay Free".

Sin embargo, el disco que es considerado el clásico de The Clash fue el doble LP "London Calling" que salió a la venta en Inglaterra en diciembre de 1979 y en Estados Unidos en enero de 1980. El disco combinaba la energía y actitud del punk de los setenta, con el enfrentamiento y la inteligencia de la década que comenzaba. El disco producido por Guy Stevens se convirtió en uno de los discos más importantes de la década.

De él se extrajo su primer éxito en Estados Unidos "Train in Vain" que llegó al número 23, aunque fue incluida en el último minuto y ni siquiera aparecía en la funda del disco. Intencional o no, la omisión del dato hacía ver que el grupo no tenía mucho que ver con el tema de la fama, o al menos sabían controlarla.

Ese mismo año presentaron la película "Rude Boy" en la que aparecían varios actos en vivo de la banda. En ellos se demostraba porque han sido considerados uno de las mejores presentaciones en la historia del rock.

Manteniéndose consecuentes con su visión de mundo, su cuarto álbum se llamó "Sandinista!" que se inspiraba en los movimientos revolucionarios centroamericanos y en la triunfante revolución nicaragüense. Era una reafirmación de sus ideales. El disco era un triple LP, al que la banda le rebajó sus ganancias para poder venderlo a un precio relativamente accesible. Los discos tenían temas como "The Magnificent Seven", "The Call Up", "Police on My Back" y "Washington Bullets" que empujaron al triple álbum hasta el número 27 en Estados Unidos, parecido al 24 de su predecesor. Si se toma en cuenta el costo de los discos realmente fueron muy buenas colocaciones.

Su último disco fue "Combat Rock". Presentado en 1982 llegó hasta el número 7 de los discos más vendidos empujado por los sencillos "Rock the Casbah" y "Should I Stay or Should I Go". Esta última canción llegaría a ser el único número uno de la banda en Inglaterra, nueve años después de su lanzamiento oficial.

En el momento en que salió "Combat Rock" el grupo enfrentaba diferencias internas importantes que llevaron a su ruptura en la cima de su carrera. Su última presentación fue en un festival de rock en 1983. Luego Jones volvería a unir a Strummer y Sinonon para armar el grupo Big Auido Dynamite que lanzaría el tema "Cut The Crap" en 1985, para luego desbandarse al año siguiente.

Los integrantes de la banda se mantuvieron alejados por mucho tiempo hasta que se se reunieron a finales de los 90 para una compilación de éxitos y un documental sobre la banda. Aunque eso y la actuación en el 2002 en una beneficencia hizo ver las posibilidades de una reunión, todo se acabó con el fallecimiento de Joe Strummer el 22 de diciembre del 2002 de un ataque al corazón.

Simplemente "The Clash", estuvo entre las bandas más explosivas e interesantes en la historia del rock and roll. Ayudaron a crear y definir el movimiento punk. Si los Sex Pistols con su corta duración fueron la expresión del nihilismo, entonces Clash expresó la conciencia política. Después de la separación de los Sex Pistols, Clash se convirtió en el centro del movimiento punk y fue su icono durante cinco años. Sus discos fueron una muestra de tiempos tumultuosos, cargados de instinto y la crudeza del poder.

