Cretin Hop!

TODA LA CRÓNICA: Concierto DDT en la Sala Moby DicK

2009-03-16T15:14:00.000+04:00

Los teloneros, Kick Out, que en una prácticamente sala vacía a causa del fútbol sorprendieron por su enorme calidad y energía. Lástima que tuviesen esa mala suerte pero se merecieron estar más arropados. El sonido no pudo ser mejor. Habrá que tenerles en cuenta de ahora en adelante. Lo dicho, se merecieron más calor y más asistencia.

-LOS TELONEROS, QUICK OUT-

Sobre las 10,30 de la noche, la sala Moby Dick que se hallaba semivacía comenzó a llenarse a medida que los bares de la zona se vaciaban una vez terminado el Derby, para volverse a llenar, esta vez con la gente que salía del cercano Bernabéu.
Sobre esa hora y como un vocán en erupción, empezaron los DDT con un impresionante despliegue de sonido a tocar sus canciones.
Presentaban su nuevo trabajo, el 4º ya!, ante un público ansioso de diversión.
Sonaban así los primeros compases de "Sábado noche en Sydney" incluído en su Primer CD. seguido del emblemático "Los hombres Bruster" también de este primer trabajo.
El público aún estaba un poco frío y desubicado, tratando de amoldarse a la sala y al magnífico sonido que reproduce, en comparación con El Gruta, que es como el auténtico hogar de los DDT aunque el sonido sea distinto...
Pero en seguida, gracias a la entrega de los DDT y justo después de tocar "Barón Ashler" y Quién mató el R&R", sobre todo en éste último que es una especie de himno, la gente coreaba un, de sobra conocido, estribillo.
Fue un acierto programar este tema contenido en su 3er. trabajo para este momento.

-MOMENTOS INICIALES DEL CONCIERTO-

A continuación tocaron "Masacre en Marina Dór" de este último trabajo, "Ella se fue a por tabaco" otra de las míticas, "Adicto a mi consola", "Pasaje del terror" ycómo no, una que nunca falta "Qué fue de Leiff Garret", uno de los grandes iconos del grupo.
Tampoco podía faltar el tema "Yo solo bebo Dyc" un momento estelar donde se reparten vasos y digamos que el grupo, en agradecimiento a la fidelidad de su público, invita a éste a wisky. Decían que esta vez sí que era Dyc, y no Nestea, como en otras ocasiones. El batería gritaba implorando: "No mancheis mucho que no estamos en casa, que no volvemos si no..." , refiriéndose al Gruta. Como es natural la gente, ni caso.

Cuando ya la juerga estaba en pleno apogeo y el grupo, pletórico de energía, incansable, sin dar pausa ni respiro abordó su "Increíble hombre menguante" muy coreado por el público fiel que abarrotaba, ya sí, la sala, siguieron con "Salgo en la tele" y El bebé de Rosemary" contenidos en su nuevo CD. Tambíen tocaron "Jugando al Atmosfear".

-MAS MOMENTOS ESTELARES-

Las primeras filas como es costumbre era una oleada de gente, saltando y empujándose de forma incontrolable. Los DDT, indudablemente habian vuelto a conseguirlo una vez más, poner la sala patas arriba, como si hubiese entrado un vendaval, un tsunami lleno de buen sonido y energía. Y es que el secreto no es tal secreto: buenas voces, la de Pelayo en este caso mejor que nunca cuajada de carácter y personalidad, buenos coros, buenas melodías, letras ingeniosas y simpatía por parte de todos sobre el escenario. La fómula es esa: que cada vez tocan mejor, juntos y separados. Es un grupo muy hecho y muy maduro, no en vano llevan 14 años.

-DIFERENTES MIEMBROS DEL GRUPO-

Después siguieron intercalando, como a lo largo de todo el concierto temas nuevos como "Soy un clon" con temas muy conocidos como "Dudas" o "Refugio nuclear".

-CHONI CON LOS DDT-

De pronto,invitada a subir al escenario, saltó Choni Ningoonie, que colabora asiduamente con el grupo y que andaba por la sala, a la que saludé brevemente, por cierto que es simpatiquísima y majísima, y cantó con Pelayo una versión bastante libre del famoso "Cecilia" de Paul Simon, titulado "Silvia es una bricomaníaca". Todo un temazo sin duda.
Realmente esperaba verla cantar "La chica de la curva" pero no dio tiempo. Me alegré de poder comprobar de que encaja muy bien ésta chica con los DDT, es un terremoto tanto debajo como encima del escenario, con mucho desparpajo y se mete en el bolsillo al más escéptico. No sé, pero los DDT deberían incluírla en sus filas, al menos más a menudo. Ella gana y ganan ellos.

-MOMENTO ESTELAR: PELAYO TREPANDO POR LA BARRA-

Finalmente, cuando ya había transcurrido más de hora y media de concierto, uno de los más largos que yo recuerde y , sin perder ni un ápice de la energía del principio, Pelayo, en un alarde de destreza y agilidad, para que luego digan, se encaramó a la barra lateral para sorpresa del personal, y siguió, a riesgo de perder su integridad, trepando por las diferentes barras con las que cuenta el local, sorteando bebidas, vasos y abrigos. Debo añadir que fue a pararse delante de mí y viendo la tentación tan cercana y, después de un breve debate interno, teniendo sus zapatillas a la altura de mis ojos, le desaté una de ellas.
Perdón Pelayo desde aquí, no lo volveré a hacer. Es peligroso. Pero como es, ya digo, un todoterreno, volvió al escenario sin incidencias.
Terminaron el concierto con "Rebelión en Carabanchel", "Fenómenos extraños" y "Punkis millonarios".

Casi dos horas de buen power pop y diversión, que nos regalaron con un sonido impecable de la sala, por cierto con baños limpios y personal amable!. Las copas caras, ya se sabe.
21 temas de los cuatro CDs de este magnífico grupo, más que profesional formado por:

-Pelayo: guitarra y voz. Y menuda voz y qué guitarra!

-Luquero: bajo. El elegante, cada vez más, todo un gentleman del buen sonido y buen saber estar.

-Diego Argote: Guitarra con un sonido magnífico y personalísimo.

-Chiri: Batería. ¿Qué decir de él?. pues que es el mejor batería que hay ahora en el panorama madrileño. Visto fríamente, sin apasionamiento. Gracias por enviarme las canciones. Muchas gracias.

Este fín de semana han tocado en un pueblo de Barcelona y lo que te rondaré, morena...porque esto sigue...ya no hay quién lo pare.

The Dictators

2008-09-26T21:02:00.005+05:00

The Dictators
Formados en 1974 en New York City, THE DICTATORS son una de las mejores y más influyentes bandas de punk-rock de todos los tiempos. Fueron los primeros de la escena punk neoyorkina que publicaron un Lp y con ello influenciaron a todas las bandas que vendrían más tarde, tanto en USA como Inglaterra, desde los Ramones a los Sex Pistols.Comandados por el bajista Andy Shernoff, la banda se ha caracterizado desde sus primeros días por satirizar en sus letras los excesos típicos del rock&roll y ensalzar la cultura basura americana (el wrestling, la comida basura, los comics, la tv...). Musicalmente, los Dictators han bebido desde sus primeros días del Garage-rock americano de los 60´s, la British Invasion (Stones, Who, Beatles...), el Surf, los grupos femeninos de los 60´s... todo ello mezclado para dar lugar al proto-punk que les caracteriza. Conducidos por las guitarras de Scott "Top Ten" Kempner y Ross "The Boss" Funicello y con el ex-roadie Handsome Dick Manitoba como líder del grupo, parecía que nada podía pararlos en su camino hacia la popularidad. Pero eso nunca llegó a ocurrir. Debido a complicaciones con las compañías de discos, cambios en la formación del grupo, la indiferencia de las emisoras de radio y la prensa y sobre todo el haberse adelentado a su tiempo, nunca consiguieron la popularidad que años más tarde lograrían deudores de su sonido como los Ramones y todo el punk inglés. De todas formas, quedan para la posteridad tres excelentes discos en estudio: Go Girl Crazy, Manifest Destiny y Bloodbrothers. Aunque nunca ha existido una disolución oficial de los DICTATORS, en 1978 el grupo se tomaba unas vacaciones y sus miembros formaban diferentes proyectos: Scott Kempner formaba The Del Lords, además de publicar discos en solitario; Ross The Boss daba forma a la primera formación de Manowar y años más tarde Shernoff y Manitoba formaban Manitoba´s Wild Kingdom.

También hay que destacar la faceta como productor de Andy Shernoff, sin duda uno de los de mayor prestigio en la escena punk-rock mundial. En 1991 la banda decidía reunirse de nuevo para enseñar a las nuevas generaciones quienes seguían siendo "The next big thing" y a partir de entonces han ido sucediéndose exitosas giras y la publicación de un par de singles. Ahora, en 2001, por fín nos llega el cuarto disco en estudio del grupo, Dictators Forever Forever Dictators, uno de los mejores discos del año y que presentan en una gira que les trae en uno de sus mejores momentos como grupo de directo.

Fuente: Carles Font
http://href="http://www.indyrock.es/dictators.htm
Joey Ramone w/ The Dictators- The Kids Are Alright

The Dixie Cups

2008-09-24T15:48:00.009+05:00

Este tema es el que más me gusta de ellas.
Gonna Get You Yet (1965)

The Dixie Cups - "People Say"

Las Dixie Cups se formaron originalmente por las hermanas Bárbara y Rosa Hawkins con su primo, Joan Johnson. La "Capilla del Amor", escrito por Barry y Greenwich con Phil Spector, había sido previamente registrada por Las Ronettes y las cristals, pero tampoco se dio a conocer la versión como una sola. Las chicas grabaron "Capilla del Amor" bajo su nuevo nombre, La Dixie Cups.
Con ese tema alcanzaron el número 1 en todas las listas, superando a los Beatles que se hallaban encantados con estas "contrincantes".
Este tema se convirtió en un himno.
Actualmente siguen actuando incluso en eventos privados.

Aqúi un tema muy cortito.
"You should have seen the way he loocked at me"

Los Buzzcoks

2008-09-11T15:11:00.003+05:00

Nacieron en 1975 y son de los pocos supervivientes del primer grito del punk que aún están en condiciones de editar discos y salir de gira. Formados en la industrial Manchester, Inglaterra, en 1975, merecen, junto a The Ramones, la distinción de creadores de la fusión entre el punk y las melodías del pop.

El cantante, guitarrista y compositor principal, Pete Shelley fue el que comenzó con la historia de los Buzzcocks. En el invierno de 1975, convenció a Howard Devoto (segunda guitarra), su compañero del Instituto de Tecnología de Bolton, de que debían hacer algo juntos, pero un año más tarde Pete y Howard decidieron dedicarse al rock. Fue tras presenciar unconcierto de los Sex Pistols. Al poco tiempo se les unieron el bajista Steve Diggle y el baterista John Maher.

Para su segundo show, Pete y compañía invitaron a Sex Pistols a tocar a Manchester: ellos serían teloneros y los Pistols el plato fuerte. Luego, la relación con la banda de Rotten y Sid Vicius alcanzaría su punto máximo en el ya célebre Anarchy Tour. Los Buzzcocks participaron de él y aprovecharon para llegar a un público que hasta el momento desconocía su existencia.

En 1977, la banda da a conocer el EP Spiral Stratch y una de las particularidades es que lo hace bajo sello propio, New Hormones. El lema punk, “hazlo tu mismo” es llevado a la práctica de esta manera.
Devoto deja la banda (más tarde fundaría Magazine), Diggle pasó a tocar la guitarra y el bajo es un puesto que cambia incesantemente de manos: Garth Smith primero, Barry Adamson más tarde y, finalmente, Steve Garvey. Firman contrato con United Artist y, antes de mostrar su primer álbum, lanzan los singles de "Orgasm Addict" y "What Do I Get", todo un temazo, el mejor de este grupo.
Luego si llega el momento de Another Music in a Different Kitchen, uno de los mejores ejemplos de punk pop y, a posteriori, uno de los mejores discos de Buzzcocks, casualmente, junto a su segundo titulo: Love Bites (78). En él se encuentran varios de los clásicos de la banda, como "Just Lust", "Real World" y "Ever Fallen in Love" (más tarde versionado por Fine Young Cannibals).

En 1979, Pete y Cía. continúan disfrutando de la revolución punk con un nuevo álbum, A Different Kind of Tension y una compilación de singles, Singles Going Steady.

Un gran conflicto con su compañía discográfica (IRS, de EMI) deriva en la inesperada separación de la banda, en 1981. Pete Shelley inicia un camino solista pero ocho años más tarde se reúne con Diggle, Garvey y Maher para continuar con Buzzcocks. No parece ser una buena época para el punk y eso es lo que entienden Garvey y Maher, quienes deciden apartarse definitivamente del cuarteto. En sus puestos ingresan Tony Barber (bajo) y Phil Barker (batería; en la actualidad el lugar le pertenece a Danny Farrant). Con esta formación vuelven al disco en 1993: Trade Test Transmission. Su siguiente paso es All Set, álbum producido por Neil King, conocido por sus trabajos con Green Day, trío discípulo de los Buzzcocks. Modern (1999), Buzzcocks (03), Driving you Insane (05) y Flat-Pack Philosophy (06) son, hasta aquí, los últimos discos de estudio de una banda que sigue en pie y que logra mantenerse activa más allá del peso de su mito.

Del punk a la new wave y de allí al neo punk californiano de los 90, Buzzcocks fue una influencia directa e indirecta para bandas tan diferentes como New Order, The Smiths, REM, Fine Young Cannibals, Green Day, The Offsprings y los mismísimos Nirvana, con quienes compartieron el tramo europeo de la gira de In Utero.

Les Surf

2008-08-13T14:41:00.004+05:00

La andadura del grupo comenzó el 14 de octubre de 1958 cuando cuatro hermanos y dos hermanas provenientes de una familia malgache se unieron con el nombre de Rabaraona Frères et Soeurs y ganaron un concurso organizado por la estación Radio Tananarive, interpretando temas de The Platters. El conjunto cambió de nombre a Les Beryls y comenzó una serie de giras por su país natal, que acrecentaron su popularidad. En septiembre de 1963, los hermanos fueron elegidos para representar a Madagascar -a petición del gobierno francés- en la inauguración de la segunda cadena televisiva en París. Conquistaron así la simpatía del pueblo francés, y el sello fonográfico Disques Festival, en la persona de Roger Marouani, los contrató casi inmediatamente, quedando en manos de Jean-Louis Rafidy, quien se convertió en su representante.
Les Surfs - In un Fiore (sanremo 1966) live

Les Surfs Una vez contratados por Disques Festival, cambiaron su nombre por el de Les Surfs, en referencia al nuevo ritmo americano que hizo su aparición por aquellos años, el Surf. Su primer éxito fue Reviens vite et oublie y con él iniciaron una gira junto a la cantante Sheila. Su corta estatura (1.48m en promedio) no fue impedimento para convertirse en grandes figuras de la canción. Lograron el éxito en los países de habla hispana con su versión de las Ronettes, Tú serás mi baby. En el Olympia de París se consagraron como "ídolos de la juventud", y fueron jaleados como la gran revelación del año en Francia. Su recorrido exitoso los llevó a Europa (Francia, España Italia, Rumania), Oriente Medio, África y América. Participaron cuatro veces en el Festival de San Remo y tres veces en el Festival de Montreaux en Suiza, e hicieron algunas incursiones en el cine y la televisión. Compartieron el escenario con diversas luminarias internacionales de la época. Su presencia en los medios se prolongó hasta principios de los 70. Los cambios en las modas musicales comenzaron a limitar sus actuaciones, además de la nueva condición de Monique y Nicole, que se habían convertido en madres de familia. Monique tuvo 3 hijos y Nicole otros tres.
les surf

En 1971, tras concluir una gira por las Antillas y Canadá, decidieron separarse. En Quebec, Monique, la cantante principal, y su hermano Rocky prosiguieron una carrera como el dúo Rocky et Monique, que duró dos años (1979-1982). Después Monique regresó a Francia y poco después a Madagascar. Allí se reunió con cuatro de sus hermanos (Roland, Remy, Luc et Dominique) y en 1989 se lanzaron al mundo del espectáculo bajo el nombre de Surfs-Feedback, con el objetivo de participar de nuevo en emisiones televisivas. Monique falleció el 15 de noviembre de 1993 y Nicole el 5 de mayo del 2000. Rocky siguió actuando en solitario como "Rocky des Surfs", presentando el espectáculo Il etait une fois...Les Surfs (Érase una vez... Les Surfs). Efectuó numerosas giras por Madagascar, acompañado por Surfs Feed back, y viajó ocasionalmente a Francia.

Posteriormente, reformó el grupo de Les Surfs integrando a sus hermanos Dady, Dominique y Luc e incorporando a sus dos sobrinas Jackya y Mirana, renombrándolo Les Surfs2, aunque siguió actuando en solitario para no interferir en el desarrollo de esta última formación.

Filmografía y TV Les Surfs participaron en:

Age tendre et tête de bois (1961) Serie TV.
Cherchez l'idole (Buscando al idolo) 1963 -filme-
The Hollywood Palace (1965) Serie TV.

Éxitos: Reviens vite et oublie (Tu será mi baby)
A présent tu peux t'en aller (Ahora te puedes marchar)
Crossfire
Si j'avais un marteau (El martillito)
Scandale dans la famille (Que familia!) ,
T'en vas pas comme ça (No te vayas)

Hoy es un día FUNPLEX!!!

2008-03-25T14:59:00.000+04:00

B-52 saca su nuevo disco, "Funplex"

La legendaria banda estadounidense de new wave B-52s tendrá desde esta semana un nuevo disco en el mercado, que, con el título de "Funplex", será su primer álbum de estudio en dieciséis años. Según la discográfica Emi, el séptimo disco del grupo llega a las tiendas HOY , día 25, y contará con el mismo "estilo enérgico, divertido y alegre de la banda". Con once canciones, el álbum ha sido grabado en su ciudad natal, Athens (Georgia), y producido por el británico Steve Osborne, quien ha trabajado con New Order, Happy Mondays o Doves, entre otros.

Algo más mayores, pero igual de divertidos y marchosos. The B-52's, el grupo más festivo de Estados Unidos, los pioneros del dance-rock, retorna después de una pausa discográfica de 16 años, con Funplex, su nuevo álbum, que sale a la venta hoy. Once canciones llenas de humor, para bailar y pasarlo bien, que son un regalo a las nuevas generaciones.
"Hay mucha gente joven que nos conoce gracias a internet. Vienen a los conciertos y se saben las letras de las canciones. También hay fans que ahora vienen con sus hijos", afirma la pelirroja Kate Pierson (59 años), que acude a la entrevista, celebrada en Londres, sin pelucón y acompañada por el guitarrista Keith Strickland (54). Los dos, junto a Fred Schneider (56) y Cindy Wilson (51), llevaban desde el año 2003 trabajando en este nuevo disco, grabado en Athens (Georgia), la pequeña ciudad que ellos pusieron hace tres décadas en el mapa mundial del pop y que luego alumbró a otro gigante de la música como REM.

Funplex- New B-52's Album Out Today!

El proceso ha sido largo porque cambiamos de mánager, no teníamos discográfica y queríamos trabajar con Steve Osborne (el productor de New Order, Happy Mondays y Doves), que estaba ocupado con otras cosas. Pero ha merecido la pena la espera", señala Kate.
El grupo, que supo entrelazar como nadie el punk y la new wave, logrando un sonido muy propio, nunca llegó a separarse y ha continuado con las actuaciones en directo en Festivales como el de Benicàssim del año pasado, sonde fueron unos de los cabezas de cartel y donde provocaron el delirio en el escenario grande. "Creo que después del éxito de Cosmic Thing en 1989 y de Good Stuff en 1992 nos quedamos agotados. Decidimos hacer una pausa, pero esa pausa ha sido más larga de lo que pensábamos", comenta Keith, explicando por qué se han alejado de los estudios de grabación durante tanto tiempo. "Empezamos cada uno a hacer cosas diferentes, a explotar individualmente nuestra creatividad y después, en 1997, empezamos a tocar de manera más regular juntos, y Cindy volvió al grupo. Pero hasta el 2002 no discutimos la idea de sacar un nuevo disco".
Funplex es, según el músico, "no demasiado diferente a nuestros discos anteriores, aunque el sonido ha evolucionado y está más orientado hacia el dancing club". Una de las cosas que motivaron la vuelta al estudio de grabación es la necesidad de contar con canciones nuevas para no andar siempre en los conciertos dando vueltas a los viejos hits.

HUMOR SURREALISTA
The B-52's se creó en 1976, durante una borrachera en un restaurante chino y su debut tuvo lugar un año más tarde en una fiesta de San Valentín. "Éramos muy jóvenes y en Athens entonces no había absolutamente nada para divertirse, ni discotecas, ni lugares donde tocar, así que decidimos organizar nosotros la fiesta y tocar en la calle", recuerda Kate. "Éramos distintos al resto de las bandas", afirma. "No podían encajarnos en ninguna categoría". "Creo que todos teníamos un sentido del humor un poco surrealista y nunca nos hemos tomado muy en serio lo que hacemos, algo que me parece importante", añade Keith.
Con su rock caliente y lleno de energía, acompañado de una estética burlona, años 50, lograron imponerse en los escenarios internacionales. Sus álbumes The B-52's, Wild Planet, Party Mix, Mesopotamia o Whammy!, les hicieron enormemente populares. Ahora, el veterano grupo vuelve al primer plano, con un nuevo disco y más giras previstas, "porque tenemos ganas de divertirnos y nos los pide el cuerpo".

Música Surf

2008-02-29T14:38:00.004+04:00

El sur de California fue la cuna de la "surf music". No podía ser de otra manera, si allí se concentraba todo lo que un chico de la epoca anhelaba: playa, diversión, mujeres, y el deporte de moda: el surf.

La sociedad despreocupada y la expansión económica de la década de los '50 vivió su continuación en esta moda que, de paso, dejó un importante legado musical.

DICK DALE, guitarrista oriundo de la zona, es denominado como el padre de la surf music. A finales de los '50, este personaje desarrolló y dejó como su marca registrada el sonido "reverb". La idea era recrear, en la música, la sensación de las olas y el dejarse llevar por ellas.

"Let's go trippin'" (1961), el primer single editado por Dale, fue un hit local, pero un fenómeno de proporciones en cuanto a la cantidad de bandas que hicieron suyo el estilo. Ella recibían, además, la influencia del grupo "top" del momento, The Ventures.
Dick Dale & The Del Tones "Misirlou" 1963

The Beach Boys, los niños-símbolo del movimiento, editaron su primera canción "surf" en diciembre de 1962. Se llamaba, simplemente, "Surfin", y salió bajo la etiqueta de una compañía independiente, Candix. El tema estaba inspirado en "Baby talk", un tema del año ¡1959! de un grupo de amigos de los Boys, Jan & Dean.
Otro amigo de Wilson y Cía. era Gary Usher, nombre fundamental en la génesis del surf. Fue el co-escritor de varias de las primeras canciones de The Beach Boys, junto a Brian Wilson, incluyendo clásicos como "In my room" o "409". Además produjo dos álbumes de The Byrds ("Younger than yesterday" y "Notorious Byrd Brothers") y tuvo su propio grupo, The Hondells,
exponentes de "hot rod".

Hondels - Little Honda

El "Hot rod" era, musicalmente, idéntico al surf rock. Lo que cambiaba era la temática de las canciones, que aquí eran los autos, las tuercas, el asfalto. The Hondells impusieron temas como "Hot rod high" o "Little Honda"; estaban también The Four Speeds, con "R.P.M."; o The Rip Chords y
"Three window coupe". Como podemos ver, títulos que hablan del fanatismo de los jóvenes por las cuatro ruedas.
Aparte del sonido "reverb", el surf rock se caracterizó, desde un principio, por el papel primordial que tenían las armonías vocales. Era una herencia del "doo woop" y los grupos vocales de los '50, como The Four Freshmen (que tanto gustaban a Brian Wilson, genio de The Beach Boys)
A nivel nacional se impusieron en EE.UU. bandas como The Chantays, con "Pipeline"; The Surfaris, con "Wipe out", tema versionado entre otros por Los Venturas y The Pyramids, con "Penetration".

VENTURES playing WIPEOUT in Japan 1966

Pero el estilo no era exclusividad de California, y The Trashmen (de Minneapolis), The Astronauts (de Colorado) y The Rivieras (de Arizona) lo demostraron al imponer varios hits en las listas.
Pero era una época de modas, de una juventud muy susceptible a la influencia mediática, sobretodo a la televisión. El 16 de febrero de 1964, en un salón del Deauville Hotel de New York y ante 3500 personas que desbordaron la capacidad del recinto, debutaron en América The BEATLES. El grupo tocó "She Loves You", "This Boy", "All My Loving", "I Saw Her Standing There", "From Me To You" y "I Want To Hold Your Hand". 70.000.000 de espectadores presenciaron, en vivo y en directo, la actuación de Los Beatles. Era el inicio de la llamada "Invasión Británica", y el fin de The Beach Boys .
The Beach Boys -específicamente su "cerebro", Brian Wilson- llevarían su música hacia nuevos derroteros, siempre en la línea del pop, en la búsqueda de la perfección. Wilson quería hacer frente a la genialidad de los británicos, creando el "mejor disco de la historia del pop". Creyó
conseguirlo en el maravilloso "Pet Sounds" (1966), pero un año más tarde, los chicos de Liverpool editaban "Sgt.Pepper's Lonely Heart Club Band". ¿Qué puedo hacer después de esto?, dicen que pensó Wilson. Algo de cierto debe haber tenido la historia.

Wouldn't it be niceel surf rock. The beach boys.

Algunos grupos surferos de interés:
The Beach Boys,"Surfin safari", 1962
The Beach Boys, "Surfer girl", 1963
The Beach Boys, "Surfin", 2000 (compilatorio)
Dick Dale, "Greatest hits", 1999
The Hondells, "Greatest hits", 1996
The Surfaris, "Surf Party! Best Of The Surfaris Live!", 1983
The Pyramids, "Penetration!/Best Of Sundazed", 1995

Gary Lewis and the Playboys

2008-02-28T16:25:00.002+04:00

Breve Historia
Una de las agrupaciones musicales americanas, que pese a su poco material grabado es considerado un clásico de la música de los 60. El grupo audiciono originalmente buscando trabajo en Disneylandia, sin avisar a los empleados del lugar de la identidad de Gary quien es hijo del célebre comediante Jerry Lewis, logrando convertirse en trabajadores del lugar. Al audicionar fueron inmediatamente aceptados, muy pronto los Playboys llenaban el sitio cada noche. El director de banda Les Brown conocía a Jerry Lewis de muchos años e inmediatamente le dijo al productor Snuff Garret que el joven Lewis se encontraba trabajando en Disneylandia. Después de escuchar a la banda, Garret pensó que usando el famoso apellido de Gary ello resultaría con número de ventas de discos alto así que los llevo al estudio de grabación con la canción "This Diamond Ring", en una sesión financiada por la esposa de Jerry, sin embargo a Los Playboys no se les permitió ejecutar instrumento alguno y sus voces solo fueron utilizadas escasamente. Garret quería maximizar la oportunidad de lograr un éxito empleando músicos de estudio experimentados entre quienes se encontraban Tommy Allsup en la guitarra, Leon Russell en los teclados, Carol Kaye en el bajo y Hal blaine en la batería. El cantante de sesión fue Ron Hicklin quien hizo la base vocal en la cinta. Garret posteriormente añadiría la voz de Gary 2 veces, añadiendo posteriormente algunas de los Playboys junto con Hicklin. "Cuando termine sonaba como Mario Lanza", comento Garret.

This Diamond Ring

Snuff obtuvo la cobertura radiofonica en la ciudad de Nueva York para difundir el tema "This Diamond Ring", al entablar un trato con un discjokey de la radiodifusora WINS, Murray the K Kauffman, quien cubrió una serie de conciertos de estrellas en los Teatros locales de Nueva York, prometiéndole que si tocaba la grabación de Lewis, Los Playboys tocarían también en sus shows. Garret entonces recurrió a los contactos del comediante Jerry para llevarlo a "Show de Ed Sullivan". No obstante Sullivan tenía una politica general que consistía en que todos los números que apareciesen en su Show tenían que ser interpretados en vivo (Aunque algunos invitados como los Dave Clark Five utilizaron pista simulando cantar en su segunda aparición de principios de 1964). Así que entonces se recurrió a algunos trucos de estudio que se habían empleado en la grabación. Con la aprobación de Lewis el canto con las pistas originales pregrabadas mientras que The Playboys fingían ejecutar sus instrumentos. El programa transmitido al aire en enero de 1965 convirtió a Gary y a los Playboys en estrellas instantáneas. "This Diamond Ring" se posicionó como número 1 en las listas de popularidad. Y las plantas de impresión de los discos reportaban que no podían mantener el ritmo inicial de demanda del disco. Sin embargo, a finales de 1965 solamente West y Lewis permanecían en la banda. Otros miembros fueron incluidos después, Tommy Tripplehorn (padre de la actriz Jeanne Tripplehorn), Carl Radle, Jimmy Karstein y Dave Gonzalez.

Gary Lewis and The Playboys - Count Me In

En 1965 Gary Lewis fue electo "vocalista masculino del año" por la revista Cash Box ganado a otros nominados entre quienes se encontraba ni más ni menos que Elvis Presley y Frank Sinatra, y fue el único artista que coloco sus primeros 7 temas en las primeras 10 de la lista de popularidad Hot 100 de la revista Billboard. Lewis fue enrolado en el ejército americano en enero de 1967 y liberado al año siguiente. Inmediatamente regreso a los estudios de grabación pero fue incapaz de recuperar el impulso inicial del grupo. Lewis continuo efectuando giras, frecuentemente promocionando a la banda en giras de nostalgia. Igualmente que su padre actuo en numerosos teletones para la Asociación contra la Distrofia Muscular.

Gary tuvo 8 sencillos de oro, 17 temas que se colocaron entre los 40 grandes éxitos de aquellos años. Y cuatro albums de oro. Adicionalmente a su actuación en el Show de Ed Sullivan, también apareció en American Bandstand, Shindig!, Hullaballoo, Sally Jessy Raphael, Tonight Show, Mike Douglas, Nashville Now y Wolfman Jack.