lunedì, dicembre 11, 2006

Adam and the Ants-Fotos




Adam and the Ants

Adam Ant es uno de esos fenómenos de la música que llegan y salen con la fuerza de un huracán. Un tema basta para que en dos semanas la gente se vuelva loca y con la misma velocidad les olvide.
Inicialmente, Adam Ant, se basó en el uso intenso de la guitarra propio del post punk, más tarde pasó al pop y luego retornó como un cantante para el público adulto. Sus grabaciones más que influyentes eran una muestra de los movimientos en los que se inscribió.
Stuart Leslie Goddard, Adam Ant, nació en londres el 3 de noviembre de1954. Hijo único de una familia de trabajadores, tuvo las oportunidades básicas de estudio de un chico de su generación.
Terminada su secundaria, a inicios de los setenta, se enroló en "Bazooka Joe" una banda con la que estuvo hasta 1975 cuando se marchó para formar su propio grupo: Los "B-Sides". Al mismo tiempo cambió su nombre a Adam Ant y su esposa se lo cambió a Eva.
Para 1977 se había divorciado y abandonó la universidad para dedicarse enteramente a la música. Entonces formó un grupo post punk llamado "Adam and the Ants" en el que estaba el guitarrista Lester Square, el bajista Andy Warren y el baterista Paul Flanagan. Envueltos en vendas, se convirtieron en un éxito local y tuvieron algunas apariciones nacionales. El grupo era más teatral que los demás grupos punk e incluían objetos e imágenes sadomasoquistas.
Ansioso por alcanzar la fama y un contrato con algún estudio de grabación, contrató al antiguo manejador de los Sex Pistols, Malcom McLaren. A finales de 1979 ya habían grabado su primer álbum "Dirk Wears White Sox". La contratación de McLaren trajo consigo un cambio de imagen y de estilo musical. Por una parte el grupo empezó a vestirse como piratas y por otra la música se volvió más pop.
Desafortunadamente, después de la salida del disco, McLaren, convenció a las hormigas (Ants) de dejar a Adam y convertirse en el grupo de rock Bow Wow Wow.
Inmediatamente Adam rearmó la banda con el guitarrista Marco Pirroni, el bajista Kevin Mooney y los bateristas Terry Le Miall y Chris "Merrick" Huges. Bautizaron su ritmo como "Antmusic", aunque los especialistas lo llamaron, new wave. Su primer LP fue "Kings of the Wild Frontier" que alcanzó un éxito comercial impresionante con tres canciones que llegaron al top 10 inglés: "Dog Eat Dog", "Antmusic" y el tema homónimo del disco. Los temas venían acompañados de videos cargados de maquillaje que llamaban la atención de todo el mundo y explotaban la figura estilizada de Adam Ant.
Sin embargo, con el éxito llamando a las puertas, la banda se volvió a separar después de la salida de "Prince Charming" el LP de 1981. A pesar de ello, Ant continuó su relación musical con Marco Porroni y, a partir de ello, lanzó su carrera en solitario con el disco de 1982 "Friend or Foe". El disco fue un éxito en Estados Unidos obteniendo un disco de oro y llevando el sencillo "Goody Two Shoes" al número uno. También se extrajeron "Friend or Foe" y "Hello, I Love You".
En 1983 volvió con "Strip" un disco que fracasó en Estados Unidos, pero que incluía el sencillo "Puss 'n' Boots" producido por Phil Collins y que llegó a las 10 más calientes de Inglaterra.
Justo después de ese éxito parcial vino el álbum "Vive Le Rock" que hacía referencia al rock de los 50 y que fue producido por Tony Visconti quien produjo a los rock punk T-Rex y a David Bowie. Vendría su presentación en Live Aid y con ella una pausa en su carrera musical para dedicarse de lleno a la actuación.
En 1990, Adam Ant regresó con el disco "Manners and Physique", un proyecto cargado a lo electrónico y producido por el ex bajista de Prince, Andre Cymone. Con ese disco Ant volvió a las listas con "Room at the Top". A este disco le siguió "Persuasion", pero la disquera MCA decidió no sacarlo y Ant volvió a las pantallas.
5 años más tarde regresaría con "Wonderful", un disco basado en la música de los Beatles, usando guitarra y el tradicional apoyo del sintetizador. Desafortunadamente, el disco empezó a despegar con el tema que le daba al nombre al disco, cuando Ant cayó enfermo y eso lo forzó a no llevar a cabo una gira mundial.
De alguna manera, su estilo musical se puede escuchar en el trabajo de Elastica, Nine Inch Nails y Suede.