Miembros Originales
David Walker
Al Ramsay
David Costell
John West -

Discografía inicial
Los primero 7 sencillos 1965-1966 [editar]"This Diamond Ring" -- #1 (Lado B original: "Hard To Find", reemplazado después por "Tijuana Wedding". Ambos son pistas no instrumentales)
"Count Me In" -- #2 (Lado B: "Little Miss Go-Go")
"Save Your Heart For Me" -- #2 (Lado B: "Without A Word Of Warning")
"Everybody Loves A Clown" -- #4 (Lado B: "Time Stands Still", Gary interpretando cercanamente a su familiar cercano)
"She's Just My Style" -- #3 (Lado B: "I Won't Make That Mistake Again")
"Sure Gonna Miss Her" -- #9 (Lado B: "I Don't Wanna Say Goodnight", una pista no incluida en LP)
"Green Grass" -- #8 (Lado B: "I Can Read Between The Lines")

Sencillos de 1968 My Heart's Symphony" -- #13 (Lado B: "Tina (I Held You In My Arms)")
"(You Don't Have To) Paint Me A Picture" -- #15 (Lado B: "Looking For The Stars")
"Where Will The Words Come From" -- #21 (Lado B: "May The Best Man Win")
"Girls In Love" -- #39 (Lado B: "Let's Be More Than Friends")
"Jill" -- #52 (B-side: "New In Town")
"Sealed With A Kiss" -- #19 (Lado B: "Sara Jane")
"Rhythm Of The Rain" -- #63 (Lado B: "Mister Memory)

VISAGE

2008-02-26T15:28:00.005+04:00

Visage fue un grupo representativo dentro del estilo "New Romantic" originado a fines de la década de 1970 con el motivo inicial de proveer música para ser reproducida en el club nocturno londinense Billy's, perteneciente a Steve Strange y Rusty Egan.

En sus inicios, el grupo estaba compuesto por Steve Strange, Rusty Egan y Midge Ure. Ure e Egan iniciaron su trabajo musical con Strange después de la ruptura del grupo "Rich Kids". El trio grabó una demo que incluía su versión del hit del dúo estadounidense Zager y Evans "In the Year 2525". Tras la adición del músico Billy Currie de la banda Ultravox y tres de los miembros de la banda de post-punk Magazine (el guitarrista John McGeoch, el bajista Barry Adamson y el pianista Dave Formula), Visage firma con Radar Records y lanza el sencillo "Tar" en septiembre de 1979. Durante el año siguiente se lanzó al mercado su primera producción discográfica, que resultó ser todo un éxito en ventas y en críticas gracias a una excelente composición y arreglos musicales pero sobre todo y mayormente al sencillo "Fade to Grey" que se transformó rápidamente en uno de los temas musicales representativos de la escena musical "New Romantic", para la cual este primer álbum se transformó en una especie de banda sonora.
Visage - Visage

Después del lanzamiento de los hits "Mind of a Toy" y "Visage" Strange tuvo que esperar por sus compañeros de grupo, sumergidos en los compromisos de sus respectivas bandas (Ure y Currie con Ultravox, Fórmula y Adamson en Magazine y McGeoch junto a Siouxsie and the Banshees) para grabar la segunda producción; no fue sino hacia fines de 1981 cuando todos los músicos salvo McGeoch regresaron al estudio y grabaron "The Anvil". Las seis semanas de grabación de este álbum fueron tensas y llenas de controversias entre Strange y Ure, ya que no se ponían de acuerdo en cuanto a la dirección musical que el conjunto tomaría, resultando "The Anvil" en un excelente, aunque poco uniforme álbum. Este álbum fue lanzado en marzo de 1982 con mucha menos fanfarria que el primero. Midge Ure abandonó su colaboración con Visage debido a las diferencias con Strange y los crecientes compromisos con Ultravox, su banda principal. El conjunto, ya sin la colaboración de Ure y Adamson y con la incorporación del bajista Steve Barnacle se grabó el sencillo "Pleasure Boys", que salió al mercado en octubre de ese año. El último álbum del conjunto, ya con integrantes permanentes grabó 'Beat Boy", entre 1982 y 1983, álbum que salió a fines de 1984 y cuyo éxito en nada se pareció al de las dos grabaciones anteriores, marcando el fin de la banda.

Una versión remezclada de "Fade to Grey" fue un éxito moderado a inicios de la década de 1990.

En el 2004 Steve Strange reunió Visage con nuevos integrantes, siendo conocidos como Visage mark II.

Visage - Fade to Grey

Curiosidades: Antes de la formación de Visage, Steve Strange era fan de Ultravox y Magazine, razón posible de que haya convocado a alguno de sus miembros.
Billy Currie y Midge Ure se conocieron en este proyecto, llegando a entablar amistad. John Foxx había dejado Ultravox, banda de donde provenía Currie y cantaba, así que Ure se mostró interesado en ayudar, ya que él y Rusty Egan habían dejado The Rich Kids y no tenían nada permanente que hacer aparte de Visage, además de tours y proyectos temporales con otros grupos. Ure es aceptado al poco tiempo por el resto de Ultravox y se convierte en el cantante y guitarrista de la banda.

Álbumes
"Visage" (1980)
"The Anvil" (1982)
"Beat Boy" (1984)

Viernes noche: Concierto de Downtown Aligators

2008-02-13T14:47:00.002+04:00

GRUPO: The Downtown Alligators

TUVO LUGAR: Viernes 8 de febrero de 2008
DONDE?: Temple Bar Street (C.C. La Garena| Alcalá de Henares )
Hora: 23:00 hrs.

Quinteto de Rhythm & blues de Madrid capital. Tocan temas desde Muddy Waters hasta Little Walter pasando por Robert Cray, Colin James y Jimmie Vaughan. La formación de la banda es la siguiente: Roberto Rodríguez - batería, Conan Carmona - bajo, Jorge Lera - armónica, Luis Resina - guitarra y Carlos García - guitarra y voz. Es una banda de reciente formación con músicos veteranos habituales del circuito madrileño y nacional.
Lo pasamos fantástricamente bien con un gran grupo de amigos. El local se llenó hasta los topes de todo tipo de gente con el único objetivo de divertirse y escuchar buena música.
El guitarra, Luis Resina es muy amigo nuestro. Además trabaja en la mítica tienda "Total percusión" donde acuden las grandes y no tan grandes figuras a adquirir sus instrumentos. Una especie de tienda al más puro estilo "Alta fidelidad".
Ofrecieron un repertorio a base de temas de Colin James, Jimmie Vaughan, Freddy king, Muddy Waters, Elmore James, Freddy king, Jonhny Winter, Fabolous Thundrebirds, Albert Collins y los Reyes del K.O. La calidad de este grupo es indiscutible.

i can't hold out

Añadir a mi perfil | Más Videos

Las chinas

2008-02-13T14:40:00.002+04:00

Las Chinas - El Hombre Salvaje

Presentadas en 1980 como ‘el auténtico grupo de chicas del pop español’, Las Chinas aportó buenas dosis de carisma y sobrada frescura a la nueva ola estatal a través de temas tan memorables como ‘El hombre salvaje’ y ‘Amor en frío’, ambas incluidas en su primer single. Más de veinte años después de su desaparición, la influencia de Las Chinas aún se puede apreciar en las composiciones de diversos grupos de pop español del siglo XXI tales como Nosotrash, Baby Horror o TCR, entre otros.

Las componentes de Las Chinas (de edades que rondaban los veinte años) suplían su falta de técnica con buenas dosis de ingenio y una atractiva imagen de chicas-pop-art, siendo capaces de proyectar un encanto chic no exento de cierta agresividad. Y es que la ecléctica cosmología de Las Chinas las revelaba como claras deudoras de bandas de féminas de la new wave británica como Mo-dettes, aunque también dejaban entrever su admiración por el ye-yé español, las más exquisitas lolitas del pop francés de los 60 (Sylvie Vartan, Françoise Hardy, France Gall...) el nuevo art-pop de B’52 y el glam-rock de Bowie, T-Rex o Roxy Music.

Provenientes -en su mayoría- de los ambientes más cultos del panorama artístico madrileño de finales de los años 70, Las Chinas se formó en Madrid en 1979 con Jose (voz), Montse (bajo), Miluca (teclados) y Luna (guitarra). Su cantante había debutado haciendo lo propio con La Orquesta Futurama (embrión de Radio Futura), un grupo también muy próximo a Montse, que por aquel tiempo compartía su vida con Luis Auserón, bajista del mencionado combo madrileño. Por su parte, Miluca (estudiante de Conservatorio) y la guitarrista Luna, debutaban del todo en aquel grupo de féminas.

Instaladas en un local de ensayo de la zona de Arturo Soria, en un principio, Las Chinas tuvo entre sus filas a una niña de 12 años que cumplía la tarea de baterista, aunque ésta fue sustituida pronto por Eduardo Benavente, que por entonces era el cantante de Plástico, uno de los grupos con los que Las Chinas compartía zona de ensayos. Por aquella época, el productor Honorio Herrero se fijó en la banda de chicas, y comenzó a supervisar su rodaje para efectuar la grabación de unas maquetas orientadas hacia la multinacional Hispavox, contando con el mencionado futuro pegamoide a las baquetas.

Ya en la primavera de 1980, Las Chinas debutan en directo en El Escalon, acompañadas a la batería por Solrac (Radio Futura), y allí desgranan sus primeros temas: ‘Chicos de la calle’, ‘Caprichosa’, ‘Chicos ñam, ñam’, ‘Amor en frío’, ‘Chico voraz’ y diversas versiones de viejos clásicos del pop en castellano tales como ‘Agujetas de color de rosa’. Poco después se incorpora al grupo Speedy, una alocada punky asturiana proveniente de Suiza que se encargará definitivamente de los tambores del grupo y que debutará en el concierto que Las Chinas efectúa en El Sol (junto a Bólidos, Paraíso y Alaska) con motivo de la presentación de la revista Dezine, un medio gráfico afín a la nueva ola que significará el principal aldabonazo para el despegue de la banda. A renglón seguido, tras tocar por diversos locales madrileños y efectuar sendas actuaciones en Palencia y Vigo, Las Chinas –ante la desidia de Hispavox- centra sus miras hacía RCA, multinacional disquera que, gracias a las gestiones de Honorio Herrero, terminará por fichar al grupo.

De esta forma, a finales de 1980 se encierran con su mentor y productor durante 15 días para registrar las dos canciones escogidas para el single: ‘El hombre salvaje’ y ‘Amor en frío’; ésta última, un poema del escritor Kiko Rivas musicado por Santiago Auserón (vocalista de Radio Futura). Poco después, se edita el mencionado sencillo y Las Chinas mantiene un buen ritmo de actuaciones, consciente de haber realizado una de las joyas de la nueva ola española. Y es que, a pesar de los defectos propios de las óperas primas y de una evidente limitación instrumental, ‘El hombre salvaje’ (tema elegido como primera cara) descubre al público a un grupo tan chic como fresco, capaz de ofrecer atractivas melodías pop aderezadas con textos inteligentes, aunque no por ello menos divertidos. No obstante, algunos de los grupos madrileños de la época –quizás celosos ante la buena estrella de Las Chinas- propagan rumores sobre la existencia de un montaje discográfico, algo que daña irremediablemente la imagen del combo y siembra el malestar en su seno.

A principios de 1981 el grupo sigue en racha, presentando su disco en directo (Carolina, El Sol...) y gozando de varias apariciones televisivas (‘Gente’, ‘Aplauso’, ‘Musical Express’), contando incluso con un cameo musical en el largometraje ‘La última estación’. Pero, las discrepancias entre sus componentes, los rumores malintencionados y la torpe promoción de RCA hacían que ya se adivinase un rápido final para el grupo, que se mantuvo unido durante aquel año tan sólo con miras a la grabación de un elepé que jamás se llegó a editar. No obstante, en 1982 se publicó un nuevo trabajo de Las Chinas, ya que su canción ‘Te espío’ (en realidad una versión de un tema inédito de Ejecutivos Agresivos) fue incluida como segunda cara en un single perteneciente a la banda sonora del filme anteriormente mencionado.

Años después, en 1986, dos de los temas que habían registrado para el elepé inédito (‘23 de enero’ y ‘Chicos de la calle’), fueron rescatados por DRO para formar parte del doble álbum de maquetas ‘El pecado Original’. Por otra parte, años antes, en 1981, los dos temas del single también se llegaron a incluir en un elepé colectivo de grupos de RCA (‘Todos en uno’), junto a las primeras canciones de Zombies y Plástico.

Tras la disolución de Las Chinas sólo su cantante Maria José Serrano continúo de un modo firme en la música, emprendiendo en 1983 una carrera en solitario como Kikí D´akí y registrando un puñado de brillantes canciones a través de un single y un mini-elepé (ambos memorables) editados por Nuevos Medios, amén de colaborar en contadas ocasiones en grabaciones de otros artistas afines a la movida. Dentro de la sección ‘GRUPOS’ de esta misma web puedes encontrar una reseña sobre la trayectoria artística de Kikí D´akí.

Los Venturas

2008-02-13T14:32:00.000+04:00

The Ventures surgen en la década de los sesenta cuando dos jóvenes guitarristas, Bob Bogle y Don Wilson, inician un grupo musical al que años más tarde se les unirían el baterista Mel Taylor y el bajista Nokie Edwars, dando como resultado una de las bandas instrumentales más populares en Estados Unidos, Inglaterra y Japón.Con una trayectoria que incluye más de 50 discos, The Ventures ha logrado mantenerse en el gusto del público. Caravana, Camina no corras, Apache, Cabeza Diamante y Viaje a las Estrellas son algunos de los éxitos de esta banda. Así como la sintonía de Hawai 5-0.
Es uno de los más grandes grupos de temas instrumentales. Sus instrumentales surferos han sido y son versionados por muchísimos grupos.

The Ventures - Slaughter On Tenth Avenue

The Ventures - Flight Of The Bumblebee

Small Faces, biografía de un grupazo.

2008-02-07T13:45:00.000+04:00

THE SMALL FACES: SHA LA LA LEE
Por Demomentus el Bardo

Nos situamos en el Londres de 1965. Ronnie Lane (bajo y voz) entra en la tienda de instrumentos musicales “Jim Marshall´s Music Store”, donde trabaja Steve Marriott (guitarra y voz), en busca de un bajo nuevo. Supongo que al tener las mismas “pintas”, se pusieron a hablar, y sobre qué pueden hablar dos “mods”, supongo que aparte de “trapos”, hablarían sobre gustos musicales (R&B y Rock´n´Roll), anfetaminas y Lambretas.

De este primer encuentro surge la primera formación de The Small Faces, compuesta por Ronnie Lane, su colega Kenney Jones (batería), Steve Marriott y Jimmy Winston (órgano y voz). El nombre del grupo tiene su curiosidad. "Face" en el argot mod significaba algo parecido a “destacado”, “puntero”, y agregaron "Small" porque los componentes del grupo eran bastante bajitos.

Durante ese mismo año, The Small Faces debutan en la sala Mojo, en Sheffield, con bastante éxito y repercusión en el mundillo mod. Casi desde sus inicios se convirtieron en referencia para los seguidores de este movimiento. Su segunda actuación es en el club Cavern, en Londres, donde rodeados de sus fieles, cosecharon un éxito rotundo. Tras esta actuación, firman un contrato con Decca Records. El representante de Decca en Londres, el avispado Dom Arden, los ficha por 20 libras semanales y una cuenta abierta en una de las tiendas mas “modernas” de Carnaby Street, una tentación para un mod.

Su primer single con Decca fue Whatcha Gonna Do About It. Alcanzó el puesto 14 en las listas, aunque el tema sonaba muy parecido al clásico tema de Solomon Burke "Everybody Needs Somebody to Love”, lo cual ocasionó problemas al grupo y a la compañía. Después de lanzar el single, Jimmy Winston fue despedido del grupo, y no porque fuera un mal músico. El problema es que era demasiado alto en comparación con el resto de los Small, que no sobrepasaban el metro sesenta. En su sustitución ficharon a Ian McLagan que daba la “talla” y estaba al mismo “nivel” que el resto de los componentes.

Para Decca grabaron durante dos años, entre 1965 y 1967, donde podemos encontrar una serie de singles, entre los que destacaría “I´ve Got Mine”, Sha La La La Lee (escrita para ellos por los letristas de Decca, número 3 en listas), Hey Girl y el exitazo All or Nothing que alcanzó el número 1 en las listas. Decca lanzó al mercado el primer álbum oficial del grupo titulado Small Faces, que alcanzó el número 3 en las listas, donde podemos encontrar los temas anteriormente reseñados y versiones de clásicos del Rithm & Blues, como la versión del Shake de Sam Cooke.

En 1967 abandonan Decca para fichar por Inmedite Records, la compañía de Andrew Loog Oldman, antiguo productor de The Rolling Stones. En contestación, Decca lanza al mercado el que podríamos denominar segundo álbum From the Beginning, que no es otra cosa que un recopilatorio de material grabado y desechado por el grupo y alguna que otra versión, como el Runnaway del maravilloso Del Shanon. El álbum alcanzaría el puesto 17 en listas. Muy poco después del lanzamiento de este álbum, Inmedite Records reacciona y pone en el mercado el tercer álbum oficial, titulado Small Faces, como el primero lanzado por Decca. El álbum funcionó bastante bien y se sit'ua número 12 en listas. Curiosamente, ambos Lp´s convivieron y compitieron en las listas de ventas.

En 1968 lanzan lo que sería su último álbum, Ogden´s Nut Gone Flake, un disco conceptual donde encontramos sonidos psicodélicos y muy buen Rock´n´Roll. Dentro de este disco nos encontramos el tema Afterglow una maravilla rítmica, una jollita muy recomendable dentro del que, para mi gusto, es el mejor trabajo de Small Faces.

Después del lanzamiento y promoción del álbum, Steve Marriott abandona el grupo. Cuentan que durante una actuación en 1969 se mosqueó y los dejó tirados cual colillas, alegando que sus compañeros no tenían el suficiente nivel y que quería tocar con músicos mejores. The Small Faces se disuelven.

Steve Marriott forma Humble Pie con Peter Frampton, y el resto de sus antiguos compañeros se juntan con Rod Stewart y Ronnie Wood, provenientes de The Jeff Beck Group, y forman The Faces. Pero esto es otra historia.

Como de costumbre, dedicar un poco de tiempo a escuchar algo de The Small Faces, merece la pena. Además podéis encontrar recopilatorios muy baratos en formato Cd.

La revista Ruta 66 anuncia una renovación.

2008-02-05T14:33:00.000+04:00

Escucho hoy en la radio que la mítica revista Ruta 66, con más de 20 años de andadura, especializada en música, anuncia a bombo y platillo que dará un salto más en su evolución hacia mejor y anuncia que introducirtá nada menos que el color en sus páginas y fotografías. O eso he oído. por un momento pensé que irían a tener un programa en alguna de las miles de cadenas telelvisivas que NO incluyen en su parrilla programas musicales. Mi decepción ha sido un tanto razonable.

Pero,¿ quién es o qué es Ruta 66?
Para ilustraros nada mejor que incluir la opinion de un entendido, cuyo nombre desconozco, pero que en contré en un foro de Internet esta mañana. Tiene su punto:

"En este país de trincheras, a Rockdelux le surgió pronto un antagonista en la revista Ruta 66, también muy digna inicialmente, pero que terminó convirtiéndose en un fanzine radicalizado en una defensa de los valores supuestamente sagrados del genuino rock and roll.
RockdeLuxe nació de las cenizas de Rock Espezial, hacia 1985 y era una mezcla extraña de varios estilos, con una parte incluso dedicada al heavy. Tras hacerse con la dirección Santiago Carrillo, pasó en mi opinión sus mejores años, siendo una revista plural, con un nivel de información bastante alto, con firmas interesantes como por ejemplo Diego A. Manrique.
Desde Ruta 66 se criticaba sistemáticamente a RDL por defender a The Smiths o a grupos "sólo" pop, lo que pareció decantar a RDL por una línea abiertamente ecléctica, en la que se podía hablar sin pudor en la misma página de Neil Young y de los Pet Shop Boys, todo desde un prisma de entendimiento superior sólo al alcance de unos pocos elegidos, eso sí.
Así, mientras Ruta 66 se encerraba en Fuzztones y oscuros e inaccesibles grupos garajeros, RDL fue durante unos años el lugar de encuentro de todo tipo de músicas (soul, rock, nuevo flamenco, se podía leer una necrológica de Piazzolla o un artículo de fondo sobre Rubén Blades).
Pero en un momento dado tanto eclecticismo les debió llevar a tomar la decisión de ser definitivamente el oráculo de la modernidad. Su director llevó a escribir: "No es esnob quien quiere, sino quien puede". Y así, mientras me imagino que abjuraban de su historia reciente en la que habían distinguido como los mejores del año a El Último de la Fila, Joe Jackson, Prince o Loquillo, pasaron a ser los paladines del post rock, el ambient, el trip hop y de un montón de etiquetas más. Sorprendentemente, sus listas de mejores del año no tienen nada que ver con las que elaboran sus lectores, por no hablar con la autoridad con la que predican sobre cine, literatura o lo que se les ponga delante, a ser posible de películas no estrenadas nunca en nuestro país. ("Leo libros que no entiendo más que yo / Oigo cintas que he grabado con mi voz"; ¿les suena?)."

18 de Mayo : Fiesta de presentación del disco de F.A.N.T.A.

2007-05-31T13:48:00.000+05:00

Con el aforo de la sala Gruta 77 al completo se estrenó con gran expectación por parte del público madrileño, ansiosos de volver a verles, el nuevo disco de F.A.N.T.A.
Como ya viene siendo habitual actuaron como anfitriones el "grupo hermano" , los incombustibles DDT, cada vez más compenetrados y con mejor sonido. Calentaron el ambiente con una variedad de los más conocidos temas de sus 3 discos , como "La chica del telecupón", o el indispensable: "Yo sólo bebo DYC" donde se arma un gran revuelo para conseguir un vaso de whisky , por gentileza de DDT.
Realmente sonaron muy bien y dejaron el listón bastante alto.

Inmediatamente después salió el tan esperado grupo F.A.N.T.A. entre el clamor del público. Ya desde el primer tema, tenían al público enardecido totalmente rendido.
Y no es para menos, pues dieron de sí más de lo que se podía imaginar y no sólo no defraudaron, sino que lograron impresionar.
Presentaron temas de su nuevo disco como: "El chico con rayos X en los ojos", 10 años en Alaska", Marvel y DC", "Adicto a tu fotolog", "Moscú",etc, etc, "Lady Darkness","Iker Jiménez",etc,etc. así hasta 17 temas, mezclados con temas de anteriores discos como el mítico "Bruce Lee", todo un himno cuyo vídeo y otros más podeis ver en mi otro blog. Tocaron uno de mis temas favoritos:"Bazar oriental", todo un cargamento de ternura y poesía.También:"Mis terrores favoritos" para mi gusto uno de sus canciones más perfectas rítmicamente hablando, muy pegadiza, muy bien construída.
En fín todo un montón de buenos temas sin dejar el más mínimo espacio ni rendija entre canción y canción, como tiene que ser en un buen grupo de power pop.
Como ya he apuntado antes, sus temas están llenos de ternura,ironía y sentido del humor de sobra en sus letras. La parte musical es un terremoto de energía sin reservas, ritmo endiablado y desenfrenado, pura energía con gran rapidez en la ejecución, buenos y originales cambios de ritmos, bellas melodías, voces agradablemente armonizadas. Se nota que esta parte la cuidan especialmente, el cantante tiene una voz maravillosa, y los coros siempre juegan a su favor, siempre acompañando. Vocalmente son también impecables y están bien compenetrados.
También derrocharon de sobra simpatía, naturalidad, juventud y frescura y una sencillez fuera de lo común. Después del concierto demostraron además poseer grandes dósis de paciencia con ésta Supporter ,la 158, dejándose fotografíar una y otra vez y respondiendo a todas mis preguntas con una sonrisa y mucha amabilidad.

Escuchando el disco en casa, se aprecia que la grabación es muy buena, perfecta y se consigue un sonido inmejorable, pudiéndose apreciar ya bien todos y cada uno de los
matices llenos de encanto que, lógicamente, se pierden en el directo.

Bueno y ésta ha sido mi crónica de una noche mágica con mi grupo favorito del momento,éstos tres chavales pequeños pero gigantes, chiquitos pero enormes de Santa Coloma que tanto gustan en madrid. Estos tres chicos que son :

Beto- batería y coros.
Gabi- Bajo y coros.
Óscar-Guitarra y voz solista.

Muchas gracias por rescatarnos del aburrimiento!!!!. Hasta siempre!!!!

18 de Mayo: Fiesta presentación del nuevo C. D. de F.A.N.T.A.:"El chico con rayos X en los ojos".

2007-05-29T21:49:00.001+05:00

FOTOS DEL GRUPO FANTA DURANTE SU ACTUACIÓN. EN DOS DE ELLAS SALGO CON GABI Y EN LA OTRA CON CARA DE ABSOLUTA EMOCION (NO ES PARA MENOS) SALGO CON ÓSCAR Y BETO. GRACIAS CHICOS!

18 de Mayo: Fiesta presentación del nuevo C. D. de F.A.N.T.A.:"El chico con rayos X en los ojos".

2007-05-29T21:43:00.000+05:00

FOTOS DEL GRUPO DDT EN LA FIESTA DE PRESENTACIÓN DEL DISCO DE FANTA. REPARTIENDO WHISKY DYC ENTRE EL PÚBLICO ASISTENTE.MUCHA ENERGÍA.

2007-05-14T20:56:00.000+05:00

Proximo 18 de mayo, F.A.N.T.A estara presentando su nuevo disco en la sala GRUTA77 de Madrid, junto a DDT.
Y el 2 de junio en Barcelona, Parc-Europa Santa Coloma de Gramenet

Después de sus discos "Vacaciones en Marte" y "Nada volverá a ser como antes", este trio de Santa Coloma de Gramanet, vuelve a la carga con su tercer disco "El chico con rayos X en los ojos". Disco grabado por F.A.N.T.A en un bazar oriental, mezclado y masterizado por Pelayo (DDT Y Acusicas) y Joaquín Rodriguez (Los nikis y Acusicas).
El disco sera distribuido por El Diablo y estara en las tiendas el 15 Mayo.

-Una breve semblanza del grupo F.A.N.T.A.-

F.A.N.T.A. se forma en 1999 en Barcelona cuando Noe (bajo), Beto
(bateria) y Oscar (guitarra) se meten en un garaje y empiezan a
hacer ruido imitando a los Ramones.
Gracias a Juan de Pablos empiezan a a sonar en Flor de Pasion (RNE3)
con su maqueta QUIERO SER TU JOHNNY RAMONE.
En el año 2001 le seguirán tres demos mas: MI CHICA SALIÓ DE LA MORGUE, OPERACIÓN BIKINI y HE CREADO UN RAMONE.
En el año 2002 se produce un cambio de formación, Noe F.A.N.T.A
abandona el grupo y entra Gabi F.A.N.T.A., graban su última
maqueta SOLO QUEDAMOS TU Y YO.
Es en el 2003 cuando se publica su primer disco “VACACIONES EN
MARTE”, primera referencia del sello 'Música para Top' y producido
por Joaquín Rodríguez, bajista de LOS NIKIS y actualmente de LOS
ACUSICAS. Además cuenta con colaboraciones muy especiales como
BABY HORROR o Nacho y Mauro Canut que les regalan una canción
para el disco.
En el año 2005 aparece su segundo album "NADA VOLVERÁ A SER COMO
ANTES" tambien para el sello 'Música para Top' producido por
Pelayo, miembro de DDT y que recibe muy buenas criticas. Aparecen
tambien en el homenaje a LOS NIKIS “10 años en Sing Sing”.
En el 2006 tocan en varias zonas de la península y aparecen en discos recopilatorios como ¨Viva el Pop¨ del sello Subterfuge records y en el Bublegum World Compilation dónde aparecen junto a grupos como The Manges,Spazzys,The Brabecuties entre muchos otros!!!
F.A.N.T.A. cuenta con un numeroso grupo de fans denominado FANTASUPPORTERS y un gran reconocimiento en paises como Argentina, Uruguay, Chile, Mexico, Japon, entre otros.
F.A.N.T.A. han compartido escenario con muchos grupos entre
ellos: THE QUEERS, THE SOCKER (ex-L7), DDT, BABY HORROR, LOS PLANETAS, AUSTRALIAN BLONDE, FANGORIA, CLOVIS, TOKIO SEX DESTRUCTION, EL COLUMPIO ASESINO, LO MÜESO, AIRBAG, LAS PIRAÑAS, LOS ACUSICAS, FAST FOOD, UN PINGÜINO EN MI ASCENSOR, LA LA LOVE YOU, NOBEL, L-KAN, COLA JET SET, MARQUESES, SUGUS, MOTOSIERRAS, JOHNNY BETADINE, GTO95, THE REYNAS...entre muchos otros!

En estos enlaces os podeis descargar algunos de sus desternillantes y refrescantes temas.
Marvel y DC: http://personales.ya.com/fanta/mp3/FANTA%20-%20Marvel%20y%20DC.mp3
10 años en Alaska:
http://personales.ya.com/fanta/mp3/FANTA%20-%20Alaska.mp3
Hechizo de amor:
http://personales.ya.com/fanta/mp3/FANTA%20-%20Hechizo%20de%20amor.mp3
El chico con rayos X en los ojos:
http://personales.ya.com/fanta/mp3/FANTA%20-%20El%20chico%20con%20rayos%20X%20en%20los%20ojos.mp3

Más información, discos, videos y contratación en:

lamorguedefanta@yahoo.es
www.lamorguedefanta.tk
www.myspace.com/morguedefanta
telfs: 619364395 - 655127040

Mi Homenaje al CBGB. D.E.P.

2007-05-09T15:17:00.000+05:00

El CBGB y OMFUG fue un club ubicado en Nueva York en el 315 de Bowery entre la 1ª & 2ª Calle en el Lower East Side de Manhattan cuyas iniciales CBGB's significan COUNTRY BLUEGRASS BLUES por los estilos que allí se tocan y OMFUG OTHER MUSIC FOR UPLIFTING GORMANDIZERS que es "Otra música para nacientes consumidores".
Su inauguración fue en diciembre de 1973 y es reconocido como el local donde comenzaron a tocar bandas tales como The Ramones, Blondie y Talking Heads. Es reconocido como un local alternativo con clientes tan particulares como el artista Andy Warhol .
El CBGB's finalmente fue cerrado el 15 de octubre del 2006 por una disputa sobre los incrementos del alquiler que provocó que el dueño del local nocturno, Hilly Kristal, perdiera el contrato de arrendamiento que tenía hace más de 30 años después de la apertura del club.Por lo visto debía 90.000 dólares de atrasos de alquiler, ningún influyente abogado pudo hacer nada, ni siquiera el mismísimo alcalde de Nueva York, que medió entre las dos partes en conflicto. Pero, creo que el verdadero motivo fue la especulación urbaníastica, pues esa zona, antes marginal y suburbial llena de vagabundos es ahora el lugar favorito de intelectuales y gente adinerada para vivir. Por tanto , necesitaban el terreno para hacer apartamentos.
El concierto que cerró el CBGB como broche final corrió a cargo de Patti Smith. Sirius Satellite Radio realizó una transmisión en vivo del espectaculo. Smith enumeró a muchos de los músicos que murieron y que tocaron en CBGB al final. La banda, tocó como la canción final, “Gloria”, pero alternada con estribillos de “Blitzkrieg Bop” con “Gloria!”.
El dueño Hilly Kristal ha planteado la idea de transladar el club a Las Vegas.
Bandas que Tocaron alguna vez en CBGB's
· 24-7 Spyz · Agnostic Front · At The Gates · Bad Brains · Devendra Banhart · Bitter Grace · Blondie · BOLD · The Casualties · dna · Dave Matthews Band · Cherry Vanilla · Elvis Costello · Wayne County (aka Jayne County) · The Dead Boys · The Dictators · Superjoint Ritual · Eddie & The Hot Rods · The Fleshtones · Flipper · Gorilla Biscuits · Green Day · The Germs · Guns N' Roses · Richard Hell & The Voidoids · Judge · Korn · Leftover Crack · Living Colour · Madball · The Misfits · Willie Nile · Pearl Jam · Johnny Thunders and the Heartbreakers · Jeff Buckley · Plasmatics · Dos Minutos · The Police · The Ramones · Rancid · Rob Aston · Reagan Youth · The Replacements · The Runaways · Side By Side · Patti Smith · Soundgarden · The Strokes · Supla · Talking Heads · Television · The Toasters · Toyah · The Troggs · Vennaskond · The Yuppie Pricks · Pink Floyd · The Clash · The Yardbirds · Peter, Paul and Mary · The Kinks

ACTUACIÓN EN DIRECTO DE KHATORNO EN EL MOE.

2007-05-08T13:57:00.000+05:00

Una vez más,utilizando la buena música de jazz como punto de partida, el grupo Kathorno liderado por Santi Ibarretxe, Fran Rubio y acompañados por Arturo García a la batería y Arián Suárez al bajo,con algunos cambios improvisados durante la actuación,ya que Luis Mi Baladrón se "apoderó" del bajo unos momentos comoartista invitado y Santi le "arrebató"el piano a Fran Rubio.
Tomando el jazz como base musical, hicieron versiones propias, improvisaciónes sobre las mismas y múltiples virguerías, sin ningún tipo de complejos ni cortapisas.Tocaron una particular Vaca Lechera y un cumpleaños feliz sin despeinarse.
Personalmente me gustó una versíon muy rica en matices del "New York,New York"muy elegante y sugerente.Además estuvieron muy marchosos.Realmente mereció la pena.

The Human League.

2007-05-04T15:52:00.000+05:00

Procedencia: Sheffield,Inglaterra.
Integrantes: Ian Craig Marsh,Martyn Ware,Phillip Oakey
The Human League es un grupo inglés de música synth-pop. Iniciadores de este estilo y pioneros en el uso de los sintetizadores en Inglaterra en la música pop junto con Ultravox y Tubeway Army.
Nació a partir del grupo electrónico/experimental The Future, muy influenciado por los pioneros alemanes de la electrónica ""Kraftwerk"". Formado por Ian Craig Marsh (nacido el 11 de noviembre de 1956) y Martyn Ware (nacido el 19 de mayo de 1956) que trabajaban como programadores de computadoras. Luego se integró Phillip Oakey (nacido el 2 de octubre de 1955) y decidieron cambiar el nombre por The Human League, título aparentemente sacado del juego de mesa de ciencia ficción llamado Star Force.Sin embargo en su recopilatorio "The best of Human League" de reciente aparición, se señala que el nombre surgió de unas palabras expresadas por David Bowie en 1979, que señalaba que la música para los próximos 80's era "Human League": una especie de climax musical y de sensaciones no experimentadas hasta ese momento. Como The Human League comenzaron a grabar varios demos de donde salieron canciones como Being Boiled, Cicus of Death.
El grupo llamó la atención del sello independiente Fast Product y grabaron en 1978 su primer sencillo titulado Being Boiled que vendió unas miles de copias. El grupo hizo varias presentaciones y en una de ellas conocieron a Adrian Wright (nacido Phillip Adrian Wright el 30 de junio de 1956) estudiante de arte que se convertiría en el director audiovisual de las presentaciones del grupo y con el tiempo en miembro del mismo. Fueron teloneros de varias bandas entre ellas Siouxsie and the Banshees. En abril de 1979 es lanzado el primer EP del grupo titulado The Dignity Of Labour pts. 1-4 que consistía en cuatro piezas instrumentales experimentales. Luego el grupo firmó con Virgin para sus grabaciones en el futuro. Después de firmar con el sello creció la expectación en torno a la banda lo que hizo que se fueran de gira con Iggy Pop. De vuelta en Sheffield grabaron el single I Don't Depend On You bajo el pseudónimo de The Men, usando instrumentos más "convencionales" para la época; así usaron también batería y bajo y no sólo sintetizadores y cintas magnéticas.
Ya en octubre de 1979 lanzaron su primer álbum Reproduction y su single promocional fue Empire State Human. A principios de 1980 comienzan a grabar su segundo álbum y lanzan el single Holliday '80 en abril y ya para mayo es lanzado su segundo trabajo Travelogue, que fue mejor recibido que Reproduction por el público. En junio de ese mismo año es lanzado el single Only After Dark. Pero las tensiones en el grupo llevaron a que Martyn Ware por problemas con Phillip Oakey se fuera seguido por Ian Craig Marsh.
Para noviembre de 1980 Martyn e Ian anuncian la formación de su compañía productora British Electric Foundation (B.E.F) e inician la grabación de Music For Listening To lanzado en 1981 y simultaneamente en octubre de 1980 Ian Craig Marsh, Martyn Ware y Glenn Gregory forman Heaven 17. Phillip y Adrian reclutan a Susanne Sulley y Joanne Catherall, a Jo Callis y a Ian burden para lo que será la nueva formación de The Human League. En 1981 el nuevo The Human League lanzan el single Boys and Girls y el single Love Action los llevan al número tres en los charts ingleses. Ese mismo año lanzan el álbum Dare!, siendo exitoso en las ventas como Don't You Want Me. En 1982 lanzan el álbum de remixes Love and Dancing. En 1983 lanzan el EP Fascination! siendo hits las canciones Mirror Man y (Keep Feeling) Fascination.
El éxito que habían alcanzado con el disco "Dare!", que llegó a vender cinco millones de copias en todo el mundo, no se repite con ningún otro de sus álbumes y se puede decir que es todo cuesta abajo desde ahí: "Hysteria" recibe malas críticas y ventas pobres, y para su siguiente álbum intentan levantar cabeza contratando a los productores de moda en EEUU, Jimmy Jam y Terry Lewis, habituales más tarde de Janet Jackson. El single "Human" arrasa en EEUU y les da su primer y único número uno allí, pero el álbum que se publica poco después, "Crash", recibe críticas terribles y ventas decepcionantes. La tónica continúa con "Romantic?", en el que vuelven a sus raíces pop europeas y trabajan con productores desconocidos por aquel entonces pero que llegarían a ser grandes, como William Orbit o Mark Spike Stent. Pero apenas tiene repercusión.
En 1995 el single "Tell me when" entra en el top 10 de las listas inglesas y theHuman league vuelven a la palestra. El álbum "Octopus" logra vender 100.000 copias en Inglaterra. El último disco de la banda hasta la fecha es "Secrets" (2001) y aunque su recepción comercial fue nula, los críticos lo consideraron uno de los mejores del año y el mejor de la banda desde su exitoso "Dare!"

Siouxie and the Banshees.

2007-04-26T14:46:00.000+05:00

Integrantes : Siouxsie Sioux-Susan Ballion(Vocalista) Steve Severin (bajo),Knox Chandler (guitarras), Martin McCarrick (teclados), Budgie (batería).Sus comienzos se remontan al año 1976 cuando debutaron en uno de los primeros festivales punk del mítico Club 100 de Londres. El grupo comenzó como una aventura y acabó llevando una fluida carrera comercial muy representativa de lo que el punk apuntó y lo que el post-punk puso en circulación. La formación sacó el nombre de Banshees del que recibían las míticas hadas mensajeras de la muerte en la tradición céltica.En sus inicios estuvo comprendida por Siouxsie Sioux (Susan Ballion, nacida en Londres el 27 de mayo de 1957) líder y cantante solista, Steven Severin al bajo, Marco Pirroni a la guitarra y Sid Vicious a la batería. A comienzos de 1977, Vicious (John Simon Ritchie) se unió a los Sex Pistols y Pirroni a Adan & the Ants y una sucesión de cambios irrumpió en la trayectoria de la banda.En 1978, un disco pirata suyo ya circulaba de mano en mano, lo que demostraba su auge, grabaron su primer disco The Scream producido por Steve Lillywhite en el sello Polydor, del cual el single Hong Kong Garden fue número siete en Inglaterra.Después de un segundo álbum en 1979, Join Hands, que incluía una versión del clásico The Lord's Prayer, y con los singles The Staircase y Playground Twist de temas estelares, volvieron los cambios. Robert Smith, de The Cure y Budgie (ex-Magazine) acompañaron a Siouxsie y Severin, y finalmente John McGeoch entró como guitarra, aunque para grabar el tercer álbum, Kaleidoscope el antiguo miembro de Sex Pistols Steve Jones entró como guitarra de refuerzo.En 1981 se abrió y se cerró una etapa de la historia del grupo con la aparición del disco Once Upon a Time/The Singles (que recopilaba todos sus singles) y el nuevo álbum Juju. A partir de aquí Siouxsie y Budgie ya casados formaron un grupo alternativo, The Creatures, que debutó en 1981 con Wild Things y siguió con Feast en 1983.En 1990 editarían Boomerang, en 1997 el compilado A Bestiary Of, en 1999 el álbum Anima Animus y Hai en el 2003. Por su parte Steve Severin y Robert Smith formarían The Glove. Siouxsie & the Banshees continuaron con los discos A Kiss in the Dreamhouse (1982) que fue el último en el que colaboró McGeoch, Nocturne (1983) y Hyaena (1984) tendrían a Robert Smith en guitarras nuevamente, siendo éste reemplazado por un nuevo guitarra John Carruthers que participó en el álbum Tinderbox que incluye los singles Cities in Dust y Candyman.Después de Through the Looking Glass (1987) un álbum de versiones, Carruthers es sustituido por John Klein en Peep Show (1988) en el cual participó Martin McCarrick como teclista. En los 90 lanzaron Superstition (1991) y The Rapture (1995).El éxito y la perdurabilidad de Siouxsie Sioux como cantante y estrella siempre fue jugando un papel basado en su imagen y su provocación cargada de matiz erótico, así como en el mantenimiento de sus fans. La imagen y la música del grupo constituyeron un factor importante como precursores del llamado rock gótico.
Discografía de Siouxie and the Banshees
1978 - The Scream1979 - Join Hands1980 - Kaleidoscope1981 - Juju1981 - Once Upon a Time1982 - A Kiss In The Dream House1983 - Nocturne1984 - Hyaena1986 - Tinderbox1987 - Through The Looking Glass1988 - Peepshow1991 - Superstition1991 - Peel Sessions1992 - Twice Upon a Time1995 - Rapture2002 - Seven Year Itch2002 - The Best of Siouxsie and the Banshees
Canciones más exitosas de Siouxie and the Banshees
"Hong Kong Garden""Kiss Them for Me""Dear Prudence""Face to Face""The Staircase""Playground Twist""Cities in Dust""Candyman"

Actualmente Siouxie vive retirada en su lujosa mansión de la campiña francesa y tiene como vecinos a todos esos artistas aburguesados que tanto criticaba.Aún así yo he sentido siempre verdadera debilidad por la belleza y la personalidad de esta mujer a la cuál llevo intentando imitar desde los 16 años ,por supuesto que con resultados bastante nefastos.

Los Undertones

2007-04-17T15:03:00.000+05:00

The Undertones es una de los mejores y más representativos grupos de la new wave inglesa. En 1978 lanzan un Ep con el sello Good Vibrations, en el que incluían su mítica canción "Teenage Kicks". Pero fue, posiblemente, la aparición de John Peel la cambió el rumbo de la banda. Este mítico pinchadiscos (de la BBC) y productor se enamoró del tema e incluso llego a afirmar que eran la mejor banda del momento y esta su canción favorita de todos los tiempos. Así, consiguen un contrato con la discográfica Sire que publicaría su primer disco "The Undertones". A éste le sucederían Hypnotised (1980), Positive Touch (1981), The Sin Of Pride (1983).
Hay en theundertones.net una definición del propio grupo sobre sí mismos que dice que los Undertones eran como los Beatles pero menos guapos y sin novias. Y es que en las canciones de su primer disco hablan de todo aquello que unos adolescentes de provincias como ellos no podían hacer (como tener novia, comprar ropas como las de los punks de Londres, coches, o tener una banda de punk).
En 1983 el grupo se disolvió y en 1999 el cantante Paul McLoone (que desde entonces sustituye al vocalista original Feargal Sharkey) reunió a los miembros del grupo y en 2003 editarían un nuevo disco Get what you need. Actualmente, se encuentran grabando un nuevo disco del que se pueden oir algunos avances en theundertones.net.

Miembros
Los miembros de la banda son, actualmente, los siguientes:
· Paul McLoone (voz)
· John O'Neill (guitarra)
· Damian O'Neill (guitarra, teclados y coros)
· Michael Bradley (bajo y coros)
· Billy Doherty (batería).
· Feargal Sharkey fue la voz solista desde 1975 y hasta 1983.
Trayectoria
La banda publicó sus primeros trabajos en 1977, coincidiendo con el estallido punk en la vecina isla de Gran Bretaña, aunque su material, menos estridente y clasificado como pop punk, estaba a medio camino de The Ramones y el rock de los años '60. Su primer single, la pegadiza canción Teenage Kicks, tuvo un éxito relevante.
En 1999, el cantante Paul McLoone reunió a los músicos de la banda, que no tocaban desde 1983. A lo largo de los años sigüientes actuaron varias veces, y, en 2003, rgrabaron un nuevo álbum: Get What You Need. Actualmente la banda sigue tocando ocasionalmente, con McLoone a la voz.
Discografía
· The Undertones (1979)
· Hypnotised (1980)
· Positive Touch (1981)
· The Sin Of Pride (1983)
· The Peel Sessions Album (1989)
· Get What You Need (2003)
Singles
· Teenage Kicks (1978)
· Get Over You (1979)
· Jimmy Jimmy (1979)
· Here Comes The Summer (1979)
· You've Got My Number (Why Don't You Use It?) (1979)
· My Perfect Cousin (1980) (Número 9 de las listas de éxito en el Reino Unido)
· Wednesday Week (1980)
· It's Going To Happen! (1981)
· Julie Ocean (1981)
· Teenage Kicks (1983)
Recopilatorios
· Cher O'Bowlies - The Pick of the Undertones (1986)

Los Sex Pistols

2007-04-07T15:33:00.000+05:00

Sex Pistols : "El Espíritu del Punk"

A pesar de que ni fueran grandes músicos, ni tuvieran una larga vida,los Sex Pistols irremediablemente ha quedado consagrada como una de las bandas más influyentes y revolucionarias en la historia del Rock.
Jóvenes, rebeldes, agresivos, transgresores, ni cantaban ni tocaban bien, pero tras casi tres décadas de su aparición siguen siendo considerados como los auténticos mentores del Punk (que no creadores), envueltos siempre por el escándalo y la provocación.
Los orígenes de esta legendaria banda comienzan cuando tres amigos del instituto, Paul Cook, Steve Jones y Wally Nightingale, en lugar de ir a clase se dedican a reunirse para fumar, beber y escuchar música, grupos como The Who, Small Faces o MC5.A veces incluso entraban a clase y apostaban quién aguantaría menos dentro.

Una de aquellas mañanas de 1971 decidieron formar su propio grupo; Steve compra una vieja batería Olimpic, Wally se hará con una guitarra pese a sus escasos conocimientos del instrumento, mientras que Paul se encargará de cantar.

Seguirán como trío hasta que en el verano de 1973 se incorpora al grupo el bajista Glenn Matlock. Es el propio Glenn el que les pone en contacto con Malcolm McLaren, uno de los personajes clave en la historia de los Pistols.
McLaren monta a principios de los setenta una tienda de ropa rocker llamada Let It Rock, para más tarde convertirse en una especie de sex shop. Hábil y ambicioso, había convivido seis meses en Nueva York con los mismísimos New York Dolls, así que cuando conoció a The Swankers, no pudo evitar convertirse en su manager.
Lo primero que hace es entregar una guitarra Les Paul blanca que perteneció a Jonnhy Thunders a Jones, instrumento que no tardó en dominar. Por lo que Cook pasará a la batería, mientras que Nightingale, no solo molesto por la contratación de McLaren (al que no soportaba), sino por que le habían quitado la plaza de guitarrista, decide abandonar el grupo.
Se inicia una búsqueda para encontrar a un cantante; el propio McLaren baraja el nombre del mismísimo Jonnhy Thunders, pero no pasará mucho tiempo hasta que encuentren a John Lydon, un chaval asiduo al sex shop del manager. Le hacen una prueba, en la que le piden que cante un tema; Lydon al instante empieza a cantar “School’s Out” de Alice Cooper, y es aceptado de inmediato.
Al poco será más conocido como Johnny Rotten, curioso mote que le puso el propio Jones debido a que pronunciaba con mucha frecuencia la palabra “rotten” (”podrido”).
La entrada de Rotten supuso un golpe de renovación, por lo que deciden cambiar el nombre del grupo. Se barajaron posibles nombres como The Strand, Creme De La Creme, Kutie Jones And His Sex Pistols,... escogiendo finalmente Sex Pistols.
Por entonces, los Pistols, de forma inconsciente, impusieron el estereotipo estético que caracterizaría la incipiente avalancha Punk de finales de los 70; una estética bastada en la ropa destrozada, pelos de punta, imperdibles y cadenas.

La banda así, pasan de ensayar tocando versiones de The Who, The Kinks, y Rolling Stones, para finalmente empezar a componer y tocar su propio material; sus primeras composiciones fueron temas como “Scarface” y “I Did You No Wrong”.
Tras dar su primer concierto oficial el 6 de noviembre de 1975, al poco telonearán varias fechas a Buzzcoks, The Clash, The Damned,...

Viendo el éxito de los shows, en mayo de 1976, los Sex Pistols graban su primera maqueta, bajo la supervisión de Chris Spedding, que contenía los tres primeros temas compuestos por ellos, “Problems”, “No Feelings” y “Pretty Vacant”.
Entorno a sus conciertos se levantaba una gran expectación como consecuencia de la rabia y violencia que desprendía la banda; una violencia que no solo se limitaba al propio grupo, sino al público por lo que cada show terminaba con una batalla campal. Un ejemplo claro es cuando en el pub londinense 100 Club, de Oxford Street, el concierto terminó con una batalla de lanzamientos de vasos de cristal y botellas de cerveza que dejó ciega a una chica. En este triste suceso estaba implicado un tal Sid Vicious, el más acérrimo seguidor de los Pistols.
Precisamente en el 100 Club, centro neurálgico de la movida Punk en la ciudad, el propio McLaren organizó un festival Punk de bandas locales, concretamente el 20 de septiembre, en el que a parte de participar los Sex Pistols, tocaron Siouxie And The Banshees, con Vicious a la batería. Como anécdota, aquella noche el grupo de Sid tocó solo dos canciones, “Knocking On Heaven’s Door” (Bob Dylan) y “Twist And Shout”, ambas alargadas hasta alcanzar los diez minutos.

Pese a su poca ambición, Sex Pistols se habían convertido en una banda bastante popular en la ciudad, gracias sobretodo a sus brutales conciertos, por lo que en verano del 76 graban una segunda maqueta, en la que se incluirán “Submission”, “Seventeen”, “Satellite” y una nueva versión de “Pretty Vacant”, con la cual, vuelven a obtener un gran éxito en el mundillo underground.
Este hecho hacen que empiecen a ser observados con interés por las discográficas; finalmente, EMI se llevan al gato al agua, y con esta compañía editan su primer single, “Anarchy In The UK”, un clásico del Rock por derecho propio, en la que destaca especialmente su ácida letra, en la que no dejaban títere sin cabeza. Esta fue sin duda la razón determinante por la cual este lanzamiento fuera boicoteado y censurado en gran parte del país, aunque no deja de ser curioso, por que llegó a alcanzar el número 38 en las listas de ventas británicas, llegando a vender unas 50.000 copias aproximadamente.
Envueltos por esta polémica, los Pistols son invitados al programa “Today” de la BBC, por entonces, el programa de máxima audiencia en Gran Bretaña; tan solo diez segundos de empezar la entrevista, el grupo empieza a insultar y blasfemar a todo el mundo (con especial “atención” a la reina). El presentador aguanta estoicamente la entrevista, finalizando el programa con la siguiente frase: “Bien, despedimos el programa de hoy; a ustedes, la audiencia, les veré la semana que viene; a vosotros, Sex Pistols, espero no volver a veros nunca más”.
Este incidente ocupo las primeras páginas de todos los periódicos del país, por lo que la fama de los Pistols estaba subiendo como la espuma. Los continuos escándalos de la banda, ya sean apariciones públicas, peleas, o consumo abusivo de drogas, terminaron por hartar a EMI, que decide rescindir el contrato y alejarse de ellos lo máximo posible.

Ya, en febrero de 1977, Glenn Matlock decide abandonar Sex Pistols, por sus malas relaciones con Rotten y McLaren y por sus diferencias musicales con el resto de la banda:el bajista era muy aficionado a los Beatles, y el propio Rotten acusó a Matlock de querer convertir a los Pistols precisamente en eso.
No pasó mucho tiempo hasta que encontraran mediante McLaren al sustituto ideal: Sid Vicious.

Nacido en 1957 bajo el nombre de John Simon Ritchie, Sid Vicious ha pasado a la historia como la esencia del Punk, la filosofía de un género hecha persona. Había hecho primeramente sus pinitos en grupos como The Flower Of Romance o Siouxie And The Banshees, en los que tocaba la batería. Cuando se enteró de que Matlock había abandonado Sex Pistols, no dudó ni un momento y se hizo con un bajo, que pese a su escasa técnica, no tardó en dominar. También hizo sus pinitos con la guitarra: “Aprender a tocar la guitarra me resultó sencillísimo. Marcas un acorde, haces un ‘truang’,... y ahí está la música”.
Con la llegada de Vicious, se completa la formación clásica de Sex Pistols: Jonnhy Rotten (voz), Steve Jones (guitarra/coros), Sid Vicious (bajo/coros) y Paul Cook (batería).

Justo al mes siguiente, la banda firma un contrato con el sello A&M justo delante de las puertas del Buckinham Palace, un contrato que apenas duró una semana. Debido a sus continuos escándalos, los Pistols serán despedidos de nuevo, despido del que McLaren se llevará una buena parte del dinero (como casi siempre solía hacer este experto en marketin, siempre sabiendo en qué lugar colocarse o con quién juntarse para sacar "tajada").

Finalmente en mayo de ese año (concretamente el 13 de mayo), y de nuevo con McLaren por en medio, el grupo firma un nuevo contrato con el incipiente sello Virgin, lanzando con ellos un nuevo single, el emblemático “God Save The Queen”. El tema fue escrito por el propio Vicious, que quería titular a la canción “No Future” (lema que expresa claramente los sentimientos de una generación), aunque por unanimidad los Pistols prefirieron llamarlo de la otra forma por que veían en ella un himno. Y no era para menos; a estas alturas “God Save The Queen” es una canción clave en la historia del Rock, no solo del Punk. Como es de esperar, el tema es inmediatamente censurado y perseguido, sin embargo alcanza el número 1, todo un golpe a una sociedad nacionalista y superficial que celebraba por entonces el jubileo de la reina.
Boicoteados y odiados como pocos, Sex Pistols empezaron a cosechar “grandísimas” críticas tales como “Ellos hacen tanto por la música, como la 2ª Guerra Mundial por la paz” o “Son unos The Who de tercera fila”, un desprecio que iba mucho más allá, tanto que los miembros del grupo sufrieron numerosas agresiones (por ejemplo, Rotten fue apuñalado por un neo-nazi).

Casi siempre ocupando los titulares de la prensa debido a sus escándalos, la fama del grupo seguía creciendo, fomentada muchas veces en sus violentos directos, en los que ya por entonces Vicious, totalmente enganchado a la heroína, tenía la costumbre de rajarse con una cuchilla de afeitar, y verter su sangre sobre su instrumento y a las primeras filas del público.
Finalmente, se prohíbe a Sex Pistols tocar en territorio inglés, obstáculo que salvan tocando bajo otro nombre.

Poco después aparecen dos singles más: “Pretty Vacant” (con “No Fun”, versión de los Stooges como cara B) y “Holidays In The Sun”, de nuevo, y como cabe esperar, en medio de la polémica.
Absolutamente pillados por las drogas, especialmente Sid, en otoño de 1977 se meten en el estudio para grabar el que a posteriori sería su primer y último álbum en estudio, el mítico “Never Mind The Bollocks (He´re The Sex Pistols)”, que vería la luz el 20 de noviembre.
Siguiendo la tónica de censura, boicoteo y escándalo social, a este “Never...” se le podría achacar una prematura y alarmante falta de ideas, pues casi todos los temas ya fueron incluidos en anteriores singles, actuando el álbum como una especie de recopilatorio, pero pese a eso, el disco se encarama en el número 1 en las listas del país, y con el tiempo se consolida no solo como un clásico del Punk (muchos aseguran que es el mejor disco del género), sino mucho más allá, quedando como un clásico del Rock. Todo un hito.
El concierto de presentación se celebrará en Inglaterra, pese a que se les había prohibido tocar en territorio inglés. ¿Entonces como lo hicieron? El astuto McLaren se las ingenió para alquilar un barco, y para que los Pistols tocaran encima de él, sobre el río Tamesis, solucionando así el problema.
Pese a que la gran mayoría de copias de “Never Mind The Bollocks” habían sido retiradas, que pocas tiendas se atrevían a venderlo, y que muchos conciertos habían sido suspendidos, Sex Pistols se embarcarían en una polémica gira por EEUU, un tour que significaría el inicio del final de la banda.
Las primeras descargas en territorio americano terminaron como autenticas batallas campales, en los que grupo y público, a parte de escupirse e insultarse, llegan a enzarzarse a puñetazos.
Sin duda, el miembro más popular y carismático del grupo era Sid, mucho más que Rotten o el propio Jones; desquiciado totalmente por las drogas y por su novia, la grouppie americana Nancy Spungen.
No había concierto en el que Vicious montara el numerito; una muestra clara de estos hechos fue por ejemplo cuando le hallaron semi-inconsciente en el camerino, en el concierto que ofrecieron en Memphis (el segundo en la gira por EEUU). Sin apenas mantenerse en pie, salió al escenario, donde sacó un enorme cuchillo y se rajó sobre el pecho la frase “I wanna fix” (“quiero encajar”). Aquella misma noche, una vez acabado el concierto, los Pistols se vieron involucrados en una pelea contra una asociación cristiana, en la cual, el máximo protagonista volvió a ser Sid Vicious.
Magullado, al día siguiente, dentro del autobús de gira, Sid se dirigió a sus compañeros, y les dijo: “¿Queréis saber que hago cuando me siento feliz?”. Una vez terminó la frase, se sacó una navaja y se hizo un profundo corte a lo largo del brazo.
Viviendo únicamente por y para las drogas, en especial la heroína, el estado de salud de Vicious era realmente preocupante: sufría continuos síndromes de abstinencia (que calmaba con un combinado de cerveza y vodka), tenía un carácter realmente agresivo, y con frecuencia solía vomitar sangre.
Los malos rollos con Sid, continuas peleas y agresiones (Rotten solía llevarse siempre la peor parte), conflictos con Malcolm McLaren,... El clima en Sex Pistols se había enrarecido de tal manera que ya nadie se sentía a gusto.
A comienzos de 1978, tras el concierto que ofrecieron el Louisiana, en el que Jonnhy Rotten resultó agredido cuando alguien del publicó le tiró un puñado de monedas a la cara, McLaren les propone al grupo que fueran a Rio De Janeiro (Brasil) para grabar un nuevo disco. Es aquí cuando Rotten explota y se enzarza en una violenta discusión con el manager, por lo que él mismo decide abandonar al grupo. Sale de la habitación gritando “Esta banda está acabada!”.
Habiendo dejado Rotten a los Pistols en medio de la gira, McLaren no tarda en erigir como líder de la banda a Sid Vicious, que pasa a ocupar el cargo de vocalista, sin renunciar a su descacharrante puesto de bajista.