Culture Club II




giovedì, dicembre 07, 2006

Culture Club

Los años ochenta fueron los años del exceso, de la imagen por la imagen, de encontrar nuevas formas de impactar por medio de la comunicación en las masas. Probablemente los primeros en entenderlo fueron los Devo con su video específicamente preparado para lanzar un tema, no como resultado de su éxito.
Le siguieron los Duran Duran, Prince y Madonna que usaron el video como su sello personal, generando una expectativa en torno al lanzamiento del video mismo, además de la canción que lo movía. Sin embargo, en medio de esa construcción mediática de imágenes apareció un rostro prefabricado (Michael Jackson todavía no se había hecho "las dos cirugías"), ambiguo, desabrido. En algún sentido, fue el rostro de los años ochenta: Boy George (George O'Dowd). Su apariencia travestida fue un ícono para una época, en Costa Rica quizás significó el abordaje de temas sexuales entre jóvenes, pero en el norte era una imagen que aprovechó el ambiente de "todo es posible, no hay límites" de la década.
Con una representación así de directa, Culture Club, tuvo las puertas abiertas para hacer lo que quisiera con una audiencia que estaba dispuesta al impacto. Pero frente a una imagen transgresora, había una música pop, romántica y suave, que no tenía mayores pretensiones.
George O'Dowd dejó su natal Kent (Inglaterra) a finales de los años 70 para dirigirse a Londres buscando un ambiente más abierto y estimulante para terminar de desarrollar su singular sentido de la moda. Y así fue.
Empezó a presentarse en varios clubes y se convirtió en una especie de punto de referencia porque imponía una tendencia romántica, como los finales felices de las películas adolescentes de la época. Estas presentaciones facilitaron una presentación con Malcolm McLaren que luego daría paso al grupo "In Praise Of Lemmings" que tuvo una vida tan corta como etérea.
Sin embargo, esto permitió el contacto con el exbajista y Disc Jockey, Mikey Craig y el que fuera baterista de Clash, Jon Moss, con quienes desarrolló su estilo musical basado en lo más suave del Rithm & Blues. La formación se completó con el guitarrista Roy Hay y de ahí salió Culture Club.
Aunque el éxito no fue instantáneo, sobrevivieron tanto como para lanzar "Do You Really Want To Hurt Me", que llegara a ser número uno en Inglaterra y segunda casilla en Estados Unidos en 1982.
El disco debut, "Kissing To Be Clever", permitió que "I'll Tumble 4 Ya" y "Time" también se convirtieran en éxitos y se despertara una fascinación por la apariencia de George en Estados Unidos.
En este terreno fértil cayó el segundo disco "Colour By Numbers" de 1983 del que salió el número uno mundial "Karma Chameleon", junto con los éxitos "It´s a Miracle" y "Miss Me Blind". El éxito conseguido hizo que la voz de George y su imagen estuvieran vigentes por casi todo 1984.
Sin embargo, el hecho de que George probara la heroína y luego terminara su relación con Moss llevó a un disco que fracasó antes de salir: "Waking Up With The House On Fire" que terminó con la popularidad del grupo que era bastante alta, a pesar de "The War Song" que dentro de todo tuvo aceptación. Esto provocó que se separaran en 1987 después de "From Luxury to Heartache".
Boy Geroge fue puesto en prisión por su dependencia de la droga, lo que terminó de liquidar sus posibilidades como solista, mientras que el resto de los integrantes no tuvieron una suerte diferente. No obstante quedó como legado el manejo de la imagen, temas que aún hoy se bailan con nostalgia y el éxito alcanzado en dos años por una banda atípica.
En 1998 la banda se volvió a reunir para aprovechar que los 80 se volvieron a poner de moda y grabaron "I Just Wanna Be Loved" que se incluyó en el disco de la serie "VH1 Storytellers". Sin embargo, el brillo de 7 Top 10 en Inglaterra y 9 en Estados Unidos, no volvió.
Fue mítico el concierto que dieron en Madrid en el año 1984 en la sala Morasol de la calle Pradillo que ahora vuelve a ser un cine como antiguamente.Aún lo recuerdo como lo más divertido y con mayor sentido del espectáculo que he visto en mi vida.

martedì, dicembre 05, 2006

Biografía de los B-52`s




Se ha dicho que los B-52’s representan el sonido estadounidense de la misma manera que los Beach Boys. La diferencia radica en que hablar de un sonido específico después de los setenta es algo bastante difícil.

25 años después de haber empezado en un pequeño apartamento de Athens en Georgia, los B-52’s han vendido más de veinte millones de copias y permanecen como una de esas bandas raras y particulares, tan desconocidas como famosas.

De alguna manera, los B 52’s fueron una gran broma que aparecieron justo cuando el Punk declinaba y el New Wave emergía. El grupo apareció como una banda de los 60 cargada de inocencia, mezclando el pop con las raíces del surf, básicos en lo musical y tremendamente divertidos. la diferencia es que los B-52’s eran ridículos a propósito.

Quizás fue la primera agrupación que de dedicó a glorificar la cultura pop con el mismo empeño que Andy Warhol: presentaban un estilo de película de segunda con un sonido de primera que exaltaba lo extraño y absurdo dentro de la esencia cultural norteamericana. Aunque no necesariamente era una fórmula para el éxito, era algo bastante original.