Pero este hecho trastoca el equilibrio de Sex Pistols, por lo que deciden tirar la toalla y volver a Inglaterra. Aún así, deciden dar algunos conciertos, debido a una gran insistencia por parte del público.
Llegan a Dallas (Texas), y se paran a un restaurante de carretera a comer; allí, cerca de su mesa, un camionero intenta impresionar a la banda apagándose un cigarrillo en la mano. Sid, sin inmutarse, coge un cuchillo y se raja de nuevo en el brazo, vertiendo su sangre sobre el filete y las patatas fritas que estaba comiendo. Todo el mundo se quedó atónito, pero eso le importaba poco a Vicious, que tranquilo, seguía comiendo. Aquel mismo día, en un ataque de histeria, se grabó sobre el pecho una nueva frase: “I´m lost” (“estoy perdido/ acabado”).
McLaren insiste en sacar tajada de Sex Pistols, y prepara una visita a Brasil para grabar una película documental sobre la banda, “The Great Rock’n’Roll Swindle”, ideada por el propio Malcolm y Noel Monk, y dirigida por Julian Temple.
Ciertamente, la historia es totalmente falseada por McLaren, que borra literalmente de la historia de los Pistols a Jonnhy Rotten, y presenta a un nuevo vocalista, Ronnie Briggs, un delincuente de poca monta. Para la grabación de esta película pudieron llegar Cook y Jones, pero no Sid Vicious, que había sido internado en una clínica de desintoxicación de L.A., pero aún así, Vicious seguía siendo el protagonista indiscutible de este documental.
El ambiente en el grupo ya era totalmente irrespirable, pero tanto la compañía discográfica como McLaren insistían en que Sex Pistols seguían vivos; para ello se editan nuevos singles, “No One Is Innocent”, “C’mon Everybody”, y una reedición del “God Save The Queen”, con una desternillante versión del clásico de Frank Sinatra, “My Way”, cantada por el propio Sid, pese a que Briggs insistiera en ser el vocalista.
Ante el panorama de la inminente disolución de los Pistols, Sid decide marcharse a Nueva York con su novia Nancy, a vivir en la habitación 100 del famoso Hotel Chelsea . Pese a que ambos estaban realmente enganchados a la heroína, todo parecía transcurrir bien hasta que en la mañana del 12 de octubre de 1978 Nancy Spungen es hallada muerta; su cuerpo fue hallado en el baño, sobre un charco de sangre. Al parecer, había recibido una puñalada en la habitación, pero aún con vida, consiguió arrastrarse al baño.
La policía apenas tuvo dudas; Sid Vicious fue detenido y acusado de homicidio, ya que, sus huellas estaban en el arma del crimen, aunque por lo visto, hay testigos de que la noche anterior, un desconocido estuvo merodeando cerca de su habitación y faltaba un dinero que guardaban en un cajón.
Otra teoría que se barajó sería la de un pacto de suicidio por amor: su desorbitada adicción les había hecho caer en un hastío vital, en un nihilismo por el que sentían que no pertenecían a este mundo. Por eso, la noche anterior habían comprado dos cuchillos, uno de los cuales se hundió en el estomago de Nancy.
El impopular bajista va a parar a la prisión de Ricker’s Island, donde intentó cortarse las venas con una navaja, con una bombilla rota, y pidió a los guardias que le mataran. Esta tónica siguió hasta el 1 de febrero de 1979, cuando con el dinero de su madre y de la Virgin, Sid sale a la calle.
Esa misma noche, Sid Vicious, de 22 años, decide suicidarse con una sobredosis de heroína. Su cuerpo fue encontrado el día siguiente, y junto a él, una nota en la que se despide del mundo, y en la que cuenta que su vida sin Nancy no tiene sentido y quiere reunirse con ella.
Aún así, y por causas aún hoy desconocidas, el forense decidió poner en el informe que la muerte de Sid fue a causa de una sobredosis accidental.
Tal y como expresó en su carta, el cadáver de Vicious fue quemado, y sus cenizas fueron esparcidas sobre la tumba de Nancy, en el cementerio judío de Philadelphia.
Con Sid, Sex Pistols habían muerto definitivamente, aunque su estética tanto su mensaje (“No Future”) calaron hondo en toda una generación; su vida fue recogida varios años después en el film “Sid And Nancy” (1986), con Gary Oldman en el papel protagonista.
A su muerte le siguieron infinidad de discos recopilatorios y de material inédito como fueron “Kiss This”, “Flogging A Dead Horse”,...
Pese a los vanos intentos de McLaren y EMI para conseguir reunir al grupo, no sería hasta 1996 en el que sin mediación de estos se reunían Jonnhy Rotten, Steve Jones, Paul Cook y Steve Matlock para conmemorar el vigésimo aniversario de la banda tocando por todo el mundo. Ellos mismos declararon que si habían vuelto, lo hacían por dinero, y por otros motivos triviales.En ese momento declaró Rotten que “Los Pistols nunca dijeron que se había acabado todo. Nos han copiado, imitado y fastidiado tantas veces que creemos que es hora de volver a la carga. Hacemos lo que queremos, y siempre lo hemos hecho. Nosotros inventamos el Punk, y escribimos sus reglas”.
Dicho tour de reunión fue bautizado con el acertado nombre de “Filthy Lucre Tour”(que serviría para grabar material para un primer disco en directo, “Filthy Lucre Live”), gira que, de forma accidentada, les llevó por todo el mundo. En el transcurso de esta, el espíritu de Vicious volvió a sobrevolar de cerca la aureola del grupo, debido a que su madre había decidido también suicidarse.
A día de hoy, y desde aquella gira, los Sex Pistols no han vuelto a dar señal de vida; solo ha aparecido de vez en cuando recopilatorios y reediciones de su escaso material.
Ondeando la bandera del “No future”, un grupo como ellos no podían durar, pero sí causar tal impacto que después de casi treinta años nos sigue impresionando.

Los Sex Pistols

2007-04-07T15:30:00.000+05:00

Los Jam

2007-03-27T15:06:00.000+05:00

-Introducción-
The Jam fue un grupo de rock inglés de New Wave de finales de los años 1970 y principios de los años 1980. Fue uno de los grupos más populares de aquella época. Llegaron a colocar sus 18 sencillos en el Top 40 de las listas del Reino Unido, desde su debut discográfico en 1977 hasta su última canción en 1982.
Realizaron seis álbumes de estudio, y el último, The Gift, fue número uno en Inglaterra. Comenzaron su andadura por 1972 de forma amateur en Woking (Surrey), lugar de origen de los componentes del grupo. A finales de 1976 se dieron a conocer en los Clubs de Londres, y grabaron sus primeros discos en plena explosión punk. Ficharon por Polydor por muy poco dinero (unas 6.000 libras), lo que no les impidió ser un grupo de gran éxito. Su primer número 1 fue el single Going Underground, editado el 14 de marzo de 1980, que llegó al número 1 en la primera semana, algo que antes solamente habían conseguido Elvis Presley, Beatles, y Slade.
La popularidad del trío fue especialmente importante en el Reino Unido, donde fueron considerados artistas de primerísimo nivel y rivalizaron con The Clash. Fuera de sus fronteras también tuvieron bastante éxito en países del centro y norte de Europa e incluso finalmente en Japón. En cambio, a pesar de intentarlo con algunas giras, no conquistaron el mercado americano, quizá por el muy marcado carácter inglés de las canciones y del estilo de la banda, en un momento en que a pesar de existir el género new wave en América, la moda musical en los EE.UU. iba por otras direcciones.
Liderados por Paul Weller, a pesar de ser contemporáneos del punk y recibir influencias de The Clash y Sex Pistols (también dicen que éstos últimos se fijaron en el riff de guitarra de "In the City" para hacer su música), revivieron y abanderaron nuevamente el movimiento mod de grupos de mediados de los 60 como The Who o The Small Faces, tanto en la estética como en lo musical, facturando en sus inicios un R&B duro y directo, con influencias de Dr. Feelgood y John Mayall. Otras influencias que se dejan ver a lo largo de su carrera son The Kinks, The Beatles, y el soul de los sellos discográficos Stax, Atlantic, y Tamla Motown.
Instrumentalmente, la banda estaba perfectamente compensada: La particular voz y forma de tocar la guitarra de Paul Weller, muy bien secundada por la sección rítmica de bajo y batería de Bruce Foxton y Rick Buckler, amén de las no menos importantes segundas voces de Foxton. Especialmente notorias son las letras de Paul Weller, que fue madurando en sus composiciones. Letras que hablan de las relaciones personales, las inquietudes de los jóvenes,los problemas socioeconómicos de aquella época , los sentimientos íntimos del ser humano, y muchas otras en las que se refleja fielmente las glorias y miserias de la sociedad británica de la época. Aparte de las geniales y ácidas composiciones de Paul Weller, The Jam imbuían una fuerza espectacular en sus versiones de clásicos del rock y del soul. En sus actuaciones en directo, The Jam trasladaban toda su energía a un público entregado con el grupo. La mezcla de todos estos ingredientes, pasados con maestría por el tamiz del punk y la new wave, dieron lugar a una de las mejores bandas de rock inglés de la época.
Al igual que The Jam nunca negaron las raíces musicales sobre las que se construía su música, siendo justos con la banda se deben reconocer las influencias que ellos ejercieron, tanto en lo musical como en actitud. Grupos de la new wave como Generation X ó Barracudas se fijaron en su manera de hacer las cosas, y John Weller y Bruce Foxton produjeron un disco de The Vapors. El mencionado revival mod de finales de los años 70 no hubiese existido sin la existencia de los Jam. Bandas como Secret Affair, Merton Parkas, The Lambrettas, The Chords, etc. comenzaron a grabar sus discos dos o tres años después de la publicación de In The City, y en el momento en que The Jam eran ya un grupo de éxito, al igual que el estreno de la película Quadrophenia en 1978. Uno de los principales grupos de los años 80, The Smiths,siguieron el mismo camino. Mientras tanto en España lo hacían no sólo grupos mods como Los Elegantes o Brighton 64 y posteriormente Los Sencillos y Los Flechazos, también otros grupos de la nueva ola o Movida, como Los Bólidos ó Los Nikis . En los 90, Oasis, Blur, y Supergrass, son ejemplos de bandas que siguieron la tradición inglesa de Beatles, Kinks, y The Jam. Al comienzo del nuevo milenio los casos más claros de influencia directa de losJam los tenemos en Libertines y Arctic Monkeys.

Formación
La banda en un principio y antes de sus primeras actuaciones en Londres, estaba formada por cuatro componentes. Paul Weller tocaba el bajo a la vez que cantaba. Pero finalmente, tras la marcha del segundo guitarra Steve Brookes, los Jam se convirtieron en trío y Weller se pasó a la guitarra, intercambiando instrumento con Bruce Foxton.

Integrantes
. Paul Weller (1958)- Guitarra, voz. Compositor de casi todos los temas del grupo.
· Bruce Foxton (1955) - Bajo, voz. Algunas composiciones.
· Rick Buckler (1955) - Batería.

Primeros años (1972-1975)
Con 14 años, Paul Weller era un desastre en los estudios. Todo suspensos excepto en lengua inglesa, que se le daba bastante bien especialmente la poesía. Pero pronto se dió cuenta que lo que más le gustaba era la música, y su padre, John Weller, también. John sería desde el principio hasta el final el manager del grupo. Taxista y luego albañil, peleó desde un principio para que su hijo tuviese un mejor futuro. Él consiguió que la banda de su hijo ( donde al principio aún no estaban Bruce Foxton y Rick Buckler) adquiriesen las tablas necesarias tocando en clubs locales ante públicos heterogéneos. Paul tocaba el bajo y cantaba, junto con sus amigos de escuela Steve Brooks, Dave Waller, y Neil Harris. Era 1973 y versionaban a Chuck Berry entre otros.
Neil Harris se marchó a una orquesta, y entonces Paul y Dave invitaron a entrar en el grupo al batería de un grupo local que tocaban heavy. No era otro que Rick Buckler, tres años mayor que Paul y Dave. De esta época es la primera composición de Weller dentro de su posterior discografía: Takin' my love. Dave Waller que era perezoso y no ensayaba con rigor, alegó que prefería la poesía y dejó el grupo. Una letra del segundo álbum de The Jam está coescrita con Paul Weller, ya que siguieron siendo amigos hasta la muerte de Dave por sobredosis de heroína a mediados de los 80.
Como Paul quería un cuarteto, siguió la pista de un guitarrista de otro grupo heavy, un tal Bruce Foxton, también tres años mayor que él. Entre Rick y Paul lo convencieron, y entró en los Jam como guitarra rítmica. Finalmente Steve Brooks también dejó el grupo, porque aunque era el guitarra solista, Bruce cada vez adquiría más protagonismo y no le caía bien. Ahora ya eran un trío, pero Paul no llevaba bien cantar y tocar el bajo a la vez. Le costó convencer a Foxton, pero finalmente consiguió que intercambiasen los instrumentos. Era 1975 y The Jam ya eran el trío de la formación definitiva.

Sonido punk (1976-1977)
En la primavera de 1976 Paul estuvo en Londres en un concierto de Sex Pistols. Le causaron tan buena impresión que ese concierto le hizo replantearse el qué y el cómo de los Jam. The Jam comenzó a endurecerse, distorsionando las guitarras y acelerando los tiempos. Los Jam pensaron que algo gordo estaba pasando en Londres y no podían perdérselo: alquilaron una furgoneta para ir allí y John Weller se encargó de que dieran su primer concierto en el Soho Market. Posteriormente, el 9 de Noviembre actuaron en el 100 Club ante público punk, que coreó y bailó sus temas toda la noche. También tocaron en los últimos días de 1976 en el resto de clubs importantes de Londres, incluido el Roxy, templo del punk.
A principios de 1977, después de varios escarceos con varias discográficas, es el cazatalentos de Polydor ,Chris Parry ,el que se fija en ellos y les ofrece un contrato. Es el momento de grabar los primeros singles y su álbum debut In The City. Para la producción Chris Parry confió en Vic Coppersmith-Heaven, veterano ingeniero de sonido que trabajó con Joe Cocker y The Rolling Stones.
El movimiento punk comenzó a distanciarse de los Jam, especialmente por su indumentaria mod, pero también hubo otras razones. Existió un enfrentamiento gestual y verbal entre Paul Weller y Mick Jones de los Clash en un concierto de los Jam, y el enfrentamiento físico entre Weller y Sid Vicious. Una noche, En un pub londinense, la arrogancia del de los Pistols colmó la paciencia de Paul Weller, que le rompió una botella de cerveza en el rostro produciéndole un corte de consideración. Para colmo, en la gira White Riot Tour con Clash, Slits, Subway Sect, y Buzzcocks, surgieron desavenencias económicas ( los Jam se sintieron literalmente timados por los Clash) y abandonaron la gira a falta de ocho conciertos. A partir de ese momento, The Jam se convirtieron en la oveja negra del punk.Les achacaban que eran afines a la Reina Isabel y a todo lo políticamente correcto.
Pero los Jam siguieron a lo suyo: Fueron el primer grupo punk que actuó en el programa de TV Top of the Pops, y en la letra de su siguiente sencillo, "All Around the World", eran ellos quienes se reían de la hipocresía de ciertos punks. Hacen su primera gira por ciudades de Estados Unidos y entran en el estudio a grabar su segundo larga duración: "This Is the Modern World". Aunque tiene algunas buenas canciones, la producción es algo pobre y en general el disco es menos brillante que el anterior. Quizá este segundo disco en seis meses fue ir demasiado rápido, y supuso el único paso atrás en la carrera de The Jam.
[editar] Éxito comercial (1978-1979)
Es la época de consolidación de The Jam, en la que la banda consigue elaborar un sonido propio y distintivo. El grupo disfrutaba con lo que hacían: largas y exitosas giras, grabación en estudio, promoción en radio y TV, etc. y reinaba la concordia entre ellos.
Después de un single en Febrero de 1978 con cara A de Bruce Foxton, News of the World y unas maquetas frustrantes para el nuevo álbum, Paul Weller se pone las pilas y comienza a componer los mejores textos hasta ese momento. Prueba de ello es "Down in the Tube Station at Midnight" que trata de forma brillante el problema del resurgimiento de los neonazis y el racismo y la inseguridad ciudadana. Otro punto importante es la publicación del single de doble cara A David Watts/"'A' Bomb in Wardour Street". La primera es una versión más rockera de la canción de The Kinks, que consiguió que todo amante de la música en el Reino Unido se fijase en ellos. En Octubre publican el tercer álbum "All mod Cons", grabado en los estudios RAK de Londres, con una buena producción y multitud de referencias al movimiento mod. Para muchos,incluyéndome a mí este es su mejor disco y el primero de ellos que me compré a la vez que el "This years model"de Elvis Costello en Escridiscos con 16 años.¡Vaya compra que hice de una tacada y casi sin ser consciente!. Juan Vitoria lo incluye en 1998 en su libro Los 100 mejores discos del Rock .
Ya en 1979, editan dos brillantes singles con material nuevo, preámbulo del que vendría después: "The Eton Rifles", uno de los himnos característicos de la banda, con un contundente sonido. The Jam entran de nuevo en estudio para un álbum y cambian el sonido directo del tercer disco grande para hacer algo más elaborado en el cuarto: Setting Sons es un disco de guitarras timbreantes y baterías envolventes. Paul mejora nuevamente su lírica y trata poéticamente temas tan diversos como la nostalgia de la amistad adolescente (Thick as thieves), la marginación social de la clase obrera (Saturday´s kids), o los problemas familiares en el matrimonio (Private Hell). También destaca por su lirismo la antibélica y antimperialista Little boy soldiers. Incluso se atreven en grabar en este álbum con la Royal Philarmonic Orchestra una versión de la mejor canción de Bruce Foxton de todos los tiempos, Smithers Jones, que había aparecido en su versión poprock como cara B del single When You´re Young.

Búsqueda de nuevos sonidos (1980-1982)
The Jam fabrican el single Going Underground/Dreams of Children, del que en un principio iba a ser cara A la segunda, que gustaba más al grupo. En la discográfica insistían que era más radiable la primera, así que salió como doble cara A. Entró directo al número 1 y permaneció allí tres semanas. "Going Underground "es un duro alegato contra la manipulación que ejercen los políticos ( en concreto los conservadores de Margaret Thatcher) y sus medios de comunicación sobre la gente. Nuevamente los Jam muestran su faceta antibelicista, antiracista, y en favor de la paz. 1980 es el año en que el grupo toma parte activa en las campañas en favor del desarme nuclear, y se ponen del lado del antiapartheid del CNA de Nelson Mandela.
Se publica" Start!", segundo single que llega al uno en la lista de singles. Reconocen que la canción es un tributo a George Harrison y The Beatles, por su similitud con la canción de éstos Taxman. Diego Manrique pudo averiguar que la letra de esta canción, que hace referencia a los problemas de comunicación entre iguales, la escribió Weller inspirándose en la obra Homenaje a Cataluña de George Orwell, y en concreto por las desaveniencias entre anarquistas y comunistas en el frente de Aragón. Curiosamente, este mismo tema fue tratado años después por Ken Loach en su película Tierra y Libertad.
En noviembre llega el quinto álbum, "Sound Affects". El grupo introduce elementos de psicodelia y regresa al concepto básico del rock and roll del que se desviaron con la producción del cuarto álbum. En este disco se encuentran verdaderas piezas de orfebrería pop con el sello de un madurado joven Weller. La belleza sonora y lírica de "That's Entertainment" la compuso una noche en diez minutos, cuando regresaba borracho a casa, acabándola a la mañana siguiente. El trío es nombrado por los lectores de New Musical Express como mejor grupo del año, y sus componentes como mejor vocalista y guitarrista, mejor bajista, y mejor baterista.
En 1981 el grupo cae en una fase de depresión provocada por la inestabilidad emocional de Paul Weller, en la que cayó entre otras cosas por el asesinato de su ídolo John Lennon en Diciembre de 1980 y las discusiones constantes con su novia Gill. Sólo publican dos singles. Uno de ellos trae Funeral Pyre, única canción firmada por el trío al completo, donde Rick y Bruce se lucen con sus instrumentos, pero Paul empieza a encontrarse encorsetado con el grupo.
En Enero llega el single "Town Called Malice/Precious", nuevo número uno en el Reino Unido. Town Called Malice es la canción más famosa de la banda en el mundo entero. Años después entró en la banda sonora de la película Billy Elliot. Precious es un furibundo funk, estilo musical ya usado en el sencillo Absolute Begginers. Era el adelanto del sexto y último álbum en el estudio, "The Gift", primer y único larga duración que llegó al número uno en ventas. Paul Weller impone al resto el nuevo camino: música negra de los 60, soul, funky, e instrumentos de viento de forma sistemática tocados por dos músicos de color cuyas fotos aparecieron en el diseño interior de la carpeta del disco. Esto último molestó bastante a Bruce Foxton, que prefería seguir apostando por una banda de rock convencional. Para la producción del disco prescindieron del hasta ahora productor, confiando en Peter Wilson, quien ya aportó ideas en "Sound Affects". Supuso un nuevo paso adelante experimental de la banda, y un éxito total en ventas.
En" The Bitterest Pill (I Ever Had to Swallow)" Weller adelanta de forma velada su decisión de finalizar la trayectoria de la banda. Posteriormente hacen público el anuncio, publican un último single que también llegó al número uno, "Beat Surrender" y un EP homónimo que no tiene desperdicio, con tres versiones de clásicos soul. Efectúan una gira de conciertos de despedida que les llevará a recorrer el país aclamados por sus miles de incondicionales. Como colofón, publican Dig the New Breed extraído de sus conciertos, con un excelente sonido. Es difícil que los discos en directo escalen puestos en las listas de ventas; Decir que llegó al dos resume la importancia de The Jam como una de las bandas más aclamadas de todos los tiempos en su país natal.

Disolución
Cuando The Jam estaban en la cima de su carrera, cuando éxito, fama, y ventas más les sonreían, Paul Weller, haciendo honor a la honestidad que siempre le ha caracterizado para con su público, decide disolver la banda. En un comunicado oficial a todos sus fans en Octubre de 1982, la banda anuncia su disolución a final de año por medio de la pluma de Paul. Decía en el comunicado cosas como: "...hemos realizado todo lo que podemos como grupo. Me refiero a aspectos tanto musicales como comerciales. Quiero que todo lo que hemos hecho sirva de algo, y sobre todo odiaría que terminásemos viejos y con tensiones como tantos otros grupos. Quiero que terminemos con dignidad. Creo que ahora es el momento. Cuanto más tiempo continúa un grupo, más difícil resulta dejarlo, y por eso muchos grupos siguen hasta que llegan a no tener ningún significado. Nunca quise que The Jam llegase a esa situación..." Todo un ejemplo de honestidad e independencia, olvidándose de los beneficios del comercio.
Tras esto, Paul Weller formó al año siguiente el dúo "The Style Council" junto a Mick Talbot (ex-Merton Parkas, banda británica de revival mod) a los que posteriormente se unieron el batería Steve White y la cantante Dee C. Lee (que se convertiría después en la esposa de Weller y madre de sus primeros hijos). Posteriormente en los primeros 90, Paul Weller iniciaría su brillante carrera en solitario que aún hoy día continúa. Los otros componentes de The Jam, Bruce Foxton y Rick Buckler, se integraron en proyectos de media o baja repercusión.
Discografía
Sencillos
Algunos críticos musicales dicen que The Jam fueron una banda de sencillos, y es que la publicación de éstos se convirtió en todo un acontecimiento entre sus seguidores en el Reino Unido. Los sencillos son especialmente importantes en su discografía, porque muchas caras B y bastantes de las caras A son canciones que no se publicaron en los álbumes. Con 4 singles en el nº1 de las listas UK, se perfilaron como el segundo grupo inglés de la new wave de más éxito, sólo por detrás de The Police, que obtuvieron 5.
Posiciones
· In the City (1977) - #40 en los listados del Reino Unido.
· All Around the World (1977) - #13
· The Modern World (1977) - #36
· News of the World (1978) - #27
· David Watts/ 'A' Bomb in Wardour Street (1978) - #25
· Down in the Tube Station at Midnight (1978) - #15
· Strange Town (1979) - #15
· When You're Young (1979) - #17
· Eton Rifles (1979) - #3
· Going Underground/ Dreams of Children (1980) - #1
· Start! (1980) - #1
· That´s Entertainment (1981) - Publicado en Europa y no en el Reino Unido, llegando al #21 pese a ser un disco de importación
· Funeral Pyre (1981) - #4
· Absolute Beginners (1981) - #4
· Town Called Malice/ Precious (1982) -#1
· Just Who is the Five O'clock Hero? (1982)- #8
· The Bitterest Pill ( I Ever Had to Swallow) (1982) - #2
· Beat Surrender (1982) - #1
Álbumes
Excelente progresión con sus álbumes, desde el que fue su disco más naif, su disco debut In the City, hasta llegar al número 1 en ventas en Reino Unido con su último disco en estudio, The Gift.
Álbumes en estudio
· In the City ( 1977) - #20
· This is the Modern World ( 1977) - #22
· All Mod Cons ( 1978) - #6
· Setting Sons ( 1979) - #4
· Sound Affects ( 1980) - #2
· The Gift ( 1982) - #1
· Dig the New Breed (álbum en directo; 1982) - #2
Compilaciones
· Snap! (1983) - #2
· Greatest Hits (1991) - #2
· Extras (disco con demos y rarezas; 1992) - #15

Una Marca de Fábrica.Inspirado por Athos.

2007-03-15T15:40:00.000+04:00

Sonido Motown:

Martha Reeves & The Vandellas, "Live Wire! The Singles 1962-1972"
Marvin Gaye, "Anthology"
Stevie Wonder, "Looking back"
The Temptations, "Emperors of soul"
The Jackson 5, "Anthology"
The Supremes, "Anthology"
Smokey Robinson & The Miracles, "Anthology"

LA TAMLA MOTOWN
¿Un nombre o un estilo? En el caso de Motown no se puede hacer una diferencia. Quizá el sello independiente más trascendental en la historia de la música popular, Motown dejó una huella tan profunda que era inevitable que se transformara en estilo.

Nombres como Marvin Gaye, Stevie Wonder, The Supremes y The Jackson Five, sin dudarlo, pertenecen al firmamento de la música popular. A los cuatro los une su sonido, y una historia en común, cuya raíz está en la ciudad de Detroit, la ciudad de los automóviles.

Sería injusto confeccionar una biografía de cualquiera de estos artistas sin mencionar un nombre fundamental para su despegue como grandes figuras. Se trata del señor Berry Gordon Jr., para algunos un visionario, para otros un "buitre" más dentro de la industria musical.

Lo cierto es que Gordy había nacido en Detroit, Michigan, el 28 de noviembre de 1929. Su padre trabajaba como contratista especialista en enyesado, y su madre en una inmobiliaria; además tenían una imprenta y debían mantener una familia de ocho hijos.

El joven quería ser boxeador profesional y en su afán decidió dejar el colegio. Claro, hasta que recibió la ineludible llamada del ejército, en 1951, donde culminó sus estudios.

Tras dejar el uniforme en 1953, su especial personalidad lo llevó a abrir una tienda de discos de jazz llamada 3-D Record Mart, con ayuda de su familia. El '55 el negocio había quebrado y Gordy debía trabajar en la línea de ensamblado de la Ford.

Pero Gordy quería otra cosa, algo que tuviera que ver con su pasión, la música. Se había descubierto a sí mismo como un buen compositor y estaba deseoso de demostrarlo. Semana a semana enviaba demos con sus canciones a concursos o cantantes, hasta que tuvo su recompensa. En 1957 Jackie Wilson grabó "Reet Petite", una canción que Gordy escribió junto a dos de sus hermanos, bajo el seudónimo de Tyran Carlo.

Comenzaba así una exitosa e insipiente carrera como compositor, que pronto lo llevó a desear el control total de sus propias composiciones. Su primera producción fue "Ooh Shucks" de los Five Stars, la que fue editada por el sello Mark X. A medida que Gordy se involucraba más y más en la industria, dejaba ver un innegable talento como "descubridor", que confirmó al trabajar junto a The Miracles, a quienes había visto en vivo.

Gordy también se daba cuenta de que poseía un "algo" y que podía independizarse de su trabajo para los sellos. Así que el 12 de enero de 1959, y nuevamente con el apoyo financiero de su familia (800 dólares), fundó su propio sello, llamada Tamla Records.

Esta marca funcionó tres años hasta que se fusionó con el segundo proyecto de Gordy, Motown, conservando este último nombre (por Motor-Town, pueblo de motores).

La época de oro de Motown se había iniciado, y durante ella se consolidaría el sonido característico del sello, una exquisita mezcla de soul, pop, y funk con toda la carga espiritual de la música negra. Marvin Gaye, Stevie Wonder, Edwin Starr, Brenda Holloway, Martha Reeves, The Supremes, The Temptations y The Jackson Five, entre otros, grabaron sus discos bajo su alero.

Tras 10 años de éxito notable, la decadencia de Motown coincidió con su cambio de casa, hacia Los Angeles, en 1971. Martha Reeves caía en picado, Diana Ross dejaba a las Supremes y los hits se hacían mucho más esporádicos. A pesar de haber dado algunos buenos hits durante los setenta, la compañía independiente más importante de todos los tiempos terminó en manos de MCA. Pero su influencia ya estaba más que extendida y hoy más que hablar del sello Motown, hablamos del "sonido Motown".

Como dijo Lionel Ritchie hace algunos años: "La verdad, el sonido motown es el fundamento de todo lo que estamos oyendo. La vieja escuela del motown es la base de la nueva escuela de composición. En mi nuevo disco decidí que en lugar de dar tres pasos para adelante, debía dar dos pasos para atrás, hacia el motown, y hacer buenas melodías para que la gente se identificara; lo mismo con las letras."

Actuación de Los New Crooners

2007-03-07T15:35:00.000+04:00

El pasado 16 de febrero,se ofreció en la sala "Sol y Sombra",un sitio bastante cool y de diseño,no muy apto para actuaciones pero sí para pases de modelos,una gran actuación a cargo del grupo de jazz,los New Crooners.El grupo,liderado por Luismi Baladrón y acompañado,entre otros por el saxofonista tenor Santi Ibarretxe,nos regaló un magnífico repertorio del más puro estilo jazz clásico y de calidad.La elegante y acariciante voz de Luismi,interpretó magníficamente temas tan míticos como el "Water melon" en una versión de enorme calidad.Nos regalaron también joyitas como una versión muy íntimista y cargada de sentimiento del mítico tema de george Harrison que en su día cantaron Los Beatles,el "here comes the sun".Resulto especilmente emocionante esta parte.
Tuvieron gran éxito de público,que supo valorar con grandes aplausos y alguna que otra ovación su magnífica actuación de enorme valor musical.

Exposición de Miguel Trillo,galería Ovidio,año 1981.

2007-02-21T21:34:00.000+04:00

Estas fotografías son de la invitación a la inauguración que me enviaron a casa
los de la galería Ovidio y guardo con mucho cariño,pues era preciosa.Era la funda de un single vacía,pero del mismo material y todo.La foto de Ana Curra es preciosa.Me acuerdo muchisimo de esa tarde e incluso de la ropa que llevé.Tenía 17 años.También recuerdo que fui sola.Se conmemoraban los dos primeros años de la movida.Hay que ver!
Miguel trillo ha sido,desde luego el mejor fotógrafo de la movida sin menosprecias a Alberto García Alix.También Ouke Lele es fantástica pero se salía de la movida en sí misma de los grupos musicales y el ambiente de los conciertos.

Homenaje a Los Ramones

2007-02-16T15:24:00.000+04:00

El magnífico grupo madrileño de power pop llamado DDT homenajea cada 30 de Diciembre desde hace ya un lustro,por lo menos,al mítico y venerado grupo americano fundado durante la década de los 70 y que cada día tiene más y más adeptos.
El marco elegido por regla general es la ya clásica sala de conciertos "Gruta 77".
En un marco absolutamente caluroso,asfixiante y festivo todos los asistentes acuden a llenar el local hasta los topes con sus reglamentarias camisetas de los Ramones y los componentes del Grupo DDT acuden tb.con camisetas,chaquetas de cuero e incluso con las pelucas de rigor que en cada edición desempolvan para tan gloriosa ocasión.
El virtuosismo del batería no tiene límites y su entrega no conoce fronteras,por cierto,como dato curioso diré que es hermano de la que aquí escribe.Pero eso no es motivo para que yo pierda la ecuanimidad ni la objetividad.
Ánimo muchachos,seguid así de hiperactivos!!!!!!

Los Ramones

2007-02-16T15:17:00.000+04:00

Aquí estoy yo en plan P.J.Soles con los Ramones.Mi grupo favorito en
estos momentos.Muy pocos hay,ni han existido jamás que sean tan auténticos
como ellos fueron.O son.Porque en teoría todavía siguen tocando,aunque
que queden vivos sólo hay uno de sus miembros.El resto han muerto todos.
Cada día tienen más y más fans por todo el mundo que se van uniendo a los ya existentes.Es una fuerza imparable aún despues de muertos.Conozco pocos grupos que tengan tanto carisma:Cada uno de sus miembros por separado tienen su propio halo.Cualquier seguidor de Los Ramones no sabría decir en realidad cual es su favorito.Aunque para mí sin duda el favorito sería Joey,que supo hacer de sus limitadas condiciones para realizar algo una virtud y su sello propio.Con su desmesurada altura y sus problemas de vista supo crear un estilo propio sobre el escenario.Ni siquiera la timidez y problemas de comunicación le impidieron reflejar su enorme sensibilidad a la hora de componer sus propios temas y de interpretarlos de manera única e inimitable.

F.A.N.T.A.CON DDT

2007-02-16T15:16:00.000+04:00

En el Gruta.Fanta y DDT.Los grupos más divertidos y desconocidos.

¡¡¡¡Los Clash!!!!

2007-02-15T14:13:00.000+04:00

LOS CLASH

Se formaron durante la primera explosión punk de los años setenta en Inglaterra y llamaron la atención por su sonido fuerte y heterodoxo,también por su compromiso político y social.Su máxima "los admiradores están primero" les granjeó muchísima audiencia y opinión positiva. Lo que los diferenció del resto de los grupos fue su capacidad de cambiar y evolucionar permanentemente en su creación musical. A pesar de ello, siempre se mantuvieron en la vanguardia del rock.

Los Clash tenía una química difícil de explicar que los hacía una gran banda. Joe Strummer, el guitarrista rítmico, escribió la mayoría de las canciones, mientras que el guitarrista Mick Jones era quien componía la música. En tanto el bajista Paul Simonon ayudó a desarrollar la forma (anti) estética de la banda.Decoraba y elaboraba las camisetas y vestuario pintando con plantillas y pintura sobre la ropa,rasgando los pantalones etc e imprimiendo mensajes como "Love and war",mostrando la ideología antirracista y anarquista del grupo en general. El baterista, Topper Headon, un tipo que iba de aquí para allá, se encontró con la posibilidad de darle el poder y la fuerza a la banda,realmente fue el que imprimió a la banda del sonido tan enérgico y rotundo que le llevó a ser uno de los mejores. Fue esta mezcla de talentos y personalidades lo que convirtió a Los Clash en una máquina con fuerza creativa.
Cuando la banda salía a escena ponían todo su ideario político e idealismo dentro de un empaque cargado de fuerza, energía y explosividad que se conectaba directamente con los sentimientos de la audiencia.

Mick Jones y Paul Simonon acudían a la misma escuela de Arte y en seguida se hicieron inseparables atraídos el uno por el otro por sus gustos estéticos y su afición musical.Más tarde conocen a Joe Summer en la cola del paro.Debo añadir que por aquellos tiempos (los años previos a la Era Thatcher)Inglaterra atravesaba una tremenda crisis económica y social,con las tasas de paro y de conflictos sociales más altos de su historia. El grupo se formó en junio de 1976 cuando Strummer dejó su grupo de pub, los "101ers", para unirse a Jones, Paul Simonon y al guitarrista Keith Levene, quienes venía de la banda de Jones llamada "London SS". Llamaron a Terry Chimes (apodado como "Tory Crimes") para la batería. Unos meses después Levene dejó la formación para armar una propia.

En el momento en que se formaron Strummer vivía en una casa abandonada como ocupa y Jones compartía el cuarto con su abuela. Ambos estaban en el lugar preciso para poder escribir sobre el aburrimiento, la pobreza y la lucha de clases que guiaba el punto de vista punk. Simonon, el bajista, sugirió el nombre "The Clash" al notar las veces que aparecía la palabra en un diario que leía frecuentemente. El nombre insinuaba el conflicto de sus propias vidas, por eso no podía haber un mejor nombre.
Su primer disco, "The Clash", se grabó en tres fines de semana y fue presentado en Inglaterra en abril de 1977. El disco fue llamado "arquetípico del punk" y fue uno de esos discos que cambiaron la historia y la forma del rock. En él venían canciones que se convertirían en himnos del movimiento punk como "White Riot", "I'm So Bored With the U.S.A."(Esta en principio se titulaba "I´m so bored with you" dirigido a una chica) y "London's Burning." En ese mismo álbum el grupo reconoce la raíz política que los une con el reggae en la canción "Police & Thieves".
"The Clash", nunca fue lanzado apropiadamente en los Estados Unidos y, para cuando finalmente fue presentado, algunos temas fueron sustituidos para dejar espacio a los sencillos que tenían la posibilidad de llegar a ser éxitos. El disco tuvo éxito fundamentalmente por el boca a boca y porque la prensa habló maravillas de la banda.
A finales de 1977 e inicios de 1978 el grupo lanzó una serie de sencillos que no fueron incluidos en LPs posteriores que funcionaron como comunicados ideológicos con sus admiradores, las canciones fueron "Complete Control", "Clash City Rockers" y "(White Man) In Hammersmith Palais". Su segundo álbum, "Give 'Em Enough Rope", fue un llamado al perfeccionamiento en la ejecución. De ahí se extrajeron "Safe European Home" y "Stay Free".
Sin embargo, el disco considerado como clásico de The Clash fue el doble LP "London Calling" que salió a la venta en Inglaterra en diciembre de 1979 y en Estados Unidos en enero de 1980. El disco combinaba la energía y actitud del punk de los setenta, con el enfrentamiento y la inteligencia de la década que comenzaba. El disco producido por Guy Stevens se convirtió en uno de los discos más importantes de la década.
De él se extrajo su primer éxito en Estados Unidos "Train in Vain" que llegó al número 23, aunque fue incluida en el último minuto y ni siquiera aparecía en la funda del disco,ni en las letras. Intencional o no, la omisión del dato hacía ver que el grupo no tenía mucho que ver con el tema de la fama, o al menos sabían controlarla.
Ese mismo año presentaron la película "Rude Boy" en la que aparecían varios actos en vivo de la banda. En ellos se demostraba porque han sido considerados uno de las mejores presentaciones en la historia del rock.
Manteniéndose consecuentes con su visión de mundo, su cuarto álbum se llamó "Sandinista!" que se inspiraba en los movimientos revolucionarios centroamericanos y en la triunfante revolución nicaragüense. Era una reafirmación de sus ideales. El disco era un triple LP, al que la banda le rebajó sus ganancias para poder venderlo a un precio relativamente accesible. Los discos tenían temas como "The Magnificent Seven", "The Call Up", "Police on My Back" y "Washington Bullets" que empujaron al triple álbum hasta el número 27 en Estados Unidos, parecido al 24 de su predecesor. Si se toma en cuenta el costo de los discos realmente fueron bastante buenos los resultados.
Su último disco fue "Combat Rock". Presentado en 1982 llegó hasta el número 7 de los discos más vendidos empujado por los sencillos "Rock the Casbah" y "Should I Stay or Should I Go". Esta última canción llegaría a ser el único número uno de la banda en Inglaterra, nueve años después de su lanzamiento oficial.
En el momento en que salió "Combat Rock" el grupo enfrentaba diferencias internas importantes que llevaron a su ruptura en la cima de su carrera. Su última presentación fue en un festival de rock en 1983. Luego Jones volvería a unir a Strummer y Simonon para armar el grupo Big Auido Dynamite que lanzaría el tema "Cut The Crap" en 1985, para luego deshacerse al año siguiente.
Los integrantes de la banda se mantuvieron alejados por mucho tiempo hasta que se se reunieron a finales de los 90 para una compilación de éxitos y un documental sobre la banda. Aunque eso y la actuación benéfica en el 2002 hizo ver las posibilidades de una nueva unión. Todo se acabó con el fallecimiento de Joe Strummer el 22 de diciembre del 2002 de un ataque al corazón.
Simplemente "The Clash", estuvo entre las bandas más explosivas e interesantes en la historia del rock and roll. Ayudaron a crear y definir el movimiento punk. Si los Sex Pistols con su corta duración fueron la expresión del nihilismo, entonces Clash expresó la conciencia política. Después de la separación de los Sex Pistols, Clash se convirtió en el centro del movimiento punk y fue su icono durante cinco años. Sus discos fueron una muestra de tiempos tumultuosos, cargados de instinto y de fuerza poderosa. Irrepetibles.

SILVIE VARTAN

2007-02-14T13:57:00.000+04:00

SILVIE VARTAN

Sylvie Vartan (nacida el 15 de agosto de 1944) es una actríz y cantante francesa, de musica pop, de origen húngaro y armenio.Fue considerada otra chica Ye-Yé.
Nacida originalmente con el apellido Vartarian en Iskretz, Bulgaria, se mudo a Francia junto con sus padres y su hermano en diciembre de 1952. Debutó como actríz en la película Bonnie y Clyde (1964, a pesar de concentrar su carrera en la canción, Vartan también ha participado actuando en un considerable número de películas.
A la edad de 21 años, en 1965,se casó con el cantate francés de rock Johnny Hallyday en plena cumbre de su carrera. Juntos tuvieron un hijo, David Hallyday, que siguiendo la tradición familiar también se ha hecho cantante. Johnny Hallyday y Sylvie Vartan fueron la "pareja de moda" de su generación en Francia, atrayendo constantemente la atención de la prensa rosa. Jhonny y Sylvie se divorciaron en 1980. Ella luego se volvió a casar; esta vez con el empresario discográfico americano Tony Scotti.
En el año 2005 Vartan fue nombrada embajadora de buena voluntad de la Organización Mundial de la Salud.
Sus mayores éxitos como cantante los ha obtenido por medio de las canciones "Panne d'essence" (Sin combustible), "Comme un garçon" (Como un muchacho), "J’ai un problème, je crois bien que je t’aime" (Tengo un problema, creo que te amo), y "La plus belle pour aller danser" (la más bella del baile).
A pesar de concentrar su carrera en el canto, Vartan también ha participado actuando en un considerable número de películas.

Filmografía
Bonnie y Clyde (1964).
Sus mejores canciones
· Tous mes copains
· Panne d'essence (con Frankie Jordan)
· Le Locomotion
· Il y a deux filles en moi
· La plus belle pour aller danser
· Quand tu es là
· Par amour, par pitié
· La Maritza
· Comme un garçon
· Baby Capone
· 2'35 de bonheur (con Carlos)
· Mon père
· Pour lui, je reviens
· Je chante pour Swanee
· Les petites filles modèles (con Chantal Goya)

Actuación de "Kathorno" en el "Moe"(19/Enero/2007)

2007-02-12T16:10:00.000+04:00

FOTOS DE LA ACTUACIÓN DEL KHATORNO CON SANTI IBARRETXE(SAXO) Y FRAN RUBIO(TECLADOS) ENTRE OTROS.ES QUE NO ME SÉ EL NOMBRE DE LOS OTROS DOS.UN INTELIGENTE MODO DE INTRODUCIRNOS EN EL JAZZ PSICO-FUNKY.MUY BUEN GUSTO,MUY BUENOS MÚSICOS Y CREATIVIDAD A MANOS LLENAS.ENTREGA TOTAL DEL GRUPO,INDIFERENCIA PARCIAL DEL PÚBLICO.

EN LAS FOTOS SALGO YO CON SANTI,LÍDER TAMBIÉN DE "PRÍMITAL" (QUE ESTÁ QUE LO PETA!)Y CASUALMENTE UNO DE MIS MEJORES AMIGOS.

VISITEN SU WEB:www.primital.com

"Poupee de Cire ,poupee de son".Dedicado a Athos.

2007-02-10T23:11:00.000+04:00

France Gall (video)

2007-02-07T16:28:00.000+04:00

France Gall-fotogalería

2007-02-06T21:20:00.000+04:00

SI BIEN NO POSEÍA LAS GRANDES CUALIDADES VOCALES DE FRANCOISE HARDY TENÍA A CAMBIO UNA GRACIA Y UNA FRESCURA QUE LA DABAN MUCHO ENCANTO TAMBIÉN.sU ALEGRÍA EN SU ROSTRO Y EN EL TONO DE SU VOZ LA HACÍAN DELICIOSA Y ATRACTIVA.LA MÁS PIZPIRETA DE LAS CHICAS YE-YE.eS MI FAVORITA.SU CANCIÓN DE "LAS RISAS"QUE NO SÉ COMO SE LLAMA DE VERDAD ES UNA DE MIS FAVORITAS DESDE QUE YO TENÍA 15 AÑOS.ME VESTÍA COMO ELLA Y ME PEINABA TB IGUAL.(SALVANDO LAS DISTANCIAS)

France gall -biografía

2007-02-04T16:39:00.000+04:00

Representó a Luxemburgo en 1965 y se llevó el primer premio de Eurovisión con 17 años de edad. “Poupée de cire, poupée de son” es uno de los temas más populares de la historia de este Certamen, de los que hicieron historia en su día y hoy son recordados con nostalgia yeyé..

La vida de France Gall tiene dos etapas artísticas bien diferenciadas. De 1963 a 1967, su época de niña yeyé, adolescente rebelde con esa imagen de las “lolitas” de los años sesenta. Creó moda entre las chicas de su tiempo y su estilo a la hora de cantar era el de tantas estrellas francesas, italianas, inglesas o españolas. Disconforme con esa imagen de niña postmoderna yeyé quiso dar carpetazo a esa etapa y empezar con un estilo notablemente distinto. Rompió con sus autores, casa discográfica y empezó de cero.

De 1968 a 1974 tuvo unos años de indecisión, en los que trabajó buscando varios estilos, formó parte de la prensa rosa de Francia y Europa por sus romances con cantantes famosos y fue bajando su status artístico para convertirse en una intérprete algo banal y de consumo rápido. Muchas cayeron en el olvido a inicios de los setenta, y a France le hubiese pasado igual a no ser por el cambio tan radical que tuvo en su vida y trayectoria artística.

Su etapa decisiva le llegó en 1974 cuando conoció a Michel Berger, su amor y pygmalión artístico que la cambió de arriba a abajo. Hizo de France Gall una chica totalmente opuesta a la niña pizpireta de los primeros años y convertirla en una estrella de peso, tanto por su renovado talento musical, como por su compromiso con las causas civiles. Fue el nacimiento de la verdadera estrella, a parte de lo efímero. France Gall se convierte en una de las cantantes más respetadas de Francia. Pero no todo fueron alegrías, sino que hubo muchos momentos en los que el sufrimiento se cebó en su vida y fue resurgiendo de la pena para empezar de nuevo y hacerse más fuerte con el tiempo. Es la historia de una mujer auténtica y siempre bella, con un tesón de hierro, inimitable, a pesar de ser una de las más imitadas en su juventud.

France Gall (Isabelle Gall, de nombre de pila) nació el 7 de octubre de 1947 en París, hija del famoso compositor Robert Gall que creó el conocido tema de Charles Aznavour “La Mamma” y algunos para Edith Piaf. Su madre, Cécile, también era cantante. Era la típica niña rebelde de clase media alta, adolescente y moderna criada en un ambiente liberal. Para ella era normal que por su casa pasasen artistas de toda clase, escritores, pintores, cantantes, etc. Sus hermanos la apodaron “Babou” que era como la llamaban íntimamente en casa.

Su estilo inicial en el mundo de la canción era similar al de Silvie Vartan, Sheila o Françoise Hardy. Competían en las listas de éxitos de la primera mitad de los sesenta. El primer éxito discográfico fue “Ne sois pas si bête” en 1963 compuesto por su padre, con sólo 15 años, vendió 200.000 copias.

En 1964 un tema de Serge Gainsbourg, “Sacré Charlemagne” fue uno de los temas más escuchados en radio y televisión de ese año. Ahí nació el esquema de la rubia precoz, de cara mona, con voz de niña pero potente en su audición y esquema de inocencia intencionada que tanto gustó a los productores de la época. Ese estilo de “niña prodigio” era similar al de nuestra Marisol o Rocío Dúrcal en España, como Caterina Casselli en Italia, o Sandie Shaw y Lulú en el Reino Unido. Siempre salvando las distancias. Fue la oleada de las chicas yeyés que además se llevaban los primeros premios de la Eurovisión de la segunda mitad de los sesenta, entre otros certámenes musicales de prestigio.

Era una estrella reconocida en Francia cuando representó a Luxemburgo en la décima Edición del Festival de Eurovisión celebrado el 20 de marzo de 1965 en Nápoles. Tenía 17 años, mucha inocencia y estaba totalmente dirigida por su padre y los consejos de Serge Gainsbourg que le escribió el tema “Poupée de cire, poupée de son” con el que ganó por encima de otras estrellas ese año como la británica Kathy Kirby que fue segunda con “I belong”, Udo Jürgens por Austria, Bobby Solo por Italia, Guy Mardel por Francia o Marjorie Nöel por Mónaco. España llevó a Conchita Bautista por segunda vez y obtuvo un cero. Portugal también tenía una cantante muy conocida en su país y España, Simone de Oliveira que fue votada con un único punto. Fue un año difícil por la calidad de los intérpretes, pero como Gigliola Cinquetti, adolescente también en 1964, creó el precedente de la victoriosa juventud en Eurovisión. Se repite la fórmula con France Gall, aunque con estilos distintos. Desde ese año, las chicas yeyé estarán de moda hasta inicio de los setenta.

Tras el Festival fue número uno en Europa. Firmó por cinco años con la casa de discos alemana Teldec. Pero de esa imagen de niña “muñequita” se fue desgastando para hacerse otra más acorde con su edad a la par que Gainsbourg explotó al máximo el estilo de niña rebelde y medio snob con canciones de consumo fácil algo insulsas y naïfs. El tema “le Succetes” fue otro número uno en 1966, así como “Nefertiti” o “Teenie Weenie Boppie”.

En su vida hubo grandes altibajos, entre ellos su renuncia a seguir cantando temas de Serge Gainsbourg, que según ella la hacía figurar como un objeto de cuerda, acorde con la letra de la canción que le escribió para el Festival. Desechó toda su época de “niña prodigio” y buscó nuevos esquemas, a pesar de ser la cantante pop número uno de Francia. En 1967 grabó “Bebé Requin” de Joe Dassin. Después de ese éxito desapareció prácticamente del mundo artístico. Pasó a la prensa rosa por su relación sentimental con el cantante Claude François y con Julien Clerc entre el ’70 y el ’74. Hizo alguna aparición televisiva haciendo algún dúo a finales de los sesenta con los intérpretes citados y el actor Maurice Biraud con el que grabó “la Petite” o Mireille Darc “Ne cherce pas à plaire”. Buscó un nuevo estilo sin encontrarlo con lo que se iban distanciando sus trabajos en el tiempo.

Pero fue Michel Berger, su futuro esposo, el que la volvió a descubrir y animar para que cantase de nuevo. Él le escribió el repertorio a su medida con el tema “La Déclaration” en el ’74 que la lanzó de nuevo al estrellato. En 1975 Berger le hizo el álbum “France Gall”, diez años después de su triunfo eurovisivo, donde el enfoque era radicalmente opuesto.

Michel era un hombre comprometido políticamente, participó en protestas sonadas en la década de los sesenta en contra de la superficialidad de la música comercial de esos años, formó parte de la intelectualidad del mayo francés del ’68, etc. Su nombre real es Michel Hamburguer y nació en París en 1947, hijo de una pianista clásica y un urólogo. Tenía estudios de solfeo e inició su carrera artística bajo el nombre de Jeremy Faith en 1963 para la casa Pathé-Marconi con la canción “Tu n’y crois pas”. Después escribió temas para el famoso cantante francés Bourvil. Desde 1970 trabajó junto a Véronique Sanson, compañera sentimental, y Françoise Hardy. Después su musa, por la que dejará a todas las demás fue France Gall.

France (Isabelle) se casó con Michel Berger el 22 de junio de 1976 en París. En 1977 sacó el lp “Dancing Disco”, que fue disco de oro en Francia. Viajan en promoción a Estados Unidos con este trabajo. Los temas “Musique” y “Si maman si” se hacen grandes éxitos en Francia.

En 1978 hizo el papel de Cristal en la ópera rock “Starmania” escrita por el canadiense Luc Plamondon. Siguió cosechando éxitos y quedó embarazada de su primera hija, Pauline que nació el 14 de noviembre del ’78. Hizo un paréntesis y en 1980 hizo un sencillo con titulado, “Donner pour donner”, escrito por su esposo y el cantante inglés Elton John con el que cantó a dúo. Fueron años muy productivos para France, sus directos, como el que hizo en el Palacio de los Deportes de París en 1979 fue un sonado éxito.

En 1980 graba el Lp “Paris, France” donde destaca el éxito “Il jouait du piano debout”.

Su álbum, “Tout pour la musique”, grabado en 1981 tuvo mucha repercusión en Francia gracias a las canciones “Résiste”, “Amor también” y “Diego libre dans sa tête”. El 2 de abril de 1981 nació su segundo hijo, Raphaël.

France fue convocada a la gala del 25 aniversario de la Eurovisión, hecha por la Cruz Roja en agosto de 1981 Mysen (Noruega) y renunció a ir, ya sabemos que para ella esa etapa estaba borrada.

El tándem Berger-Gall funcionaba a la perfección. En 1982 dieron una serie de espectáculos de enorme éxito por Francia. Otro parón en su carrera llegó a finales del ’82 cuando Michel y France tuvieron que afrontar una grave enfermedad de su hija Pauline que padecerá hasta el final de sus días. Eso llevó a France Gall a una depresión que la obligó a guardar reposo por indicación médica. Viajaron a California donde el clima era más propicio para su hija y para la misma France.

La tuvo fuera de espectáculo hasta 1984, cuando grabó en Los Ángeles su quinto álbum titulado “Débranche”. Entonces inició otra nueva etapa. Viajó con su esposo a África para ayudar a los niños de Etiopía en 1985. Junto a otros cantantes americanos, formó parte del grupo conocido como “Cantantes sin fronteras” que donaban parte de sus ingresos a la ayuda en el Tercer Mundo. Berger y Gall dieron mucho dinero para la creación de escuelas y ayuda a familias en África. Allí perdieron a uno de sus grandes amigos en un accidente de helicóptero en enero de 1986, el cantante Daniel Balavoine que participó con ellos en la ópera rock “Starmania”. Luchaba junto a Gall y Berger por eliminar la miseria en los pueblos africanos. Fue otro duro golpe para la pareja ya que estaban muy unidos a este cantante. En 1987 grabó el álbum “Babacar” inspirado en su experiencia africana. Babacar era un niño senegalés que ellos apadrinaron e iban a visitar frecuentemente ayudando a su madre en la educación del pequeño. En ese lp hay un tema dedicado a su amigo Daniel titulado “Evidemment” escrito por la misma France Gall. También se dedicó a componer letras inspiradas en África, continente del que se enamoró para siempre.

En 1988 grabó un doble lp titulado “Le Tour de France 88”. Pero el destino le tenía guardado un gran dolor. Ella había confesado a Michel que quería dejar de cantar para dedicarse más a la actividad civil, a causas benéficas y a la composición de coreografías y canciones. Él aceptó su decisión y estuvieron cuatro años sin grabar ningún disco hasta 1992, año fatídico por otro lado para France.

El 3 de agosto de 1992, su esposo Michel Berger sufrió un paro cardíaco que le llevó a la muerte con 44 años de edad. Estaban haciendo un pequeño descanso de su gira en la Costa Azul donde tenían una residencia en las cercanías de Saint Tropez. Estrenaban un trabajo ese año titulado “Double jeu”. Cantaban temas a dúo y estaban en pleno éxito comercial. Tenían preparados para el final del verano una serie de espectáculos en París, pero todo se fue al garete. Fue un duro golpe para la familia y el indicativo de otra nueva etapa para France Gall. Con todo volvió al espectáculo en septiembre de 1993 en la sala parisina de Bercy. Siguió con los homenajes a su marido y viajó a Los Angeles con sus dos hijos donde grabó un álbum con canciones de Berger.

Actuó entre el 5 y el 17 de noviembre de 1996 en el Olympia de París con los temas de su disco “France” que tenía antiguas canciones de su esposo modernizadas por ella con nuevos arreglos musicales. Hizo un show en la televisión francesa en el ’97 donde invitó a Charles Aznavour para que cantase la canción que su padre le escribió, “La Mamma”, allá por los sesenta. Quiso volver a sus raíces con el recuerdo de su amado padre, pero con la nostalgia de su gran amor, Berger. Pero como dicen que la vida es injusta, desde luego que se cebó con ella. Otro terrible golpe, ese mismo año, quizá el peor, le llegó con la muerte de su hija Pauline, a los 19 años de edad. No volvió a la escena hasta el 15 de agosto del 2000 y gracias al apoyo moral de sus amigos Johnny Hallyday y Michel Sardou. Cantó su nuevo trabajo “Quelque chose de Tennessee” en el Olympia de París. Cuando se sentía mal, se retiraba a su casa de Senegal donde encontraba la paz y se sentía fortalecida porque allí vivió momentos culminantes como mujer comprometida con la causa africana junto a su esposo.

En diciembre de 2001 la casa de discos Polydor sacó a la venta un recopilatorio de las canciones yeyés de France Gall entre los años 1963 y 1974. Esa época que ella pareció olvidar pero que con el tiempo supo apreciar ya que fueron los inicios, los éxitos que le dieron fama mundial. Participa en un programa para la cadena televisiva France 3, titulado “France Gall par France Gall”.

En el 2002 escribe un libro en colaboración con Philippe Gautier dedicado a la vida y obra de Michel Berger, titulado “Michel Berger, si le bonheur existe” publicado para Cherche Midi.

En octubre de 2004, recientemente ha salido a la luz otro recopilatorio de los éxitos de la France madura, de 1974 a 2004 de trabajos inéditos, donde se hace una especial mención a los temas de Berger que tanto le dieron.

CD’s de France Gall de su segunda etapa, la más reconocida por ella en unión a Berger:

1975 – “France Gall”

1977 – “Dancing Disco”

1980 – “Paris, France”

1981 – “Tout pour la musique”

1984 – “Débranche”

1987 – “Babacar”

1992 – Double jeu”

1996 – “France”

Sencillos 45 revoluciones:

1974 – “La déclaration” / ”Si l’on pouvait vraiment parler”

1974 – “Mais, aime la” / “A votre avis”

1978 – “Viens, je t’emmene” / “La tendresse des mots”

1980 – “Donner pour donner” / “Les aveux” (a dúo con Elton John)

Francoise Hardy :Galería

2007-01-30T21:07:00.000+04:00

PRIMERA FOTO PROMOCIONAL Y ALGUNAS MÁS. UNA BELLEZA ENTRE TRISTE,MISTERIOSA,AUSENTE PERO SERENA.

Francoise Hardy(1ª Parte)

2007-01-30T14:33:00.000+04:00

ILUSTRAN ESTA ENTRADA ESTE DISCO MÍTICO QUE CONSERVO COMO ORO EN PAÑO

Françoise Hardy en la casa de discos Vogue: 1962 (parte I)

Los discos de Françoise Hardy son muy especiales. Desde luego, ayuda mucho conocer el francés y poder seguir sus letras, que trataban las relaciones entre personas de una forma muy poética. Sin embargo, la composición, los arreglos (y muy en especial los de Charles Blackwell) y las melodías son de una muy rara sensibilidad en la música pop de la época.

Biografía imprescindible: FH nace en París, el 17 de enero de 1944. Su madre, ella y su hermana Michèle viven en un piso del número 24 de la Rue d'Aumale de París. Su infancia no es feliz, el padre no vive con la familia y tan sólo les pasa una pensión alimenticia. Françoise cumple sus obligaciones escolares y académicas en La Bruyère (un colegio privado de monjas) y en 1959, animada por su entorno más cercano, trata de encontrar una casa de discos que quiera publicar sus canciones (que ya tenía escritas por docenas, según cuenta la historia). Desde 1959 hasta 1961 estuvo actuando en clubes parisinos (como el Moka Club) y acudiendo a audiciones. El primer sello que la recibió fue Pathé - Marconi, pero no la contrataron. Su primera prueba para la casa Vogue (otra reputadísima discográfica francesa) tuvo lugar en primavera de 1961, pero el sello no la ficha hasta noviembre de ese año, y sólo porque la casa Fontana se interesa por ella. La primera sesión de grabación no tendrá lugar hasta el 25 de abril de 1962, y será un tanto decepcionante: los músicos de estudio prestan poca atención y los arreglos propuestos por la gente de Vogue son mediocres. Aunque al principio se elige 'Oh Oh Chéri' para lanzar a la joven cantante, finalmente la seleccionada fue 'Tous les garçons et les filles', que se convirtió en su primer éxito francés en verano del 62. Más que éxito, lo de Françoise Hardy fue una explosión de popularidad que se extendió por Francia y que arrasó Europa en ese mismo año. En octubre, Françoise aparece cantando en la televisión francesa, en vísperas de un importante referéndum político, y la 'Hardymanía' se desata en el país galo. 'Tous les garçons', que ya había empezado a vender en verano, se coloca en el número 5 de las listas de 'Salut Les Copains' ¿Qué es lo que hizo que todo fuese tan espectacular y tan inesperado? Es probable que ni los mismos ejecutivos de la Vogue supiesen la razón.