Los B-52’s se unieron en octubre de 1976 en una noche de copas en un restaurante chino de Athens, Georgia. El nombre lo tomaron del apodo sureño que se le daba al moño alto y exagerado que se elevaba sobre la cabeza de las mujeres en los años 60.

Su primera presentación fue en una fiesta de amigos el 14 de febrero de 1977. Luego, Fred Schneider, Kate Pierson, Keith Strickland, Cindy Wilson y Ricky Wilson; empezaron a viajar en coche todos los fines de semana a Nueva York para presentarse en cuanto local los recibiera.

No pasó mucho tiempo antes de que se convirtieran en la sensación del mundillo pos punk. Pronto llegó un contrato para grabar su primer disco titulado con el nombre del grupo y producido por Cris Blackwell. El LP vendió más de medio millón de copias empujado por los sencillos “Rock Lobster” y “52 Girls”.

Lo asombroso de esto es que vendieron el disco y desarrollaron una base de admiradores exclusivamente a través del boca a boca, porque la radio prácticamente no los tomaba en cuenta. Ellos habían encontrado un hueco dentro del panorama, pero era un espacio que cada día se hacía más grande porque la gente quería cosas nuevas y frescas, y eso eran los B-52’s.

Sin quererlo se habían convertido en la punta de lanza del “New Wave” de los años 80. Junto a Blondie y los Talking Heads, los B-52’s siguieron la transformación del rock iniciada por el punk, ahora en declive.

El lanzamiento de su segundo disco, “Wild Planet”, en 1980 les trajo más cobertura en la radio y más seguidores. Canciones como "Private Idaho", "Give Me Back My Man" y "Strobe Light". Con sólo dos LPs los B-52’s tenían ya un catálogo de canciones que los identificaba como los dueños de la música alternativa. “Mesopotamia” de 1982 y “Whammy!” de 1983 le dieron al grupo mucha presencia en MTV y en la radio. Fue en 1985 cuando su guitarrista Ricky Wilson falleció de sida, enfermedad que en esa época era poco conocida.

Por eso su disco “Bouncing Off The Satellites” de 1986 fue dedicado a Willson. El disco tardó tres años en producirse y de él se extrajeron “Summer of Love” y “Wig”. Sin embargo, el disco no fue promovido con la fuerza necesaria, fundamentalmente porque el grupo estaba devastado por la pérdida y se cuestionaba seriamente seguir.

Pasaron tres años de duelo antes que Keith Strickland saliera de la batería y pasara a la guitarra a componer la música del nuevo dusco. El resultado fue un disco en el cual toda la agrupación metió cabeza y recibió la colaboración de los productores Don Was y Nile Rogers. “Cosmic Thing” (1989) fue el disco más vendido hasta ese momento y los convirtió en la banda de moda. El LP los devolvió a sus orígenes y de alguna manera fue el reconocimiento que no tuvieron al inicio.

Con 5 millones de copias vendidas y dos canciones entre las 10 más calientes ("Love Shack" y "Roam"), el disco los colocó como la agrupación obligada en cualquier baile, además de presentarlos a una audiencia más joven.

Después de 18 meses de gira que incluyeron una presentación ante más de medio millón de personas en el Central Park de Nueva York, la banda decidió descansar y fue ese el momento que aprovechó Cindy Wilson para salir de la forma más amistosa. Entonces empezó su proyecto en solitario: una bebé. Kate Pierson empezó a colaborar con otros artistas, incluidos los R.E.M. que también son de Athens.

Convertidos en un trío Fred, Keith y Kate lanzaron “Good Stuff” en 1992. Al mismo tiempo dedicaron su tiempo a trabajar por el tema del ambiente, el sida y los derechos de los animales, quizás es por eso que disco contiene tantas referencias a temas políticos y sociales.

Ocasionalmente Cindy Williams se une a la formación para salir de gira y colaborar en algunas grabaciones como las que se incluyen en el disco de éxitos “Time Capsule” de 1998.

Con el lanzamiento de su colección de éxitos de dos discos titulada “Nude on the Moon: the B-52's Antholog” en 2002, empezaron a recoger lo sembrado y a recibir crédito por su aporte a la música.

Han sido mineros de la cultura pop estadounidense y han creado un estilo muy particular que los mantiene vigentes sin importar la edad del público. En palabras de Fred Schneider “Solo hicimos lo nuestro que es una combinación de rock and roll, funk, Fellini, presentador de programas de juegos, maíz y mysticismo.” Y agrega, Keith Strickland “Quizás recién la gente empieza a entender lo que hacemos y lo que hemos venido haciendo todo este tiempo. (...) El mensaje subyacente de los B-52’s es, ‘está bien ser diferente’”.

lunedì, dicembre 04, 2006

Los B-52´s.