Se ha dicho que fue una cuestión de talento, de imagen y de frescura. Estaba claro que FH componía sus propias canciones y a un nivel notable, incluso para sus primeros discos. Estaba más que claro que tenía una imagen atractiva y sencilla, con la que miles de chicas de la época se identificaron. Y también estaba claro que, pese al despiste inicial de la casa de discos (que trató de presentarla como una cantante de twist) lo que ofrecía FH era diferente y nuevo. No era música de consumo. Era música de cantautora y era a la vez lo suficientemente comercial como para llegar a públicos masivos. Una vez logrado el éxito, el público demandaba nuevos discos casi continuamente. La mayor parte de la carrera de Françoise Hardy se basó en los EPs (discos de cuatro canciones) que era un formato muy popular en Francia. A través de ellos (y relegando a un segundo plano a los singles y los LPs) FH fue ofreciendo su evolución, a razón de tres o cuatro EPs por año. Este ritmo de producción se mantuvo hasta que la relación de FH y Vogue se enfrió, primero en 1967 y definitivamente a partir de 1970.

Pero volvamos a 1962. El primer EP (EPL 7967) tuvo dos tiradas diferentes, casi seguidas, con portadas casi idénticas y distintos ensamblajes de canciones. Sólo con este disco, Françoise Hardy reventó el mercado francés y marcó el comienzo de otra era, la Era Pop Francesa acababa de comenzar. El segundo EP no llegaría hasta Navidad de ese año. 'Todos los chicos y chicas', la canción estrella del primer EP, es sensible y triste y nos avanza por dónde discurriría la obra de FH en años posteriores. Aquí es donde se nota el despiste inicial de Vogue, porque 'Todos...' es muy diferente de las otras tres canciones del EP. Es mejor - sin duda - y hace pensar que el resto son temas de relleno. La composición es muy propia de FH, porque habla del desamor, de la soledad no deseada, de la esperanza: una chica, que camina sola por la calle entre muchas parejas de enamorados, se pregunta cuando ella encontrará a alguien que la quiera. Sencillo pero sentido. Pues bien, este clásico se unió a tres temas menores, de una clase de la que FH se alejaría bien pronto. Françoise no era una cantante yé – yé. Pero entraba en liza en unos días en que el mercado estaba dominado por ellas, así que no había que arriesgarse. Vogue emparejó a FH con el arreglista, director de orquesta y compositor Roger Samyn y juntos firmaron buena parte de la primera obra inicial de Hardy, entre 1962 y 1963. FH siempre se quejó de que nunca tuvo voz ni voto en su primer año con la casa Vogue. Sus discos, el sonido y los arreglos, no le gustaban excesivamente. Tendría que esperar a 1964 para que todo eso comenzase a cambiar de una forma clara.

Chicas Ye-yé...versión castellano-manchega.

2007-01-29T19:07:00.000+04:00

¿Qué es una Chica Ye-yé.?

2007-01-29T14:45:00.000+04:00

¿Qué es una chica yé - yé?

Buena pregunta. Desde luego que, al principio, estaba claro el origen de todo el fenómeno: la nueva juventud francesa. Pero la moda empezó a saltar fonteras con una pasmosa facilidad y para 1962, el género se empezaba a diversificar tanto que, en cosa de un par de años más, se incluyó en el mismo a casi cualquier chica joven europea que cantase. Pero volvamos a los orígenes, para comprobar que lo que estaba pasando en Francia a finales de los 50 era lo mismo que ocurría en muchos otros países, pero con un estilo y un aire bastante diferentes. Veamos.
En 1957, las casas discográficas francesas se dieron cuenta de que había muchos jóvenes con dinero suficiente para gastárselo en discos. En realidad, había tanta demanda que sellos como Vogue, RCA o Philips comenzaron a lanzar en serie nuevos cantantes, escogiendo su repertorio de entre la vastísima producción disponible en las editoriales musicales de Estados Unidos. El proceso era sencillo y barato: se elegían unas cuantas canciones, relacionadas con el rock and roll y el R&B, se hacían versiones con buenos músicos de estudio franceses (versiones que, en muchas ocasiones, resistían perfectamente la comparación con las originales), se elegía a un chica (o un chico) con presencia atractiva y se realizaba una minúscula campaña publicitaria. Si había suerte, el disco vendía unos cuantos miles de copias y la artista volvía a grabar. Si no, se volvía a repetir todo con otra joven promesa.
¿Y qué tenía esto de particular? En Gran Bretaña se estaba haciendo lo mismo, en otros países europeos también y hasta en Australia y Nueva Zelanda se apuntaron a la moda de las versiones. Pero en Francia fue distinto. No sólo porque aplicaron a la fórmula sus propios elementos culturales, sino porque también la llamaron de otra forma. La llamaron 'música yé - yé'. Y todo porque, en las apresuradas traducciones que se hacían de las letras de las composiciones estadounidenses, se trastocó el sentido del ocasional 'yeah' y se empleó el sonido de esa palabra para que, en las versiones francesas, fuese aprovechado para hacer coros por las voces que acompañaban a la de la chica solista. Así, mientras la joven de turno cantaba, no era raro que los coros fueran diciendo 'yé, yé, yé'. La gente de la calle se fijó, y bautizó así a la nueva música y a las nuevas cantantes que fueron surgiendo a partir de 1958. Las chicas yé - yé habían nacido. Hacían Pop de primera, pero con un clarísimo toque francés que lo hacía distinto.
La difusión de toda esta explosión juvenil por toda Francia contó con dos aliados inestimables: el programa radiofónico Salut Les Copains (creado por Lucien Morisse y que se empezó a emitir en la emisora Europe 1 en 1959) y la revista del mismo nombre, que se lanzó en el verano de 1962, dirigida por Frank Ténot y Daniel Filipacchi, los dos locutores del programa. La emisión de radio era seguida por media Francia y el magazine alcanzó una tirada de un millón de ejemplares mensuales. En la revista, las fotos de Jean Marie Périer ilustraban las últimas aventuras de Sylvie Vartan, Sheila y Françoise Hardy. Pronto, toda una serie de publicaciones la imitaron: Age Tendre, Bonjour Les Amis, Best, Formidable (RTL), Extra y Nous Les Garçons Et Les Filles. La nueva música francesa estaba en su mejor momento.
Precisamente, fue Françoise Hardy la responsable de la popularización del término 'yé - yé' en toda Europa. Aunque Vartan, Sheila, Chantal Goya y toda una legión de cantantes se habían hecho famosas en algunos países que tenían frontera con Francia (como España y Bélgica), fue la Hardy la que, desde que comenzó su carrera en el verano de 1962, se coló en las listas británicas, holandesas, alemanas e italianas. Y no deja de ser curioso que así sucediera porque Françoise Hardy no se ajustaba al patrón de la chica yé - yé clásica, era otro tipo de artista más moderna, que componía sus propios temas. Pero el caso es que universalizó el género. A partir de ese momento, si una chica era europea, cantaba y estaba a la última, era una chica yé - yé de pleno derecho. Los tiempos estaban cambiando.
En 1969, el programa Salut Les Copains dejó de emitirse, la música pop empezó a ser tomada demasiado en serio y a perder su componente lúdico y, en fin, las cantantes evolucionaron o, simplemente, se retiraron.

Vainica Doble

2007-01-25T13:36:00.000+04:00

-VAINICA DOBLE-

Vainica Doble, dúo de música pop español formado por Carmen Santonja (fallecida el 23 de julio de 2000) y Gloria Van Aerssen de gran influencia para el pop independiente español. Estuvo activo, de forma irregular, entre 1971 y 2000, y editó sus discos en ocho compañías diferentes.

A pesar de unos orígenes más bien progres y con inequívocos aires hippies, sus canciones y su actitud fueron reivindicadas a finales de los setenta por el clan de escritores de fanzines y aspirantes a músicos que serían el germen de la nueva ola de la música española. Carlos Berlanga y Fernando Márquez trasmitieron esa pasión a grupos recientes como Le Mans, La Buena Vida, Nosoträsh o Family, algunos de los cuales graban también para Elefant Records, compañía que editó el último disco del dúo.

-BIOGRAFÍA-

Carmen Santonja y Gloria van Aerssen empiezan a colaborar musicalmente hacia 1966. Debutan anónimamente en una película de Marisol de 1968, Carola de día, Carola de noche. A través de Enrique de las Casas, directivo de televisión, entran en contacto con el grupo Music Son y aportan a su repertorio algunos temas. Uno de ellos, "Lágrimas de cocodrilo", se emite por la televisión.

El siguiente trabajo es realizar una sintonía y unas canciones para una serie televisiva titulada "Fábulas", proyecto de Jaime de Armiñán, que las lleva a colaborar con músicos y con arreglistas, y van dando forma a su primer trabajo profesional como dúo que canta y compone. Entran en contacto con Pepe Nieto, que está produciendo un grupo llamado Nuevos Horizontes, a los que Carmen y Gloria aportan cuatro temas: "El afinador de cítaras", "Las cuatro estaciones", "Mi mosca favorita" y "Mi churumbel". A la vez que componen temas para nuevos sencillos del grupo, conocen al director de cine Iván Zulueta y preparan para su película "Un, dos, tres, al escondite inglés", tres canciones.

Tras esa experiencia, Nieto les propone grabar un sencillo con su propio nombre, y de una larga lista de alternativas, surge el de Vainica Doble. Lo graban para Columbia con las canciones "La bruja" y "Un metro cuadrado". La respuesta del público no es considerable, excepto para un pequeño grupo de aficionados.

Colaboran luego con una nueva serie de "Fábulas", para TVE, acompañadas por un grupo llamado Tickets (luego Asfalto), que incluiría en su primer sencillo un tema de Vainica Doble titulado "El rigor de las desdichas".

Tras acabar su contrato con Columbia, entran en contacto, a través de Pepe Nieto, con Manolo Díaz, que dirige el sello Ópalo, de reciente creación. Primero graban un sencillo titulado "Refranes", de nuevo con Tickets; el tema es otra vez una sintonía de una serie de televisión, al que seguirá en 1971 la grabación de su primer larga duración, Vainica Doble, producido por Manolo Díaz.

Una vez terminado el disco, la compañía tiene problemas con la censura a causa de "Quién le pone el cascabel al gato", donde se creyó ver una alegoría sobre Franco, aunque solo se trataba de poner música a una fábula.

En 1972 graban un disco navideño que contiene dos temas en los que colaboran Aguaviva, del mismo sello: "Oh Jesús" y "Evangelio según San Lucas". Es el última trabajo de Vainica Doble para Ópalo; tras el cierre de la compañía, firman con Ariola y para este sello producen "Heliotropo", un disco con una producción más elaborada, con arreglos orquestales y la dirección artística en manos de Pepe Nieto. Realizan algunas de las pocas actuaciones en directo que realizaron a lo largo de su carrera, en Morocco y en el Bourbon St. Realiza la sintonía del programa de televisión "Tres eran tres" y actúan en el programa infantil "Hoy también es fiesta".

En 1975 José Luis Borau les pide la banda sonora de su película "Furtivos", ya en 1975. Firman con Gong y graban su siguiente disco, titulado "Contracorriente", en el verano de 1976. Descontentas con la producción definitiva, Vainica Doble desaparecen de escena.

En 1980 vuelven al estudio de grabación; de estas sesiones surge "El eslabón perdido", donde recuperan algunas canciones de televisión, algunos temas olvidados y otras melodías nuevas.

En 1981 editan "El tigre del Guadarrama", donde el dúo se presenta como oscuro y crítico.

En 1984, editan un doble disco bajo el título de "Taquicardia". Supone un regreso intrigante, muy experimental.

En 1997 sale a la luz "Carbono 14", disco con el que la discográfica procura encauzar a las Vainica hacia un público masivo, interfiriendo en los arreglos e imponiendo colaboradores de presunto tirón comercial con poca o ninguna relación con la estética del dúo, como Alejandro Sanz, Miguel Bosé e Ismael Serrano. Resulta ser su disco más vendido pero también el menos apreciado por sus seguidores.

En el 2000, las Vainica se despiden definitivamente con "En familia", grabado en el sello independiente Elefant y sin ninguna presión comercial. La prensa especializada lo saluda como uno de los mejores del año. Colaboran en él los hijos y nietos de las cantantes.

Han compuesto también algunas de las más conocidas sintonías de televisión de los últimos años, como la de "Juncal" y han creado canciones para artistas como Luz Casal, Sergio y Estíbaliz o Paco Clavel.

- Discografía-
Vainica Doble (1971)

Heliotropo (1973)

Contracorriente (1976)

El eslabón perdido (1980)

El tigre del Guadarrama (1981)

Taquicardia (1984)

Carbono 14 (1997)

En familia (2000)

Rubi y los Casinos

2007-01-23T14:55:00.000+04:00

Una canción por encima de todas sus demás conposiciones saltó a la fama: Yo tenía un novio que tocaba en un conjunto beat. Procedente de Argentina Rubi llego a España para crear de la mano de su ahora ex marido Joe Borsani el grupo Rubi y Los Casinos.
No cosechó más éxitos que el mencionado a pesar de que editó dos discos más que no tenían nada que envidiar a muchas otros conjuntos de la época. Siempre con un estilo juvenil, cargado de contenidos sentimentales, pero con cierta inclinación hacia el absurdo típico de quinceañeros.
Si bien es cierto que algunos temas han ido pasando a la historia, entre otras cosas gracias a los recopilatorios sobre la época de los 80: "Dime porqué", "Me he enamorado de un fan", "Mi corazón pertenece a papi" y "Todas fueron buenas chicas".
Grabó un tercer disco con una compañía independiente, sin demasiada suerte. Hasta no hace mucho continuaba actuando para pequeños garitos.

Rubi y los Casinos fue un grupo de pop español que se formó en Madrid en 1980. Estaba liderado por la vocalista argentina María Teresa Campilongo, conocida como "Rubi".
Con su ex-marido, Joe Borsani, María Teresa había formado parte en Argentina del grupo Los Tíos Queridos. Al llegar a Madrid, formó un grupo con los que ensayaba en un local situado en la calle Casino, en el madrileño barrio de Lavapiés. Adoptó el nombre artístico de Rubi, por el color rojo de su pelo, a sugerencia de Rafael Abitbol. El grupo comenzó a promocionarse tocando en varios locales madrileños, y difundiendo sus maquetas en emisoras radiofónicas. En noviembre de 1980 firmaron por fin un contrato con Fonogram, filial de Mercury, y en abril de 1981 apareció su primer single, que en la cara A llevaba el tema "Yo tenía un novio que tocaba en un conjunto beat".
El primer LP, Quiero bailar contigo, editado en 1982, fue firmado por Rubi como solista, ya que el grupo ya se había disuelto por entonces. Contó con colaboraciones de grandes figuras del pop español de la época. Uno de los cortes más exitosos fue "Me he enamorado de un fan", tema compuesto por Nacho Cano. El disco no tuvo el éxito esperado. En el siguiente, Todas fueron buenas chicas (1983) se intentó explotar el atractivo de la cantante con con temas como "Mi corazón pertenece a papi", versión de la conocida canción interpretada por Marilyn Monroe "My Heart Belongs to Daddy". Tras este disco, concluyó el contrato de Rubi con Mercury, y la cantante prefirió formar un nuevo grupo, Tráfico de rubíes.
Más adelante, Rubi grabó un tercer LP con la formación inicial de Los Casinos, Hay amores que matan (1988), para la compañía independiente Lollipop.
· Quiero bailar contigo (1982)
· Todas fueron buenas chicas (1983)
· Hay amores que matan (1988)

Los Swinging Blue Jeans

2007-01-22T21:26:00.000+04:00

El estallido musical del sonido Mersey en la ciudad inglesa de Liverpool contó con múltiples protagonistas en una época de ebullición juvenil liderada por los Beatles. Los Swinging Blue Jeans son uno de los nombres más veteranos de la zona.

Había comenzado su andadura a finales de los años 50 haciéndose llamar The Bluegenes y posteriormente The Swinging Bluegenes. Estaba formados, cuando ya estaban rebautizados, por el cantante y guitarrista Ray Ennis, el guitarra rítmico Ralph Ellis, el bajista Les Braid y el batería Norman Kuhlke.
Previamente habían pasado por el conjunto Tommy Hughes, Bruce McCaskill, John Carter y Paul Moss.

Actuaron con profusión en clubes míticos de Liverpool como The Cavern o Mardi Grass, al igual que, junto a otras tropecientas bandas inglesas, hicieron los bártulos para cruzar el charco y largarse a Alemania para interpretar su repertorio de originales y versiones en Hamburgo.

En 1963 consiguieron fimar con EMI para editar su primer single “It’s too late now” (número 30 en el Reino Unido), tema escrito por Ray Ennis. El mismo año aparecería “Do you know”, canción también compuesta por Ennis que no obtuvo la fortuna comercial del tema debut, y “Hippy Hippy Shake” (número 2), versión de Chan Romero que se convirtió en su mayor éxito.

Al año siguiente publicarían dos EPs y el LP “Blue Jeans A-Swinging” (1964) y aparecerían como singles una revisitación del clásico de Little Richard “Good Golly Miss Molly” (número 11), “You’re no good” (número 3), su último gran triunfo comercial, escrito por Clint Ballard Jr., “It itsn’t there” y “Promise you’ll tell her”.

A partir de aquí su carrera transcurrió sin pena ni gloria a pesar de grabar rítmicos y pegadizos temas pop que no lograron calar en el público e incorporar a dos ex miembros de los Escorts: Terry Sylvester y Mike Gregory. Solamente en 1966 volverían a las listas con “Don’t make me over” (número 31), una canción escrita por Burt Bacharach y Hal David.

Lo intentarían cambiándose el nombre, haciéndose llamar Music Motor o Ray Ennis & The Blue Jeans, pero ni por esas.
Encima la marcha de Sylvester a los Hollies para sustituir al fugado Graham Nash no sirvió para cohesionar al grupo, que se separaría a finales de década.

Posteriormente retornarían para tocar sus éxitos en vivo.

Los Death Kenedys.el arrepentimiento.

2007-01-18T21:42:00.000+04:00

De como el día 6 de Enero regalo a mi hermano Chiri el E.P.original de los Death Kenedys que obraba en mi poder y de como al ir alejándonos del ambiente navideño y encontrándome a fín de mes(para mí es fín de mes)los buenos sentimientos van flojeando y perdiendo intensidad,pero ganando en autenticidad,con lo cuál empieza a crecer en mí el remordimiento,los resentimientos,el cargo de conciencia por haber hecho tal estupidez.Amén.

En el Gruta con Chiri DDT

2007-01-17T13:25:00.000+04:00

Aquí estoy con camiseta del grupo F.A.N.T.A.,cerveza en ristre con mi hermano Chiri de DDT y una amiga.

Los Herman Hermits

2007-01-16T15:16:00.000+04:00

Grupo de Manchester que logró triunfar a mediados de los 60,en su país natal y en los EEUU tras la famosa invasión británica.

Los Herman Hermits eran:Peter Noone,vocalista y líder,Keith Hopwood (Manchester 1946),Derek Lekenby(Leeds 1946)ambos guitarras y compositores,el bajista Karl Green(Leeds 1946) y Barry Withwam batería(Manchester 1946).

Su éxito se basaba en su capacidad para ejecutar su efervescente,fresca y juvenil sonoridad enriquecida por las cualidades vocales de Peter Noone.
Sus temas románticos provocaban una fuerte adficción y eran de delicioso consumo, estaban repletos de contagiosos ritmos y subyugantes melodías.Eran el prototipo del buen pop,el mejor pop,el de los 60.
Su carrera la comienzan bajo el nombre de los Heartbeats y lo cambiaron en 1963 por el actual nombre del grupo,el cuál giraba en torno a Peter Noone,su vocalista y también actor que tenía un gran desparpajo en sus apariciones.

Al año de su debut les llegó el primer éxito con el tema"I,m into something good"compuesta por Carol King y Gerry Goffin.Eso les llevó directos al nº 1.A partir de ahí se dedicaron a grabar covers como "Wonderful World","Mother in law"o"Sillouettes" que alcanzarían mucho más éxito que las originales gracias a la energía que imprimían a sus temas.Los H.H. se convirtieron en América en ídolos de adolescentes desbancando en muchos períodos a los Beatles.
Eso hizo que publicaran su primer LP en EEUU "Introducing Herman Hermits"(1965)antes que en Inglaterra.Temas como "Henry the eigth I am"eran coreados en sus conciertos.
Personalmente es mi tema favorito,al igual que el "No milk today"de Graham Gouldman o "Therés a kind of Hush".
Este impresionante triunfo fue refrendado después con canciones como"Cant you hear my heart beat","Just a little bit better","A must to avoid".

Dado su enorme éxito protagonizaron dos películas como "Hold on" y "When the boys meet the gils" muy divertidas.Dirigidas por Sam Katzman.
Compusieron también sus propios temas como "For Love","God Knows" y "Don´t say it".
Publicaron discos muy meritorios como "Both sides of Herman Hermits" (1966)o "There´s a kind of Hush..."(1967)y también "Blaze"(1967).
Así,mientras que sus coetáneos como los Beatles progresaban por caminos diferentes y explorando nuevos sonidos,ellos quedaron estancados en un pop inocente,intrascendente pero maravilloso sin duda,fresco y delicioso y también muy divertido.

Tras un periodo de separación en el cuál Leckenby muere de cáncer y Peter Noone trata de seguir adelante en solitario sin éxito,se vuelven a reunir,para recuperar todo su brillante repertorio.Actualmente siguen actuando.

Herman Hermits-fotogalería-

2007-01-16T15:13:00.000+04:00

Herman Hermits-fotogalería-

2007-01-16T15:09:00.000+04:00

LAS CHINAS:mi grupo favorito de chicas.

2007-01-15T22:01:00.000+04:00

Presentadas en 1980 como ‘el auténtico grupo de chicas del pop español’, Las Chinas aportó buenas dosis de carisma y sobrada frescura a la nueva ola estatal a través de temas tan memorables como ‘El hombre salvaje’ y ‘Amor en frío’, ambas incluidas en su primer single. Más de veinte años después de su desaparición, la influencia de Las Chinas aún se puede apreciar en las composiciones de diversos grupos de pop español del siglo XXI tales como Nosotrash, Baby Horror o TCR, entre otros.

Las componentes de Las Chinas (de edades que rondaban los veinte años) suplían su falta de técnica con buenas dosis de ingenio y una atractiva imagen de chicas-pop-art, siendo capaces de proyectar un encanto chic no exento de cierta agresividad. Y es que la ecléctica cosmología de Las Chinas las revelaba como claras deudoras de bandas de féminas de la new wave británica como Mo-dettes, aunque también dejaban entrever su admiración por el ye-yé español, las más exquisitas lolitas del pop francés de los 60 (Sylvie Vartan, Françoise Hardy, France Gall...) el nuevo art-pop de B’52 y el glam-rock de Bowie, T-Rex o Roxy Music.

Provenientes -en su mayoría- de los ambientes más cultos del panorama artístico madrileño de finales de los años 70, Las Chinas se formó en Madrid en 1979 con Jose (voz), Montse (bajo), Miluca (teclados) y Luna (guitarra). Su cantante había debutado haciendo lo propio con La Orquesta Futurama (embrión de Radio Futura), un grupo también muy próximo a Montse, que por aquel tiempo compartía su vida con Luis Auserón, bajista del mencionado combo madrileño. Por su parte, Miluca (estudiante de Conservatorio) y la guitarrista Luna, debutaban del todo en aquel grupo de féminas.

Instaladas en un local de ensayo de la zona de Arturo Soria, en un principio, Las Chinas tuvo entre sus filas a una niña de 12 años que cumplía la tarea de baterista, aunque ésta fue sustituida pronto por Eduardo Benavente, que por entonces era el cantante de Plástico, uno de los grupos con los que Las Chinas compartía zona de ensayos. Por aquella época, el productor Honorio Herrero se fijó en la banda de chicas, y comenzó a supervisar su rodaje para efectuar la grabación de unas maquetas orientadas hacia la multinacional Hispavox, contando con el mencionado futuro pegamoide a las baquetas.

Ya en la primavera de 1980, Las Chinas debutan en directo en El Escalon, acompañadas a la batería por Solrac (Radio Futura), y allí desgranan sus primeros temas: ‘Chicos de la calle’, ‘Caprichosa’, ‘Chicos ñam, ñam’, ‘Amor en frío’, ‘Chico voraz’ y diversas versiones de viejos clásicos del pop en castellano tales como ‘Agujetas de color de rosa’. Poco después se incorpora al grupo Speedy, una alocada punky asturiana proveniente de Suiza que se encargará definitivamente de los tambores del grupo y que debutará en el concierto que Las Chinas efectúa en El Sol (junto a Bólidos, Paraíso y Alaska) con motivo de la presentación de la revista Dezine, un medio gráfico afín a la nueva ola que significará el principal aldabonazo para el despegue de la banda. A renglón seguido, tras tocar por diversos locales madrileños y efectuar sendas actuaciones en Palencia y Vigo, Las Chinas –ante la desidia de Hispavox- centra sus miras hacía RCA, multinacional disquera que, gracias a las gestiones de Honorio Herrero, terminará por fichar al grupo.

De esta forma, a finales de 1980 se encierran con su mentor y productor durante 15 días para registrar las dos canciones escogidas para el single: ‘El hombre salvaje’ y ‘Amor en frío’; ésta última, un poema del escritor Kiko Rivas musicado por Santiago Auserón (vocalista de Radio Futura). Poco después, se edita el mencionado sencillo y Las Chinas mantiene un buen ritmo de actuaciones, consciente de haber realizado una de las joyas de la nueva ola española. Y es que, a pesar de los defectos propios de las óperas primas y de una evidente limitación instrumental, ‘El hombre salvaje’ (tema elegido como primera cara) descubre al público a un grupo tan chic como fresco, capaz de ofrecer atractivas melodías pop aderezadas con textos inteligentes, aunque no por ello menos divertidos. No obstante, algunos de los grupos madrileños de la época –quizás celosos ante la buena estrella de Las Chinas- propagan rumores sobre la existencia de un montaje discográfico, algo que daña irremediablemente la imagen del combo y siembra el malestar en su seno.

A principios de 1981 el grupo sigue en racha, presentando su disco en directo (Carolina, El Sol...) y gozando de varias apariciones televisivas (‘Gente’, ‘Aplauso’, ‘Musical Express’), contando incluso con un cameo musical en el largometraje ‘La última estación’. Pero, las discrepancias entre sus componentes, los rumores malintencionados y la torpe promoción de RCA hacían que ya se adivinase un rápido final para el grupo, que se mantuvo unido durante aquel año tan sólo con miras a la grabación de un elepé que jamás se llegó a editar. No obstante, en 1982 se publicó un nuevo trabajo de Las Chinas, ya que su canción ‘Te espío’ (en realidad una versión de un tema inédito de Ejecutivos Agresivos) fue incluida como segunda cara en un single perteneciente a la banda sonora del filme anteriormente mencionado.

Años después, en 1986, dos de los temas que habían registrado para el elepé inédito (‘23 de enero’ y ‘Chicos de la calle’), fueron rescatados por DRO para formar parte del doble álbum de maquetas ‘El pecado Original’. Por otra parte, años antes, en 1981, los dos temas del single también se llegaron a incluir en un elepé colectivo de grupos de RCA (‘Todos en uno’), junto a las primeras canciones de Zombies y Plástico.

Tras la disolución de Las Chinas sólo su cantante Maria José Serrano continúo de un modo firme en la música, emprendiendo en 1983 una carrera en solitario como Kikí D´akí y registrando un puñado de brillantes canciones a través de un single y un mini-elepé (ambos memorables) editados por Nuevos Medios, amén de colaborar en contadas ocasiones en grabaciones de otros artistas afines a la movida.

La familia Adams.

2007-01-15T20:42:00.000+04:00

The Adams Family,tienen su propia web.

2007-01-15T18:56:00.000+04:00

La Familia Adams

2007-01-15T14:38:00.000+04:00

Los raros y macabros pero entretenidos comics de Charles Addams para la revista "The New Yorker" empezaron en la tele en 1964. Era una serie muy parecida a otra que tambien debutó es año, Los Munsters. Morticia era la bella y sobria madre y esposa. Su esposo era Gómez, un hombre con extraños ojos y unos instintos bastante destructivos. Los mismos instintos destructivos del Tio Fester. Los más pequeños de la casa también tenían su parte de fantasmitas. Y por fin, la abuela que, a pesar de ser una bruja, tenía el aspecto más normal de todos. Claro que todavía queda la mano llamada "La Cosa". Y es que uno no sabe si se le puede considerar un personaje o un objeto. Voy a optar por considerarla un personaje pues sus apariciones repentinas de una caja negra asustaban a todo el que visitaba la casa de los Addams (excepto a los espectadores a los que entretenía). Y luego tenemos a Lurch un carnicero Frankenstein.

Tras el éxito de la serie se creó una serie de dibujos animados que se emitió durante dos años (1973-1975). Años más tarde se harían las famosas películas y otra serie más de dibujos animados que se emitió originalmente en la cadena americana ABC entre 1992 y 1995. En esta serie animada John Astin hizo la voz de Gómez.

Los Locos Addams, (The Addams Family en el original en inglés) fue creada en 1937 por el dibujante Charles Addams como una tira cómica para el periódico The New Yorker. Sin embargo, en la tira no se especificaba el nombre de la familia ni de niguno de los personajes.

El éxito de esta tira hizo que en 1964 se comenzara a transmitir la serie de televisión por la cadena ABC, titulada "Los Locos Addams". La serie constó de 64 capítulos con 25 min de duración, terminando en 1966. En esta serie participaron los actores John Astin, Carolyn Jones, Jackie Coogan, Ted Cassidy, Blossom Rock y los niños Ken Weatherwax y Lisa Loring.

Los estudios Hanna-Barbera aprovecharon la popularidad de la serie para crear en 1973 la serie de dibujos animados "The Addams Family", con todos los personajes y usando la voz de algunos actores para los integrantes de la familia. Ambas series se siguieron transmitiendo durante los años 80, haciendo crecer la fama de la familia.

En 1977 se realizó un especial de Haloween en el que se mostraban a los niños crecidos y con hijos y a los adultos ya más grandes. Aunque se utilizó el mismo reparto de la serie original (excepto la abuela), la audiencia fue un fracaso.

En 1991 se estrenó de la primera película, "The Addams Family", en 1993 la segunda parte, "The Addams Family Values", y la tercera parte "The Addams Family Reunion" en 1998.