Este grupo americano de los años 80 puro derroche de alegría,optimismo,belleza y diversión.Los modelazos eran lo más,la envidia de cualquiera.Algunos los tachaban de superficiales y sin grandes aspiraciones.Pero resultaron ser buenísimos.La buena música no tiene que estar reñida con el sentido del humor.Me quedaba horas y horas mirando las portadas de sus discos en mi habitación mientras afuera llovía,la gente era gris y mis padres no me dejaban salir.Gracias a ellos la vida era mejor.Gracias por hacerme soñar.

Los B-52´s.




venerdì, dicembre 01, 2006

Stingray






STINGRAY
El capitán Troy Tempest y George lee Sheridan, son los pilotos del "Stingray", un super submarino empleado por la organización WASP (Patrulla de Seguridad del Mundo Acuanauta), que tiene su cuartel general en Marineville, donde el comandante Sam Shore, su hija Atlanta, y el subteniente Fisher, vigilan los océanos del mundo y dirigen al "Stingray" y a sus tripulantes para abortar cualquier amenaza submarina.
La acción se sitúa en el año 2065, donde existen un buen número de razas de humanoides acuáticos que viven en los inmensos abismos oceánicos. Entre ellos se encuentra Titán, soberano de "Titánica",y su agente de piel plateada X-2 Cero.
Titán tiene esclavizada a una raza de "Acuafibios" a los que utiliza para vengarse de Tempest y el Stingray, después de que éstos liberaran a su esclava "Marina", una bella sirena hija de Aphonio gobernador de "Pacifica" de un miserable destino.
Marina ahora ayuda a la gente del "Stingray" cuando tienen que explorar recónditos lugares submarinos. Además siente una verdadera pasión por Troy Tempest, pasión compartida con Atlanta, que espera ansiosa su regreso a tierra firme.
Esta serie fué una de las creaciones de los británicos Gerry y Sylvia Anderson, que revolucionaron el mundo televisivo con sus excelentes series interpretadas por marionetas controladas por hilos y radiocontrol, y consiguiendo unos más que logrados efectos especiales para la época.
Stingray estuvo en antena durante los años 1963 y 1964, siendo la primera serie dirigida al público juvenil que se rodó en color.
La bonita canción "Aqua Marina" del final de los episodios ,fué compuesta por Barry Gray e interpretada por Gary Miller.

Lo he tomado prestado de mi blog favorito entre los favoritos titulado Viejas Series de TV.Es de los mejores y desde aquí os mando un gran saludo y sobre todo recomendar a mis visitantes que lo visirten cada 8 horas por prescripción facultativa.

mercoledì, novembre 29, 2006

Madness II






Uno de los mejores grupos británicos de SKA.Junto con los Specials.Actualmente siguen llenando estadios con sus actuaciones con el carismático cantante Suggs al frente.Se formaron a finales de los 70 y sus mejores éxitos fueron realizados en la primera mitad de los 80.LLevaron al menos 20 temas al nº 1 de todas las listas de exitos.
Su peculiar sentido del humor,lleno de frescura y de imaginación mezclada con un optimismo desbordante,su elegancia a todos los niveles incluído en el vestir junto con unas magnifícas cualidades musicales,todos ellos grandiosos músicos les llevaron en seguida a ser uno de los grupos del momento.
Recientemente estuvieron en el festival de Benicasim llenando el enorme recinto hasta los topes.
Mención aparte merecen los magníficos vídeos que realizaron en la época dorada de los vídeos musicales en la TV.donde al principio con muy pocos medios,luego ya con algo más de recursos nos contagiaban de alegría contagiosa con sus hilarantes disfraces y escenas llenas de locura desternillante.
Las fotos que ilustran éste texto pertenecen al año 1979,excepto las 2 primeras.Se incluye un anagrama para interior de discos del sello en el que grababan,"Two Tones",donde también lo hacían muchos grupos de SKA,como los Specials.

martedì, novembre 28, 2006

Madness







"HEY,YOU,THIS IS MADNESS.THIS IS THE VERY VERY MOUNSTER SOUND,THE NUTIEST SOUND IN THE WORLD"

TODO SON FOTOGRAFÍAS DEL AÑO 1979.