Homenaje a Ivone de Carlo.La familia Munster

2007-01-12T15:16:00.000+04:00

LA FAMILIA MOUNSTER(GRACIAS A ATHOS Y ULA)

2007-01-12T14:04:00.000+04:00

EN HOMENAJE A IVONE DE CARLO,FALLECIDA EL DÍA 11 DE ENERO DE 2007,TOMO PRESTADO,CON PERMISO DE SUS AMABLES ADMINISTRADORES ATHOS Y ULA,DEL BLOG:"VIEJAS SERIES DE TV LA ENTRADA QUE DE ESTA EMBLEMÁTICA SERIE HICIERAN EN MAYO DE 2006 Y QUE TAN POCOS COMENTARIOS SUSCITÓ.ÚNICAMENTE EL MÍO,QUE LO INCLUYO AL FINAL.
COMO VEREIS ALASKA NO INVENTÓ NADA NUEVO CON SU LOOK CUANDO ESTABA CON LOS PEGAMOIDES,MAS BIEN PLAGIÓ,QUE PARA ESO ES TAN LISTA.
MUCHAS GRACIAS A ATHOS Y ULA.
VIEJAS SERIES DE TV
Un sitio para recordar aquellas viejas series de television de los años 60s,70s y 80s. Esperamos que disfruteis.

LA FAMILIA MUNSTER (The Munsters)
Comedia inspirada en las antiguas películas de terror, emitida por la productora CBS de 1964 a 1966. Considerada como una serie de culto, ha sido repuesta numerosas veces en todo el mundo.
En un lúgubre caserón, vivían Los Munsters.
Herman Munster (Fred Gwynne) era un clon del monstruo de Frankenstein y padre de la familia, de naturaleza torpe y despistado.
Lily Munster (Yvonne DeCarlo), madre y esposa ejemplar, hija de Drácula.
El abuelo (Al Lewis),siempre enfrascado en inventar extrañas pócimas en su laboratorio, cuando no duerme en su ataúd, claro.
Eddie (Butch Patrick), el único hijo del matrimonio Munster, es un pequeño licántropo, siempre enfadado porque en su clase le consideran algo "rarillo".
Marilyn Munster, (Pat Priest) la sobrina de Lily y única normal de la familia, siempre añorando un buen hombre para casarse y crear su propia hogar, cosa dificil, ya que sus pretendientes huyen aterrorizados al conocer a sus monstruosos parientes, aunque para Los Munster todo se debe a la fealdad de la pobre chica.
Joe Connelly y Bob Mosher fueron los creadores de esta fantastica serie, cuya ambientación, maquillaje, efectos y guiones eran soberbios. Más
el famoso tema musical compuesto por Jack Marshall.

Publicado por Athos & Ula los 5:30 PM
2 Comentarios:
Anónimo dijo...
Me extraña que nadie haya comentado sobre esta serie...Incluso Alaska se inspiró en el looK de la madre en una de sus épocas más punkies...A mí me marcó.Desde que la ví muy peq. no me dan miedo ni los fantasmas ni los cementerios ni la huija ni nada .En Santo Domingo de la Calzada existía una casa abandonada(ahora hay pisos)que nos gustaba entrar cuando íbamos por allí y era la réplica exacta de la casa de los mounsters.Qué humor tan fino!.Qué inocente!.
1:14 PM
Athos & Ula dijo...
Totalmente de acuerdo contigo.
Saludos
8:42 PM

KIKI D'A KI.

2007-01-10T16:34:00.000+04:00

MUNDO DESDE UN CANAPE"
Este es un artículo aparecido en "El Mundo".

En 1984 con el progresivo autodesmantelamiento de la “movida madrileña” apareció KIKI DÁKI cuya protagonista era Maria José Serrano(“Jose”) ex componente de LAS CHINAS (grupo de chicas cantaban los” 23 de enero”)

Kiki daki llamaba la atención al verla bailar sola recitando sus canciones dando vueltas sobre si misma en los programas musicales de la época.

Todo en Kiki daKi era misterio, desde ese Maxi single de 5 canciones de color amarillo con un retrato enigmático un maxi sensacional que pasaria desapercibido como siempre (afortunadamente para los que nos gusta el pop como algo propio).

El disco contenía 5 canciones personales de Fernando Marquez de temática de amores urbanos desde un punto de vista snob (“mañana mismo un balneario buscaré a a ser posible en el pirineo francés”) y su sonido era muy de cajas de ritmos sincronizadas de esas que se oyen bien. Pero el cuidado en las canciones, la delicadeza , la forma de cantar y las letras de el Zurdo hicieron a Kiki Daki ingresar en las listas de los grupos malditos con grupos como Los Modelos donde solo son adorados aquellos que rezuman ingenuidad y donde están los auténticos nºs uno del pop español.

LA mejor canción del disco era como no”Accidente” cuya versión en maqueta superaba con creces a la que finalmente se editó en vinilo y que solo los oyentes de Juan de Pablos probablemente la tengan. Luego sobre un dilema falangista Fernando hizo el tirulo de una canción “Unidad de destino” pero esta vez en lo personal. “El futuro” que no es una mancha en la pared sería la 2ª joya del disco también marcándonos los tiempos con la caja de ritmos que nos parece fundamental en el sonido de Kiki daki.

El disco fue editado por Nuevos Medios que tenía tan buen gusto como el sello Siesta en nuestros días, tal vez por eso haya editado últimamente el regreso de la chica enigmática: Kikida Ki.

_____________________________________________________________________________________
Ahora añado yo:
Sin duda ninguna me quedo con muy buen sabor de boca al recordar una vez que me la encontré en un local,llendo con mi profesor de matemáticas de COU y más gente,me acerqué a saludarla,la admiraba mucho,era mi ejemplo,y fue amabilísima y cariñosísima.
También me quedo con el gran soporte que supone para mí acudir a la canción "Accidente"aún ahora,cuando sufro algún desengaño o un simple descalabro en mi vida.
"Es una tormenta en una bola de cristal,
es ese tornado que limpia el polvo en tu hogar,
es el gris naufragio en una tacita de té.
Es el torpe incendio de un bistec a medio hacer.
Accidentes tan pequeños no me pueden afectar jamás,jamás..."
Puede haber algo más delicado y tierno???.Creo que no.

Especial Anual Ramones 2006

2007-01-10T14:56:00.000+04:00

Gran ambiente,llenazo total,hasta el punto de que algunos se quedaron en la calle.
El grupo DDT,como cada año comenzó,en una primera parte,haciendo un amplio repaso a su amplia discografía.Así que tocaron temas míticos como:"Hombres Bruster",Tere se ha intoxicado","El increíble hombre menguante","La chica del telecúpón","Dudas","Antideporte","Shenna","¿Qué fue de Leif Garret?",etc.
Todas las canciones fueron coreadas por un público totalmente entregado a la causa.
Se llegó al máximo apogeo general cuando,como es ya tradición en los conciertos de DDT,repartieron vasos de Güisky DYC entre las primeras filas que formaban una auténtica melé y tocaron su emblemático tema:"Yo sólo bebo DYC".

Tras un breve descanso,empezó la segunda parte,consistente en versionar todos los temas de Los Ramones con colaboradores muy especiales.
Como anécdota,contaré que mientras me estaba haciendo una foto con Pelayo,el vocalista y guitarra de DDT y que ambos llevabamos idénticas camisetas,una desenfrenada que llevaba un mini de cerveza en la mano,se puso a dar botes bailando y como queriendo desafiar a la ley de la gravedad,vació ,en plena foto, TODO el contenido del mismo sobre mi camiseta y pantalón.Acto seguido me dijo:"A que tenías calor!:".A lo que yo respondí:"Ya no...".

Solamente me queda recalcar que sonaron mejor que nunca,tocaron mejor que nunca y creo que están en su mejor momento.

Especial Anual Ramones 2006

2007-01-10T14:41:00.000+04:00

Concierto homenaje a los Ramones,30 diciembre 2006,Gruta 77

2007-01-10T14:34:00.000+04:00

Dicho y hecho!

2007-01-09T16:20:00.000+04:00

El otro día,departiendo alegremente sobre mi tema favorito,monotema casi ya,con mi ahijado y hermano Chiri,batería de los DDT,me saca a colación como quién no quiere la cosa,que cuento en mi haber con un ejemplar de los Death Kenedys,poco más que un incunable.Una rareza del Punk más vomitivo y sangriento que es el sumum de la perfección.Como estábamos en el Gruta pues no le oí bien.Pero creí entenderle que sería capaz de matar por ese disco.Tratándose del mejor batería ambidiestro,o sea,un zzurdo arrepentido,esquirol que son los peores,no como su hermana...que hasta repetí curso por no volver al mundo de los diestros,pues como decía empecé a pensar que eso sonaba feo dicho por el bueno de Chiri-GB-DDT.
El día de Reyes Chiri tuvo un regalo muy especial entre sus manos.Quereis verlo???.Del sello Chrisalys año 81.Snifff!!!

Hoy DÍA 2 DE ENERO actúa Marky Ramone en el Gruta 77(Madrid)

2007-01-02T19:41:00.000+04:00

ULTIMO AVISO

2006-12-30T01:10:00.000+04:00

Mañana a las 11,00 más bien 12 en adelante en el Gruta 77 homenaje anual a Los Ramones.Correrá a cargo,como siempre del prestigioso grupo DDT con el fantástico batería ambidiestro,al borde del virtuosismo a menudo,en la retaguardia.
No falteis al a cita.Tampoco ir muchos pues eso es enano y de pronto es como si se juntaran las paredes,si hacemos régimen cabremos varios.
A pie de página añado que el día 2 de January estará Marky Ramone.Vosotros vereis...

Ramone no te haces,naces.

2006-12-29T20:57:00.000+04:00

Y como muestra un botón.Por increíble que parezca ambos son la misma persona.
Agradezco la colaboración inestimable de Diego 95 de GTO a la hora de elaborar las foto primera.

Blondie

2006-12-28T20:55:00.000+04:00

Grupo neoyorquino de new wave creado en la gran manzana a mediados de los años 70 y liderado por la rubia Deborah Harry (nacida el 1 de julio de 1945 en Miami, estado americano de Florida), antigua cantante del grupo The Stilettos, formación en la que se encontraban también el guitarrista Chris Stein, el bajista Fred Smith y el batería Bill O'Connor. Este cuarteto serían los primeros componentes del grupo Blondie, apelativo derivado de un piropo que solía recibir la guapa Debbie cuando paseaba por las calles de Nueva York.
A los pocos meses de andadura se produjeron importantes variaciones en el grupo, Smith se unió a Televisión y abandonó la formación, al igual que el batería O'Connor.
Sus reemplazos serían el bajista Gary Valentine y el batería Clement Burke, a los que se les añadió como nuevo miembro el teclista James Destri.
En 1976 firmaron con Private Stock Records y publicaron su primer Lp titulado "Blondie" (1976).
Tras este disco el bajo Valentine sería sustituido por Frank Infante, conformando finalmente el quinteto más reconocido de Blondie, quienes se mudaron a Chrysalis Records, compañía discográfica que reeditó su disco debut, marcado por un atractivo sonido propia de la new wave americana pero con reminiscencias de los girl groups de los 60.
El disco contenía temas conocidos de la banda como "X Offender" (su primer sencillo) o "In the flesh".
Su segundo larga duración fue "Plastic Letters" (1977), otro estupendo album producido por Richard Gottehrer en el que contaban con la inclusión de un nuevo miembro, Nigel Harrison, que pasó a ocupar el puesto de bajista, mientras que Frank Infanti apoyó en el trabajo de guitarra a Chris Stein.
Dentro de sus cortes, se encontraban los hits británicos "Denis", una versión de Randy & The Rainbows, y "(I'm always touched by your) Presence, Dear".
Tambien el álbum sería un gran éxito en Inglaterra, país en donde alcanzarían mayor popularidad que en su tierra natal.

"Parallel Lines" (1978) fue su trabajo más completo y el mejor recibido comercialmente, ya que contenía el single "Heart of Glass", un número 1 en todo el mundo que coqueteaba con el sonido disco.
El sonido de Blondie se alejaba de la new wave y se acercaba al pop más comercial, en parte debido a la producción de Mike Chapman. Otros temas como "Picture this", "Hanging on the telephone", "One way or another" o "Sunday girl" (número 1) convirtieron a Blondie en uno de los grupos punteros del pop-rock de finales de década y a su vocalista en uno de los iconos femeninos de los 70.
"Eat to the beat" (1979) fue la continuación de su momento más brillante. Otro competente disco pop con elementos discotequeros producido de nuevo por Chapman que les aportó otro triunfo comercial en Gran Bretaña.
"Dreamin", "Union City Blue" y "Atomic" (número 1) son los temás más populares del álbum.
Sin variar de estilo y con la producción de Giorgio Moroder grabaron "Call me", un sencillo aparecido en la película protagonizada por Richard Gere "American Gigolo" que les llevó de nuevo al primer puesto en las listas mundiales.
El cambio de década supuso para Blondie otros grandes éxitos en formato single con "The tide is high" y "Rapture", canciones que venían incluidas en "Autoamerican" (1980), un disco inferior a sus obras precedentes que presentaba sonoridades procedentes del reggae y el rap, las cuales expandían su esencia pop.
Tensiones crecientes entre los componentes de la banda, incursiones en solitario de Debbie Harry ("KooKoo") y una grave enfermedad de Chris Stein supuso el fin de Blondie como grupo en 1982 tras la publicación del flojo "The Hunter" (1982).
Su principal imagen, la cantante Deborah Harry, prosiguió su carrera en solitario e hizo sus pinitos en la industria cinematográfica.
Posteriormente se volverían a reunir los miembros originales para grabar "No exit" (1999), que suministraría otro hit a su larga carrera con el sencillo "Maria".
Unos años más tarde publicaron "The Curse of Blondie" (2004) y el directo "Live by Request" (2004).

Especial anual Ramones el 30 de Diciembre en Gruta 77.

2006-12-27T23:14:00.000+04:00

El sábado 30 de Diciembre,como cada año,se celebrará en la sala GRUTA 77,el concierto especial anual homenaje a Los Ramones.Este concierto es un clásico de las vísperas de nochevieja y corre a cargo del grupo DDT que tocará íntegramente temas del mítico grupo americano.
Como siempre habrá sorpresas y colaboraciones especiales.

Muere James Brown

2006-12-26T21:12:00.000+04:00

Muere James Brown ,el padrino de soul,víctima de una grave neumonía.Mr. Dinamita,como se le conocía era capaz de cambiarse de vestuario hasta doce veces en cada actuación.Fue uno de los primeros en ingresar en el prestigioso Salón de la Fama.

Muere James Brown, el "padrino del soul"
Por Xavier Letamendi
Publicado: lunes, 25 de diciembre de 2006 23:06
El fallecimiento ayer del legendario James Brown, el "padrino del soul", supone la desaparición de una de las principales referencias de la música en los últimos 50 años, junto a Elvis Presley, Bob Dylan y pocos elegidos más.

La muerte del que algunos también consideran el "rey del funk", le sobrevino ayer a las 01.45 hora local en el Hospital Emory Crawford Long de Atlanta (Georgia), al que había ingresado el domingo aquejado de una neumonía.

Brown, que nació el 3 de mayo de 1933 en Carolina del Sur, durante la Gran Depresión, fue, al igual que Elvis Presley y Bob Dylan, una de las principales influencias musicales de los últimos 50 años.

David Bowie, Michael Jackson y Mick Jagger son algunos de los artistas que le tuvieron como maestro.

Foto histórica:Yo con Los Ramones

2006-12-22T20:28:00.000+04:00

Los Ramones-Galería

2006-12-22T20:24:00.000+04:00

Los Ramones,los precursores.

2006-12-22T15:20:00.000+04:00

Los Ramones fueron la primera banda de rock punk. Otras bandas como los Sex Pistols estuvieron antes y marcaron la estética y la violencia del género, pero Los Ramones materializaron los ideales del ritmo.

Cuando el cuarteto formado en Queens entró en escena en 1976 con su primer disco, titulado con el nombre de la banda, lo hicieron en medio de un escenario de rock narcisista. Los Ramones lo devolvieron a lo básico: canciones simples, rápidas y puras de rock and roll. Sin maquillaje, sin egos, sin juego de luces, sin sinsentidos.

Aunque sus letras eran algo oscuras, salidas del sótano mismo de la adolescencia, el grupo también supo darle un toque caricaturístico y divertido que reenergizó el rock and roll. Relanzaron el movimiento punk desde sus raíces en Nueva York y Londres, además de reducir las presentaciones del rock tamaño estadio a espacios más reducidos como los clubes de barrio.

El estilo de los Ramones estaba basado en la esencia misma del rock and roll (cuatro instrumentos, una melodía pegajosa y letras llamativas), pero acelerándole el ritmo. Estaban anclados en el estilo de inicios de los 60, antes de que los mismos Beatles sonaran revolucionarios.

Contemporáneos como “Patti Smith, “Television”, “Talking Heads” y “Richard Hell” tenían un estilo más intelectual y artístico que los Ramones. A pesar de ello, la banda apelaba a esa misma mentalidad debido a la forma en que transformaron el rock, además de hablar de una cultura pop kitsch y particularmente tonta.

Sus primeros cuatro álbumes fueron el mapa que guió a la música punk y el hardcore durante las próximas dos décadas. Una carrera tan dilatada fue criticada por muchos alegando que la banda había renunciado a sus ideales originales y no permitió la evolución estética del punk, pero lo cierto es que los Ramones tocaban porque les gustaba la música, nada más.

Originarios de Forest Hills en el barrio de Queens en Nueva York, los Ramones se formaron en 1974 originalmente como un trío. Joey Ramone (Jeffrey Hyman) tocaba la batería y cantaba, Johnny Ramone (John Cummings) era el guitarrista y Dee Dee Ramone (Douglas Colvin) llevaba el bajo. El grupo era representado por Tommy Ramone (Tom Erdelyl), quien más tarde pasaría a tocar la batería y Joey se dedicó a cantar.

Todos los integrantes que han formado parte del grupo se han puesto el Ramone como apellido, además de usar jeans, camisetas y jackets de cuero negro en una clara señal de respeto a los músicos de la vaselina.

Su primera presentación fue el 30 de marzo de 1974 en el Performance Studio de Nueva York, después de la cual Tommy Ramone empezó a tocar la batería. A finales de año el grupo ya era un grupo fijo en el club CBGB, en donde tocaron por casi un año, además de otros lugares de Nueva York. Sus presentaciones no duraban más de 20 minutos, porque sus canciones no eran más largas de dos minutos. Fue en este período que lograron una base importante de seguidores.

En 1975 firmaron un contrato con Sire Records, lo que los convirtió en los segundos punk en firmar un contrato después de Patti Smith. Ese mismo año tuvieron su primera presentación en televisión en los Radio City Studios.

Su primer disco salió a la venta en Estados Unidos en la primavera boreal de 1976 y en Inglaterra el 4 de julio de ese mismo año. El costo de grabación no superó los US$6 000,00. “Ramones” llegó al lugar 111 de la lista de álbumes más vendidos. El año transcurrió entre presentaciones y el estudio de grabación: el resultado fue su segundo LP “Ramones Leave Home”. El disco no tuvo mayor suceso en Estados Unidos, en tanto en Inglaterra llegó a la casilla 48 durante la primavera de 1977. Unos meses después los Ramones y los Sex Pistols eran los dueños de la escena punk, pero con la separación de los Pistols la mesa quedó servida para los Ramones que a finales de 1977 sacaron su tercer LP: “Rocket to Russia”.

En mayo de 1978 Tommy Ramone dejó de tocar en la banda y se dedicó a producir el próximo disco. En su lugar llegó Marc Bee quien fue rebautizado como Marky Ramone. Con su nuevo baterista los Ramones grabaron su cuarto álbum: “Road to Run” y lo lanzaron a finales de año. El disco fue el primer intento serio del grupo por cambiar de sonido adoptando sonidos de los sesenta como el chicle, los coros femeninos y el surf, sino que además fue su primer disco en pasarse de los 30 minutos.

Aunque su sonido era más accesible, no le dio al grupo la notoriedad que merecía; como tampoco lo hizo la película de 1979 “Rock and Roll High School” en la que los Ramones eran una pieza central.

Los primeros cuatro álbumes de la banda iniciaron una revolución en el estilo de hacer música y en el vivir mismo. Aunque las canciones de los Ramones pueden verse sencillas a primera vista, su síntesis casi icónica de la realidad las convierte en una comunicación directa y sin ambigüedades. Inclusive, el uso de la estética de los años sesenta lejos de convertir su música en un viaje retro, le dio al grupo una considerable dosis de originalidad.

Su quinto disco se grabó en 1979 con el legendario Phil Spector como productor. La canción principal de la película “Rock and Roll High School” era de este disco en producción. Además, la gran mayoría de las canciones de la película eran viejas producciones del grupo que fueron remezcladas por Spector.

En enero de 1980 apareció “End of the Century”. El disco fue recibido muy bien por la gente, aunque las críticas fueron mixtas. En Inglaterra la versión de “Baby I Love You” de las Ronettes estuvo entre las 10 más calientes, en tanto en Estados Unidos el disco como un todo estuvo en el puesto 44.

Aunque en 1981 lanzaron otro disco (Pleasent Dreams) el disco pasó sin pena ni gloria. Hasta 1983 el grupo se dedicó a ir de gira por Estados Unidos y Europa. Ese año lanzaron “Subterranean Jungle” un LP producido por Ritchie Cordell y Glen Koltkin, los dueños de la disquera Beserkley. El disco no solo no alcanzó a ampliar la cantidad de seguidores, sino que además redujo la cada vez más escasa base de seguidores, además de darle argumentos de sobra a la crítica. Terminado de salir el disco, Marky Ramone dejó el grupo y fue sustituido por Richard Beau, ahora Richie Ramone.

En 1984 lanzaron “Too Tough To Die” una clara respuesta a la nueva ola punk que se apoderaba de norteamerica. El disco les ayudó a reponer su reputación artística, como también lo hizo el sencillo de 1985 “Bonzo Goes to Bitburg”, un claro ataque a la visita que hizo Reagan a Alemania en 1985.

Sin embargo, y a pesar del éxito, los Ramones no siguieron con el sonido que lograron en “Too Tough To Die”, muy por el contrario su siguiente disco “Animal Boy” inauguró un estilo musical más popular, estilizado y convencional que se mantuvo hasta la separación de la banda en 1996.

A lo largo de los años 80 el grupo varios cambios en su formación que incluyeron las salidas de Dee Dee y Richie Ramone y el regreso de Marky Ramone.

A inicios de los noventa la banda logró estabilizarse con la entrada a tratamiento contra el alcoholismo de Joey y Marky Ramone. En 1992 grabaron Mondo Bizarro un disco que fracasó estrepitosamente, al igual que su sucesor Acid Eaters, un disco de covers.

Luego de este disco, percibieron que la presencia de agrupaciones como Green Day y Offspring estaba revitalizando el punk. Por eso decidieron lanzar “Adiós Amigos”, un disco que de no tener éxito significaría la desaparición del grupo. Y así fue. En 1995 la banda salió a su gira de despedida, además de aceptar una invitación al festival Lollapalooza. Después cada cuál siguió su camino, 20 años después de lanzar su primer disco.

Su última presentación fue el 6 de agosto de 1996 en The Place, en Los Ángeles. Marky Ramone intentaría seguir con un par de bandas que llevaban su nombre, CJ armó “Los Gusanos” y “Warm Jets”. Dee Dee intentó en el Rap pero no tuvo ningún suceso y conformó su propio grupo que no ha tenido mayor impacto.

Los que alguien llamó “los Beatles del punk” en 2002 recibieron el reconocimiento más importante de su carrera cuando fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll.

El 15 de abril de 2001 Joey Ramone falleció por un linfoma, en junio de 2002 Dee Dee Ramone falleció por una sobredosis de droga y el 16 de setiembre de 2004 Joey Ramone falleció consecuencia de un cáncer.

Los Ramones se presentaron en 2 263 concierto, casi tantos como los Grateful Dead, por paradójico que pueda sonar. Grabaron 21 discos, casi uno por año, y hoy son reconocidos como una de las bandas más influyentes de la escena americana, mientras siguen revolucionando el rock and roll.

Los Clash.

2006-12-19T18:54:00.000+04:00

Los Clash.El mejor grupo de todos los tiempos.

2006-12-19T15:28:00.000+04:00

Se formaron durante la primera explosión punk de los años setenta en Inglaterra y llamaron la atención por su sonido fuerte y heterodoxo, además de su pensamiento político señalado como de izquierda. A de que su idea de "los admiradores están primero" les granjeó muchísima audiencia y opinión positiva, lo que los separó del resto de los grupos fue su capacidad de cambiar permanentemente en su creación musical. A pesar de ello, siempre se mantuvieron a la vanguardia del movimiento rock.

Su primer disco, "The Clash", nunca fue lanzado apropiadamente en los Estados Unidos y, para cuando finalmente fue presentado, algunas pistas fueron removidas para dar espacio a los sencillos que tenían la posibilidad de llegar a ser éxitos.

Se formaron durante la primera explosión punk de los años setenta en Inglaterra y llamaron la atención por su sonido fuerte y heterodoxo, además de su pensamiento político señalado como de izquierda. A de que su idea de "los admiradores están primero" les granjeó muchísima audiencia y opinión positiva, lo que los separó del resto de los grupos fue su capacidad de cambiar permanentemente en su creación musical. A pesar de ello, siempre se mantuvieron a la vanguardia del movimiento rock.

Clash tenía una química difícil de explicar que los hacía una gran banda. Joe Strummer, el guitarrista rítmico, escribió la mayoría de las canciones, mientras que el guitarrista Mick Jones era quien componía la música. En tanto el bajista Paul Somonon ayudó a desarrollar la forma (anti) estética de la banda. El baterista, Topper Headon, un tipo que iba de aquí para allá, se encontró con la posibilidad de darle el poder y la fuerza a la banda. Fue esta mezcla de talentos y personalidades lo que convirtió a Clash en una máquina con fuerza creativa.

Cuando la banda salía a escena ponían todo su ideario político e idealismo dentro de un empaque cargado de fuerza, energía y explosividad que se conectaba directamente con los sentimientos de la audiencia.

Mick Jones y Joe Summer se conocieron en una fila de desempleados. El grupo se formó en junio de 1976 cuando Strummer dejó su grupo de pub, los "101ers", para unirse a Jones, Paul Simonon y al guitarrista Keith Levene, quienes venía de la banda de Jones llamada "London SS". Llamaron a Terry Chimes (apodado como "Tory Crimes") para la batería. Unos meses después Levene dejó la formación para armar una propia.

En el momento en que se formaron Strummer vivía en una casa comunal y Jones compartía el cuarto con su abuela. Ambos estaban en el lugar preciso para poder escribir sobre el aburrimiento, la pobreza y la lucha de clases que guiaba el punto de vista punk. Simonon, el bajista, sugirió el nombre "The Clash" al notar las veces que aparecía la palabra en un diario que leía frecuentemente. El nombre insinuaba el conflicto de sus propias vidas, por eso no podía haber un mejor nombre.

Su primer disco, "The Clash", se grabó en tres fines de semana y fue presentado en Inglaterra en abril de 1977. El disco fue llamado "arquetípico del punk" y fue uno de esos discos que cambiaron la historia y la forma del rock. En él venían canciones que se convertirían en himnos del movimiento punk como "White Riot", "I'm So Bored With the U.S.A." y "London's Burning." En ese mismo álbum el grupo reconoce la raíz política que los une con el reggae en la canción "Police & Thieves".

"The Clash", nunca fue lanzado apropiadamente en los Estados Unidos y, para cuando finalmente fue presentado, algunas pistas fueron removidas para dar espacio a los sencillos que tenían la posibilidad de llegar a ser éxitos. El disco tuvo éxito fundamentalmente por el boca a boca y porque la prensa habló maravillas de la banda.

A finales de 1977 e inicios de 1978 el grupo lanzó una serie de sencillos que no fueron incluidos en LPs posteriores que funcionaron como comunicados ideológicos con sus admiradores, las canciones fueron "Complete Control", "Clash City Rockers" y "(White Man) In Hammersmith Palais". Su segundo álbum, "Give 'Em Enough Rope", fue un llamado al perfeccionamiento en la ejecución. De ahí se extrajeron "Safe European Home" y "Stay Free".

Sin embargo, el disco que es considerado el clásico de The Clash fue el doble LP "London Calling" que salió a la venta en Inglaterra en diciembre de 1979 y en Estados Unidos en enero de 1980. El disco combinaba la energía y actitud del punk de los setenta, con el enfrentamiento y la inteligencia de la década que comenzaba. El disco producido por Guy Stevens se convirtió en uno de los discos más importantes de la década.

De él se extrajo su primer éxito en Estados Unidos "Train in Vain" que llegó al número 23, aunque fue incluida en el último minuto y ni siquiera aparecía en la funda del disco. Intencional o no, la omisión del dato hacía ver que el grupo no tenía mucho que ver con el tema de la fama, o al menos sabían controlarla.

Ese mismo año presentaron la película "Rude Boy" en la que aparecían varios actos en vivo de la banda. En ellos se demostraba porque han sido considerados uno de las mejores presentaciones en la historia del rock.

Manteniéndose consecuentes con su visión de mundo, su cuarto álbum se llamó "Sandinista!" que se inspiraba en los movimientos revolucionarios centroamericanos y en la triunfante revolución nicaragüense. Era una reafirmación de sus ideales. El disco era un triple LP, al que la banda le rebajó sus ganancias para poder venderlo a un precio relativamente accesible. Los discos tenían temas como "The Magnificent Seven", "The Call Up", "Police on My Back" y "Washington Bullets" que empujaron al triple álbum hasta el número 27 en Estados Unidos, parecido al 24 de su predecesor. Si se toma en cuenta el costo de los discos realmente fueron muy buenas colocaciones.

Su último disco fue "Combat Rock". Presentado en 1982 llegó hasta el número 7 de los discos más vendidos empujado por los sencillos "Rock the Casbah" y "Should I Stay or Should I Go". Esta última canción llegaría a ser el único número uno de la banda en Inglaterra, nueve años después de su lanzamiento oficial.

En el momento en que salió "Combat Rock" el grupo enfrentaba diferencias internas importantes que llevaron a su ruptura en la cima de su carrera. Su última presentación fue en un festival de rock en 1983. Luego Jones volvería a unir a Strummer y Sinonon para armar el grupo Big Auido Dynamite que lanzaría el tema "Cut The Crap" en 1985, para luego desbandarse al año siguiente.

Los integrantes de la banda se mantuvieron alejados por mucho tiempo hasta que se se reunieron a finales de los 90 para una compilación de éxitos y un documental sobre la banda. Aunque eso y la actuación en el 2002 en una beneficencia hizo ver las posibilidades de una reunión, todo se acabó con el fallecimiento de Joe Strummer el 22 de diciembre del 2002 de un ataque al corazón.

Simplemente "The Clash", estuvo entre las bandas más explosivas e interesantes en la historia del rock and roll. Ayudaron a crear y definir el movimiento punk. Si los Sex Pistols con su corta duración fueron la expresión del nihilismo, entonces Clash expresó la conciencia política. Después de la separación de los Sex Pistols, Clash se convirtió en el centro del movimiento punk y fue su icono durante cinco años. Sus discos fueron una muestra de tiempos tumultuosos, cargados de instinto y la crudeza del poder.

Adam and the Ants-Fotos

2006-12-11T20:48:00.000+04:00

Adam and the Ants

2006-12-11T16:22:00.000+04:00

Adam Ant es uno de esos fenómenos de la música que llegan y salen con la fuerza de un huracán. Un tema basta para que en dos semanas la gente se vuelva loca y con la misma velocidad les olvide.
Inicialmente, Adam Ant, se basó en el uso intenso de la guitarra propio del post punk, más tarde pasó al pop y luego retornó como un cantante para el público adulto. Sus grabaciones más que influyentes eran una muestra de los movimientos en los que se inscribió.
Stuart Leslie Goddard, Adam Ant, nació en londres el 3 de noviembre de1954. Hijo único de una familia de trabajadores, tuvo las oportunidades básicas de estudio de un chico de su generación.
Terminada su secundaria, a inicios de los setenta, se enroló en "Bazooka Joe" una banda con la que estuvo hasta 1975 cuando se marchó para formar su propio grupo: Los "B-Sides". Al mismo tiempo cambió su nombre a Adam Ant y su esposa se lo cambió a Eva.
Para 1977 se había divorciado y abandonó la universidad para dedicarse enteramente a la música. Entonces formó un grupo post punk llamado "Adam and the Ants" en el que estaba el guitarrista Lester Square, el bajista Andy Warren y el baterista Paul Flanagan. Envueltos en vendas, se convirtieron en un éxito local y tuvieron algunas apariciones nacionales. El grupo era más teatral que los demás grupos punk e incluían objetos e imágenes sadomasoquistas.
Ansioso por alcanzar la fama y un contrato con algún estudio de grabación, contrató al antiguo manejador de los Sex Pistols, Malcom McLaren. A finales de 1979 ya habían grabado su primer álbum "Dirk Wears White Sox". La contratación de McLaren trajo consigo un cambio de imagen y de estilo musical. Por una parte el grupo empezó a vestirse como piratas y por otra la música se volvió más pop.
Desafortunadamente, después de la salida del disco, McLaren, convenció a las hormigas (Ants) de dejar a Adam y convertirse en el grupo de rock Bow Wow Wow.
Inmediatamente Adam rearmó la banda con el guitarrista Marco Pirroni, el bajista Kevin Mooney y los bateristas Terry Le Miall y Chris "Merrick" Huges. Bautizaron su ritmo como "Antmusic", aunque los especialistas lo llamaron, new wave. Su primer LP fue "Kings of the Wild Frontier" que alcanzó un éxito comercial impresionante con tres canciones que llegaron al top 10 inglés: "Dog Eat Dog", "Antmusic" y el tema homónimo del disco. Los temas venían acompañados de videos cargados de maquillaje que llamaban la atención de todo el mundo y explotaban la figura estilizada de Adam Ant.
Sin embargo, con el éxito llamando a las puertas, la banda se volvió a separar después de la salida de "Prince Charming" el LP de 1981. A pesar de ello, Ant continuó su relación musical con Marco Porroni y, a partir de ello, lanzó su carrera en solitario con el disco de 1982 "Friend or Foe". El disco fue un éxito en Estados Unidos obteniendo un disco de oro y llevando el sencillo "Goody Two Shoes" al número uno. También se extrajeron "Friend or Foe" y "Hello, I Love You".
En 1983 volvió con "Strip" un disco que fracasó en Estados Unidos, pero que incluía el sencillo "Puss 'n' Boots" producido por Phil Collins y que llegó a las 10 más calientes de Inglaterra.
Justo después de ese éxito parcial vino el álbum "Vive Le Rock" que hacía referencia al rock de los 50 y que fue producido por Tony Visconti quien produjo a los rock punk T-Rex y a David Bowie. Vendría su presentación en Live Aid y con ella una pausa en su carrera musical para dedicarse de lleno a la actuación.
En 1990, Adam Ant regresó con el disco "Manners and Physique", un proyecto cargado a lo electrónico y producido por el ex bajista de Prince, Andre Cymone. Con ese disco Ant volvió a las listas con "Room at the Top". A este disco le siguió "Persuasion", pero la disquera MCA decidió no sacarlo y Ant volvió a las pantallas.
5 años más tarde regresaría con "Wonderful", un disco basado en la música de los Beatles, usando guitarra y el tradicional apoyo del sintetizador. Desafortunadamente, el disco empezó a despegar con el tema que le daba al nombre al disco, cuando Ant cayó enfermo y eso lo forzó a no llevar a cabo una gira mundial.
De alguna manera, su estilo musical se puede escuchar en el trabajo de Elastica, Nine Inch Nails y Suede.

Culture Club II

2006-12-11T12:35:00.000+04:00

Culture Club

2006-12-07T23:14:00.000+04:00

Los años ochenta fueron los años del exceso, de la imagen por la imagen, de encontrar nuevas formas de impactar por medio de la comunicación en las masas. Probablemente los primeros en entenderlo fueron los Devo con su video específicamente preparado para lanzar un tema, no como resultado de su éxito.
Le siguieron los Duran Duran, Prince y Madonna que usaron el video como su sello personal, generando una expectativa en torno al lanzamiento del video mismo, además de la canción que lo movía. Sin embargo, en medio de esa construcción mediática de imágenes apareció un rostro prefabricado (Michael Jackson todavía no se había hecho "las dos cirugías"), ambiguo, desabrido. En algún sentido, fue el rostro de los años ochenta: Boy George (George O'Dowd). Su apariencia travestida fue un ícono para una época, en Costa Rica quizás significó el abordaje de temas sexuales entre jóvenes, pero en el norte era una imagen que aprovechó el ambiente de "todo es posible, no hay límites" de la década.
Con una representación así de directa, Culture Club, tuvo las puertas abiertas para hacer lo que quisiera con una audiencia que estaba dispuesta al impacto. Pero frente a una imagen transgresora, había una música pop, romántica y suave, que no tenía mayores pretensiones.
George O'Dowd dejó su natal Kent (Inglaterra) a finales de los años 70 para dirigirse a Londres buscando un ambiente más abierto y estimulante para terminar de desarrollar su singular sentido de la moda. Y así fue.
Empezó a presentarse en varios clubes y se convirtió en una especie de punto de referencia porque imponía una tendencia romántica, como los finales felices de las películas adolescentes de la época. Estas presentaciones facilitaron una presentación con Malcolm McLaren que luego daría paso al grupo "In Praise Of Lemmings" que tuvo una vida tan corta como etérea.
Sin embargo, esto permitió el contacto con el exbajista y Disc Jockey, Mikey Craig y el que fuera baterista de Clash, Jon Moss, con quienes desarrolló su estilo musical basado en lo más suave del Rithm & Blues. La formación se completó con el guitarrista Roy Hay y de ahí salió Culture Club.
Aunque el éxito no fue instantáneo, sobrevivieron tanto como para lanzar "Do You Really Want To Hurt Me", que llegara a ser número uno en Inglaterra y segunda casilla en Estados Unidos en 1982.
El disco debut, "Kissing To Be Clever", permitió que "I'll Tumble 4 Ya" y "Time" también se convirtieran en éxitos y se despertara una fascinación por la apariencia de George en Estados Unidos.
En este terreno fértil cayó el segundo disco "Colour By Numbers" de 1983 del que salió el número uno mundial "Karma Chameleon", junto con los éxitos "It´s a Miracle" y "Miss Me Blind". El éxito conseguido hizo que la voz de George y su imagen estuvieran vigentes por casi todo 1984.
Sin embargo, el hecho de que George probara la heroína y luego terminara su relación con Moss llevó a un disco que fracasó antes de salir: "Waking Up With The House On Fire" que terminó con la popularidad del grupo que era bastante alta, a pesar de "The War Song" que dentro de todo tuvo aceptación. Esto provocó que se separaran en 1987 después de "From Luxury to Heartache".
Boy Geroge fue puesto en prisión por su dependencia de la droga, lo que terminó de liquidar sus posibilidades como solista, mientras que el resto de los integrantes no tuvieron una suerte diferente. No obstante quedó como legado el manejo de la imagen, temas que aún hoy se bailan con nostalgia y el éxito alcanzado en dos años por una banda atípica.
En 1998 la banda se volvió a reunir para aprovechar que los 80 se volvieron a poner de moda y grabaron "I Just Wanna Be Loved" que se incluyó en el disco de la serie "VH1 Storytellers". Sin embargo, el brillo de 7 Top 10 en Inglaterra y 9 en Estados Unidos, no volvió.
Fue mítico el concierto que dieron en Madrid en el año 1984 en la sala Morasol de la calle Pradillo que ahora vuelve a ser un cine como antiguamente.Aún lo recuerdo como lo más divertido y con mayor sentido del espectáculo que he visto en mi vida.

Biografía de los B-52`s

2006-12-05T14:02:00.000+04:00

Se ha dicho que los B-52’s representan el sonido estadounidense de la misma manera que los Beach Boys. La diferencia radica en que hablar de un sonido específico después de los setenta es algo bastante difícil.

25 años después de haber empezado en un pequeño apartamento de Athens en Georgia, los B-52’s han vendido más de veinte millones de copias y permanecen como una de esas bandas raras y particulares, tan desconocidas como famosas.

De alguna manera, los B 52’s fueron una gran broma que aparecieron justo cuando el Punk declinaba y el New Wave emergía. El grupo apareció como una banda de los 60 cargada de inocencia, mezclando el pop con las raíces del surf, básicos en lo musical y tremendamente divertidos. la diferencia es que los B-52’s eran ridículos a propósito.

Quizás fue la primera agrupación que de dedicó a glorificar la cultura pop con el mismo empeño que Andy Warhol: presentaban un estilo de película de segunda con un sonido de primera que exaltaba lo extraño y absurdo dentro de la esencia cultural norteamericana. Aunque no necesariamente era una fórmula para el éxito, era algo bastante original.

Los B-52’s se unieron en octubre de 1976 en una noche de copas en un restaurante chino de Athens, Georgia. El nombre lo tomaron del apodo sureño que se le daba al moño alto y exagerado que se elevaba sobre la cabeza de las mujeres en los años 60.

Su primera presentación fue en una fiesta de amigos el 14 de febrero de 1977. Luego, Fred Schneider, Kate Pierson, Keith Strickland, Cindy Wilson y Ricky Wilson; empezaron a viajar en coche todos los fines de semana a Nueva York para presentarse en cuanto local los recibiera.

No pasó mucho tiempo antes de que se convirtieran en la sensación del mundillo pos punk. Pronto llegó un contrato para grabar su primer disco titulado con el nombre del grupo y producido por Cris Blackwell. El LP vendió más de medio millón de copias empujado por los sencillos “Rock Lobster” y “52 Girls”.

Lo asombroso de esto es que vendieron el disco y desarrollaron una base de admiradores exclusivamente a través del boca a boca, porque la radio prácticamente no los tomaba en cuenta. Ellos habían encontrado un hueco dentro del panorama, pero era un espacio que cada día se hacía más grande porque la gente quería cosas nuevas y frescas, y eso eran los B-52’s.

Sin quererlo se habían convertido en la punta de lanza del “New Wave” de los años 80. Junto a Blondie y los Talking Heads, los B-52’s siguieron la transformación del rock iniciada por el punk, ahora en declive.

El lanzamiento de su segundo disco, “Wild Planet”, en 1980 les trajo más cobertura en la radio y más seguidores. Canciones como "Private Idaho", "Give Me Back My Man" y "Strobe Light". Con sólo dos LPs los B-52’s tenían ya un catálogo de canciones que los identificaba como los dueños de la música alternativa. “Mesopotamia” de 1982 y “Whammy!” de 1983 le dieron al grupo mucha presencia en MTV y en la radio. Fue en 1985 cuando su guitarrista Ricky Wilson falleció de sida, enfermedad que en esa época era poco conocida.

Por eso su disco “Bouncing Off The Satellites” de 1986 fue dedicado a Willson. El disco tardó tres años en producirse y de él se extrajeron “Summer of Love” y “Wig”. Sin embargo, el disco no fue promovido con la fuerza necesaria, fundamentalmente porque el grupo estaba devastado por la pérdida y se cuestionaba seriamente seguir.

Pasaron tres años de duelo antes que Keith Strickland saliera de la batería y pasara a la guitarra a componer la música del nuevo dusco. El resultado fue un disco en el cual toda la agrupación metió cabeza y recibió la colaboración de los productores Don Was y Nile Rogers. “Cosmic Thing” (1989) fue el disco más vendido hasta ese momento y los convirtió en la banda de moda. El LP los devolvió a sus orígenes y de alguna manera fue el reconocimiento que no tuvieron al inicio.

Con 5 millones de copias vendidas y dos canciones entre las 10 más calientes ("Love Shack" y "Roam"), el disco los colocó como la agrupación obligada en cualquier baile, además de presentarlos a una audiencia más joven.

Después de 18 meses de gira que incluyeron una presentación ante más de medio millón de personas en el Central Park de Nueva York, la banda decidió descansar y fue ese el momento que aprovechó Cindy Wilson para salir de la forma más amistosa. Entonces empezó su proyecto en solitario: una bebé. Kate Pierson empezó a colaborar con otros artistas, incluidos los R.E.M. que también son de Athens.

Convertidos en un trío Fred, Keith y Kate lanzaron “Good Stuff” en 1992. Al mismo tiempo dedicaron su tiempo a trabajar por el tema del ambiente, el sida y los derechos de los animales, quizás es por eso que disco contiene tantas referencias a temas políticos y sociales.

Ocasionalmente Cindy Williams se une a la formación para salir de gira y colaborar en algunas grabaciones como las que se incluyen en el disco de éxitos “Time Capsule” de 1998.

Con el lanzamiento de su colección de éxitos de dos discos titulada “Nude on the Moon: the B-52's Antholog” en 2002, empezaron a recoger lo sembrado y a recibir crédito por su aporte a la música.

Han sido mineros de la cultura pop estadounidense y han creado un estilo muy particular que los mantiene vigentes sin importar la edad del público. En palabras de Fred Schneider “Solo hicimos lo nuestro que es una combinación de rock and roll, funk, Fellini, presentador de programas de juegos, maíz y mysticismo.” Y agrega, Keith Strickland “Quizás recién la gente empieza a entender lo que hacemos y lo que hemos venido haciendo todo este tiempo. (...) El mensaje subyacente de los B-52’s es, ‘está bien ser diferente’”.

Los B-52´s.

2006-12-04T22:24:00.000+04:00

Este grupo americano de los años 80 puro derroche de alegría,optimismo,belleza y diversión.Los modelazos eran lo más,la envidia de cualquiera.Algunos los tachaban de superficiales y sin grandes aspiraciones.Pero resultaron ser buenísimos.La buena música no tiene que estar reñida con el sentido del humor.Me quedaba horas y horas mirando las portadas de sus discos en mi habitación mientras afuera llovía,la gente era gris y mis padres no me dejaban salir.Gracias a ellos la vida era mejor.Gracias por hacerme soñar.

Los B-52´s.

2006-12-04T22:19:00.000+04:00

Stingray

2006-12-01T15:50:00.000+04:00

STINGRAY
El capitán Troy Tempest y George lee Sheridan, son los pilotos del "Stingray", un super submarino empleado por la organización WASP (Patrulla de Seguridad del Mundo Acuanauta), que tiene su cuartel general en Marineville, donde el comandante Sam Shore, su hija Atlanta, y el subteniente Fisher, vigilan los océanos del mundo y dirigen al "Stingray" y a sus tripulantes para abortar cualquier amenaza submarina.
La acción se sitúa en el año 2065, donde existen un buen número de razas de humanoides acuáticos que viven en los inmensos abismos oceánicos. Entre ellos se encuentra Titán, soberano de "Titánica",y su agente de piel plateada X-2 Cero.
Titán tiene esclavizada a una raza de "Acuafibios" a los que utiliza para vengarse de Tempest y el Stingray, después de que éstos liberaran a su esclava "Marina", una bella sirena hija de Aphonio gobernador de "Pacifica" de un miserable destino.
Marina ahora ayuda a la gente del "Stingray" cuando tienen que explorar recónditos lugares submarinos. Además siente una verdadera pasión por Troy Tempest, pasión compartida con Atlanta, que espera ansiosa su regreso a tierra firme.
Esta serie fué una de las creaciones de los británicos Gerry y Sylvia Anderson, que revolucionaron el mundo televisivo con sus excelentes series interpretadas por marionetas controladas por hilos y radiocontrol, y consiguiendo unos más que logrados efectos especiales para la época.
Stingray estuvo en antena durante los años 1963 y 1964, siendo la primera serie dirigida al público juvenil que se rodó en color.
La bonita canción "Aqua Marina" del final de los episodios ,fué compuesta por Barry Gray e interpretada por Gary Miller.

Lo he tomado prestado de mi blog favorito entre los favoritos titulado Viejas Series de TV.Es de los mejores y desde aquí os mando un gran saludo y sobre todo recomendar a mis visitantes que lo visirten cada 8 horas por prescripción facultativa.

Madness II

2006-11-29T13:42:00.000+04:00

Uno de los mejores grupos británicos de SKA.Junto con los Specials.Actualmente siguen llenando estadios con sus actuaciones con el carismático cantante Suggs al frente.Se formaron a finales de los 70 y sus mejores éxitos fueron realizados en la primera mitad de los 80.LLevaron al menos 20 temas al nº 1 de todas las listas de exitos.
Su peculiar sentido del humor,lleno de frescura y de imaginación mezclada con un optimismo desbordante,su elegancia a todos los niveles incluído en el vestir junto con unas magnifícas cualidades musicales,todos ellos grandiosos músicos les llevaron en seguida a ser uno de los grupos del momento.
Recientemente estuvieron en el festival de Benicasim llenando el enorme recinto hasta los topes.
Mención aparte merecen los magníficos vídeos que realizaron en la época dorada de los vídeos musicales en la TV.donde al principio con muy pocos medios,luego ya con algo más de recursos nos contagiaban de alegría contagiosa con sus hilarantes disfraces y escenas llenas de locura desternillante.
Las fotos que ilustran éste texto pertenecen al año 1979,excepto las 2 primeras.Se incluye un anagrama para interior de discos del sello en el que grababan,"Two Tones",donde también lo hacían muchos grupos de SKA,como los Specials.

Madness

2006-11-28T21:37:00.000+04:00

"HEY,YOU,THIS IS MADNESS.THIS IS THE VERY VERY MOUNSTER SOUND,THE NUTIEST SOUND IN THE WORLD"

TODO SON FOTOGRAFÍAS DEL AÑO 1979.

Juan de Pablos( ll)

2006-11-14T13:54:00.000+04:00

Juan de Pablos,el mítico locutor de radio,cuyo progama Flor de Pasión lleva casi 30 años en antena.Ha fomentado la afición y el conocimiento musical de mi generación basándo siempre su criterio de selección en el buen gusto,la originalidad y la frescura al márgen de las modas o la perfección del sonido.
Ha apadrinado grupos tan buenos como Airbag,DDT,GTO,FANTA,ACUSICAS,etc etc en los últimos tiempos así como contribuyó de gran manera a la difusión de tantos y tantos grupos al principio desconocidos y ahora son grupos de culto como todos los que formaron parte de la tan traída y llevada movida madrileña,hoy en día rentabilizada hasta la saciedad por las discográficas y editoriales,que no dejan de bombardearnos y saturarnos con constantes recopilatorios y reediciones.
En una de las fotos que veis aquí aparece al pie del escenario en la sala Siroco durante una actuación de DDT.
Actualmente presenta su programa "Flor de Pasión"diariamente de 6 a 7 de la tarde en R.N.E.(Radio 3).

Juan de Pablos

2006-11-13T21:11:00.001+04:00

Juan de Pablos

Nombre completo: Juan de Pablos López
Fecha de nacimiento: 9 de febrero de 1948
Lugar de nacimiento: Cáceres, España
Nacionalidad: Español
Medio de comunicación: Radio 3, RNE

Juan de Pablos López es un conocido locutor de radio nacido en Cáceres (España) en 1948.

Desde 1979 dirige en Radio 3 de Radio Nacional de España el programa Flor de Pasión, todo un hito en la historia de la radiodifusión española, siendo en la actualidad uno de los programas que más tiempo lleva emitiéndose. También dirige Ozono, otro espacio musical, en Radio Extremadura.

Biografía
Sus primeros pasos como locutor los dio en Popular FM, junto a Manuel Domínguez, presentando el programa de Moncho Alpuente, Autorretrato, mientras este se encontraba de vacaciones. Fue entonces cuando le presentó un proyecto de programa al por entonces director de la emisora, Gonzalo García Pelayo. El programa se llamó Ozono, y comenzó a emitirse en junio de 1972. En él pinchaba música country rock, folk rock, en la onda de los Byrds. Sin embargo cortaron la programación al año siguiente debido al control que ejercía el Ministerio de Información del régimen franquista. En la actualidad Ozono se emite en directo desde Radio Extremadura.

Entre tanto estuvo trabajando en la elaboración de la revista musical AU (Apuntes Universitarios) junto a otros colaboradores de la radio. Editaron monográficos sobre Bob Dylan, los Kinks, el Glam rock... El AU terminó cerrando, y Juan de Pablos se embarcó, junto al resto del equipo, en el proyecto de una nueva revista, llamada precisamente Ozono.

A finales de 1978 entró en la nueva emisora de RNE, Onda 2, donde comenzó a emitir Flor de Pasión el 22 de enero de 1979. En junio de 1983 le hicieron una gran oferta en Radio El País, y se fue a trabajar allí. Pero en diciembre de 1984 se vio obligado a abandonar debido a un cambio en la dirección de la emisora que le impuso unos horarios muy restrictivos.

En 1985 trabajó junto a Carlos Tena en el espacio musical de TVE, Auanbabuluba, realizando entrevistas a artistas tales como Ennio Morricone o Lio

Finalmente, en 1986 (terminada la etapa del Auanbabuluba), Fernando Argenta, director de Radio 3, le propuso rescatar el Flor de Pasión. Desde entonces el programa ha pasado por diferentes horarios, pero continúa emitiéndose con el mismo encanto que el primer día.

Otra de sus facetas ha sido su trabajo como actor, interpretando pequeños papeles en las películas "El año de las luces" de Fernando Trueba, "La mujer de tu vida" de Emilio Martínez Lázaro, y en la reciente comedia lisérgica "See you later Cowabunga" del director malagueño José Roberto Vila, entre otras.

Ha sido descubridor y padrino de toda una generación de grupos de pop español, dando a conocer en su programa maquetas y discos de artistas como Los Vegetales, Airbag, FANTA, Viernes13, Juniper Moon, Cola Jet Set... Y ejerciendo una gran influencia musical sobre muchos otros, como Los Fresones Rebeldes, La Buena Vida, Los Flechazos, La Monja Enana, Pauline en la Playa, Niza...

"Forza saluti a tutti bacioni auguri a boca di lupo arrivederci ea presto pino!"

Elvis Costello

2006-11-12T15:20:00.000+04:00

Joe Strummer (1953-2001)-Parte 1-

2006-11-12T15:01:00.000+04:00

Nació en Turquía en 1953,pues su padre que trabajaba en el ministerio de asuntos exteriores británico como diplomático estaba destinado en dicho país.
Vocalista y guitarra de los Clash.Compuso la mayoría de los temas.Uno de los más importantes músicos de la escena musical de los últimos tiempos.Fundó su primer grupo Los 101'ers en 1974 a la edad de 21 años.En 1977,después de haberle visto actuar coincidió con Paul Sim,monon y Mike Jones en la cola del paro y le propusieron formar un grupo con ellos.Joe strummer se pensó que lo que querían era atracarle.Después de probar sonido se pusieron a ensayar juntos horas y horas en una pequeña habitación.Los Ramones acababan de sacar su primer disco,que fues importantísimo y definitivo para que se difundiera y se instalara el Punk en Londres ya que venía de los Estados Unidos.Los Clash aprendieron a tocar música interpretando las canciones de ese primer disco de Los Ramones pues eran melodías muy sencillas y fáciles de ensayar.

Los Ramones

2006-11-06T21:27:00.000+04:00

F.A.N.T.A.con DDT

2006-11-06T19:12:00.000+04:00

En el Gruta.Fanta y DDT.Los grupos más divertidos y desconocidos.

DDT homenaje a Los Ramones

2006-11-06T19:09:00.000+04:00

Siouxie

2006-11-06T16:28:00.000+04:00

Siuoxie

2006-11-06T16:26:00.000+04:00

Siuoxie

2006-11-06T16:22:00.000+04:00

Los Peripat�ticos: Siouxie,lujo y poder�o del punk.
www.vamp.org/Siouxie

Creatin-hop: Gran Fiesta "Pr�mital"

2006-11-06T14:59:00.000+04:00

Creatin-hop: Gran Fiesta "Pr�mital"
www.primital.com

Gran Fiesta "Prímital"

2006-11-06T14:13:00.000+04:00

El martes 31 de Octubre,desafiando a todas las fiestas "Jalogüins"habidas y por haber,sorteando dráculas,brujas y tridentes por todas las calles,avenidas y estaciones de metro tuvo lugar en la sala Bogui de la capital madrileña,o sea,Madrid,la gran Fiesta PRIMITAL.
El ya mítico pero poco difundido grupo,cuya música sigue siendo inclasificable,inetiquetable(y ni falta que les hace!!)ofreció una vez más a su gran cantidad de seguidores(que cada vez son más y más ruidosos,eso está bien!!!)lo mejor de su repertorio cosechando una vez más los vítores y aplausos de un entusiamado auditorio.
Dieron un completo repaso a todos los temas de su mítico primer C.D.como:Primital,FunKy,Konectika,Irish pop I,Irish pop 2 (éste patrocinado por "aspiradores Mónix"),La botellita,Soul,Tektoketekirete,Casino...etc.
Incluyeron también un nuevo tema "La Invidente"(UN TEMAZO)que formará parte de su segundo trabajo,cuyo título y resto de contenidos aún desconocemos pero que seguro verá la luz en breve.
Salieron vestidos y maquillados de Vietnamitas un tanto sui géneris y con gafas oscuras y a mitad de concierto cambiaron de vestuario.
Realmente fue una gran noche de performance aderezada con buenas música.El cantante y saxo alto,Santi Ibarretxe, es un gran showman que se deja todo encima del escenario y contagia de alegría y buen humor a todos los presentes.Su energía junto con su buena fé lo transforma todo en buenas vibraciones.Los músicos que le acompañan son grandes profesionales de primer nivel y muchas horas de vuelo.
Hubo algunas colaboraciones de interés como por ejemplo la de Fran Rubio de "El Dúo a el Niño"(un experimento lúdico-musical)que creó especial atmósfera de espectación silenciosa y fue más breve de lo deseada,aunque sin desperdicio.

Gran Fiesta "Prímital"

2006-11-06T14:09:00.000+04:00

Creatin-hop: PR�MITAL EN CONCIERTO

2006-10-31T15:35:00.000+04:00

Creatin-hop: PR�MITAL EN CONCIERTO
www.primital.com

Thunderbirds

2006-10-30T15:13:00.000+04:00

Guardianes del espacio:THUNDERBIRDS
Serie de animación de marionetas creadas en 1965 por los geniales gerry y Silvia Anderson,autores de otras series de amimación.Esta fue sin duda la más famosa que cosechó gran exito internacional y tiene legiones de admiradores.
En la serie un millonario,Jeff tracy,ex-astronauta crea la organización"Rescate internacional"para hacer el bien a la humanidad y traer la paz al mundo.Crea unos vehículos,que pueden ir por tierra,mar y aire,cada uno de ellos pilotado por uno de sus hijos.
Mi favorita es Lady Penélope una agente secreto en Londres muy chic y muy elegante.Un poco así como la Silvie Vartan o la France Ghall en marioneta,muy yeyé...
El tema musical de fondo lo compuso Barry Gray y su orquesta,una maravilla que no tiene desperdicio.

PRÍMITAL EN CONCIERTO

2006-10-30T13:39:00.000+04:00

Mañana día 31 de Octubre,víspera de fiesta,gran concierto de Prímital en directo en la Sala Bogui.C)Barquillo 29,a las 23,00 horas.
Si ya conocéis a este grupo sobran las palabras.Si no lo habeis visto no sé a qué estais esperando.Cualquier aficionado a la música debería haber ido a verlos al menos dos o tres veces.
Su música es imclasificable,las letras en un idioma inverosímil que a ratos recuerda el italiano,otras algún dialecto africano,otras al brasileño,incluso al inglés,en realidad son un mero soporte para buscar también sonoridad a través de las palabras.
El hilo conductor es una amalgama musical perfectamente ejecutada por su líder Santi Ibarretxe,un virtuoso del saxo alto con enormes cualidades vocales,acompañado de un buen puñado de grandes musicos y especialistas en la materia.Todos ellos curtidos en miles de giras de miles de kilómetros acompañando siempre a las máximas figuras del panorama musical de este país.
No falta la imaginación un tanto naïf a veces,ni el sentido del humor lleno de entusiasmo,ni tampoco la energía que derrochan en grandes dósis,para en ocasiones retrotraernos a un pasado intrauterino lleno de candidez y simplicidad,o transportarnos a las culturas más ancestrales y primitivas de nuestra memoria.
Tampoco desperdician ni una gota de talento a la hora de montarnos literalmente en una improvisada alfombra voladora que se tranforma de pronto en una vertiginosa montaña rusa todo ello logrado solamente (y nada menos)a base de chorros y chorros de sonido sin escatimar ni una sola nota en balde.
CONCIERTO ALTAMENTE RECOMENDABLE.